Les 15 meilleures performances de films d'acteurs en 2019

Il y a eu un moment dans l'histoire du cinéma où les acteurs masculins ont adhéré aux attentes traditionnelles de la célébrité: fanfaron masculin, excès de confiance, bonne chance ciselée qui n'ose révéler un côté sensible. D'après les meilleures performances de cette année, ce temps est révolu pour de bon. Beaucoup des meilleures performances masculines de l'année ont révélé des personnages fragiles et peu sûrs aux prises avec le monde changeant qui les entoure, même si beaucoup d'entre eux venaient de stars de cinéma.



L'an dernier à la même époque, de nombreux acteurs célèbres étaient à l'honneur. Le monde se pâmait sur la rock star tragique de Bradley Cooper Jackson Maine dans 'A Star Is Born' tandis que Rami Malek a surmonté les controverses de 'Bohemian Rhapsody' pour devenir un favori des Oscars. Dans le même temps, les cinéphiles ont célébré l’une des plus grandes performances d’Ethan Hawke dans «First Reformed» et la progression de Steven Yeun dans un grand talent d'acteur avec «Burning» de Lee Chang-dong.

Cette fois-ci, les faits saillants de l'année atteignent un équilibre similaire: en mettant de côté les évasions et les rôles de soutien, les meilleurs hommes de premier plan à l'écran cette année ont soit poussé leurs talents familiers dans de nouvelles directions, soit ont pris la lueur du talent visible des travaux précédents et transformé dans un plan supérieur d'expression créative. Ce sont les 15 meilleures performances de films d'acteurs en 2019; pour les meilleures actrices de l'année, allez ici.



Antonio Banderas, “; Douleur et gloire ”;

«Douleur et gloire»



Dans “; Pain and Glory, ”; Banderas joue le cinéaste Salvador Mallo, qui soigne sa dépression et ses maux de dos avec un puissant cocktail d'analgésiques, d'alcool et d'héroïne alors qu'il revient sur l'histoire de sa vie au cinéma. Banderas n'a jamais donné une telle performance: intime, subtile, émotionnelle, sensible, réactive. Pedro Almodóvar a considéré deux acteurs suppléants car il n'était pas sûr que son vieil ami avait raison pour le rôle. Banderas l'a prouvé.

Banderas a lutté avec son retour à agir avec son mentor après 22 ans avec le psychothriller 2011 “; The Skin I Live In. ”; Néanmoins, il a pris avec impatience “; Pain and Glory, ”; en jouant le vieil auteur espagnol qui lui a donné une rampe de lancement de carrière avec des films des années 80 comme “; Labyrinth of Passion ”; et “; Tie Me Up! Tie Me Down! »Il n'a pas imité le réalisateur, mais il est là dans les cheveux hérissés, la façon dont il protège son dos, la réplique de sa maison à Madrid et même certains de ses propres vêtements. Pour une scène clé, le réalisateur a surpris Banderas et la co-star Leonardo Sbaraglia - incarnant d'anciens amants qui ne se sont pas vus depuis des années - en leur disant de faire un baiser profond si érotique qu'il les excite tous les deux. Banderas s'est éloigné de son carquois d'outils de star de cinéma, se penchant plutôt sur la fragilité qu'il a retirée de sa survie à une légère crise cardiaque il y a deux ans. Il s'est jeté entre les mains de son réalisateur, et les résultats sont magiques.

Christian Bale, “; Ford contre Ferrari ”;

Au centre du film de voiture de course percutant, cliquetant et intense, Ford & Ferrari ”; sont deux amis et collaborateurs yin et yang qui ont besoin l'un de l'autre. Le divertissement serré, tendu et émotionnel de James Mangold place les cinéphiles dans le drame de la vie réelle derrière le pilote de voiture de course devenu designer Carroll Shelby (Matt Damon) et le conducteur doué et enroulé Ken Miles (Christian Bale) alors qu'ils construisent un radical, nouvelle voiture de course, robuste et rapide (la GT-40) pour Henry Ford II, le tout afin de battre les coureurs d'Enzo Ferrari lors de la brutale course de 24 heures du Mans en 1966. Les gagnants des Oscars Damon et Bale jouent des côtés opposés de la même pièce: Shelby est le showman du Texas qui peut gérer les costumes mais qui vit grâce à son ami, qui ne peut pas faire de compromis dans sa quête du tour parfait. Il reste fidèle à lui-même. Mangold, qui a travaillé avec Bale sur «3:10 to Yuma», a estimé que le rôle était proche à bien des égards de Bale, qui est un père de famille. Il est venu pour mettre plein d'idées et d'énergie, inspirant ses co-stars.

«Ford contre Ferrari»

Renard

Les scènes calmes entre Miles et son jeune fils (Noah Jupe) centrent le film et étayent toutes les scènes de course à venir. 'Ford v Ferrari' tresse les moments intimes avec l'action; prendre soin de Miles vous fait prendre racine pendant qu'il conduit, parlant lui-même à travers les courbes de vitesse du test d'endurance Le Man. Bale a modelé son accent sur le quartier de West Birmingham au Royaume-Uni où Miles a grandi et a emporté une liste de dictons de la région à jeter dans la voiture. Ils n'étaient pas dans le script. Le résultat de la course au Mans dans le film est vrai - il y a beaucoup de photos de celui-ci. La créativité, la masculinité et l'esprit rebelle de Bale animent le film et font pleurer le public.

Adam Driver, “; Histoire de mariage ”;

«Histoire de mariage»

John Mulaney comédiens dans les voitures prenant du café

Netflix / capture d'écran

Au moment où “; Histoire de mariage ”; a frappé Netflix, le battage médiatique entourant la restitution par Adam Driver du nombre de Stephen Sondheim " Being Alive ”; avait déjà atteint la stratosphère. Et oui, cette performance tardive du troisième acte, lorsque le directeur du théâtre expérimental de Driver, Charlie, prend le micro dans le restaurant chic haut de gamme de New York, le Knickerbocker, présente certainement beaucoup de son talent - une capacité à sembler à la fois réservée et animée, frémissant avec émotions et encore en quelque sorte enfermé. D'ici là, cependant, Driver a déjà livré sa plus belle performance à ce jour, alors que le personnage se fraye un chemin à travers la dissolution tumultueuse de son mariage et arrive à la conclusion que c'est à peu près sa faute.

Le chauffeur donne à Charlie une obstination épineuse dans les scènes précédentes du film, alors qu'il se débat avec la décision de sa femme Nicole (Scarlett Johannson) de mettre fin à leur relation et de demander la garde de leur enfant. Mais l'acteur transmet une évolution subtile d'une scène à l'autre, alors que la résolution impraticable de Charlie cède la place à l'être fragile sous la surface, et ses frustrations frémissantes éclatent dans une bagarre pour les âges qui se termine avec l'homme adulte s'effondrant en larmes. Lorsque Charlie perd enfin son sang-froid, Driver déchaîne une sorte d'intensité brutale qui pourrait même troubler les nerfs de Kylo Ren. L'acteur a toujours excellé dans la projection d'une armure passive-agressive, mais “; Marriage Story ”; approfondit ce potentiel en lui injectant un vernis naturaliste. Après trois précédentes collaborations avec Baumbach, la chimie acteur-réalisateur ne pouvait pas être plus clairement définie, comme “; Histoire de mariage ”; exploite toutes les facettes des forces créatives de Driver pour les amplifier d'une toute nouvelle manière. Il est une révélation. —EK

Leonardo DiCaprio, “; Il était une fois à Hollywood ”;

“Il était une fois à Hollywood”

Un Cooper / Sony / Columbia / Kobal / Shutterstock

Au cours d'une carrière de près de trois décennies, DiCaprio n'a jamais été du tout confronté au genre de non-pertinence qui plane sur la célébrité hollywoodienne en train de disparaître de Rick Dalton. Mais combien il capture parfaitement ce sentiment de désespoir dans la lettre d'amour de Quentin Tarantino à une industrie passée. Rick oscille entre vanité et apitoiement sur lui-même alors qu'il réfléchit à une offre de relancer sa carrière en jouant dans des westerns spaghetti tout en se faisant un petit rôle de méchant dans une nouvelle série télévisée. Tant de grandes scènes suivent: le rituel de Rick de répéter ses lignes tout en se prélassant sur un radeau dans sa piscine; sa conversation sur l'artisanat avec Trudy Styler, huit ans (Julia Butters); ajoutant son commentaire en regardant un épisode d'une autre émission dans laquelle il incarne un méchant, “; FBI, ”; avec son cascadeur Cliff (Brad Pitt); accostant un groupe de hippies, mixeur à la main, qui ont remonté son allée privée. En raison du manque total d'ironie de DiCaprio dans le rôle de cette star de la télévision fanée, vous venez d'investir tellement en lui - c'est aussi engagé et sincère que toute performance qu'il donne. DiCaprio laisse une telle marque qu'il vous laisse même penser que Rick est un bon acteur. Et il n'avait même pas besoin de manger du foie de bison pour le faire. —CB

Jimmy échoue, “; Le dernier homme noir à San Francisco ”;

'Le dernier homme noir de San Francisco'

«Le dernier homme noir de San Francisco» est Jimmy Fails ’; histoire, et il est facile de voir comment, rétrospectivement, cela aurait été une erreur de faire intervenir un acteur plus expérimenté pour l'ancrer. Où une personne avec “; une plus grande portée ”; peut être à la recherche d'une motivation de l'intrigue plus concrète, il y a une pureté de finalité et une cadence factuelle qui échoue ’; amène à sa quête capricieuse de retrouver (et de maintenir) sa maison familiale, et finalement sa ville, au cœur de ce qui fait tourner le film. C'est une performance profondément ressentie, dans laquelle vous pouvez sentir Fails, aux côtés de son co-créateur Joe Talbot, réalisant presque le film. Les rythmes de la distribution de soutien sont à l'écoute de la livraison de Fails, la beauté fantaisiste de la photographie d'Adam Newport-Berra est la lentille à travers laquelle notre héros la voit, la nuance mélancolique est écrite sur son visage avec une réaction déchirante. coups. L'histoire douloureuse du “; renouvellement urbain ”; reçoit une histoire personnelle via “; Last Black Man, ”; ce qui fait un choix intelligent en ne mettant pas de filtre entre son cœur battant et le public. CO

Song Kang-Ho, “; Parasite ”;

'Parasite'

Néon

Les moments les plus bruts et les plus électrisants d'une performance de Song Kang-ho se trouvent généralement dans les états de transition entre les émotions, ou dans les espaces liminaires où ils se superposent - lorsque le bonheur se transforme en horreur ou que le devoir est salé avec vengeance - ce qui explique pourquoi le cinéaste le plus élastique du monde peut difficilement faire un film sans lui.

“; Parasite ”; est la quatrième collaboration de Song ’; avec Bong Joon Ho, mais aucun de leurs efforts précédents extraordinaires (“; Memories of Murder, ”; “; The Host, ”; and “; Snowpiercer ”;) ont été tout à fait dépendants de la la capacité de l'acteur à occuper plusieurs espaces différents à la fois, ni informé par le conflit de soi instable de son personnage. Song joue Kim Ki-taek, le patriarche d'une famille pauvre de Séoul dont la fortune commence à changer quand, un par un, ils se préparent chacun à être employés par la famille des nouveaux riches qui habite sur la colline. La tragicomédie violente qui éclate à partir de là possède un ensemble aussi profond que n'importe quel (et chaque) film que Bong a jamais fait, mais Song est le cœur brisé de l'histoire. —DE

George Mackay, “; 1917 ”;

'1917'

Si l'ambitieuse épopée de guerre en une seule prise de Sam Mendes est destinée à faire de n'importe quel joueur une star, c'est George MacKay, qui a longtemps été la meilleure chose dans un certain nombre de films beaucoup plus petits (du autrement lugubre “; Ophelia ”; à le sous-marin “; os à moelle ”;). Le Caporal Schofield, las de la guerre, est le rôle le plus adulte que l'acteur britannique ait joué à ce jour, mais celui qui s'appuie sur ses yeux de chiot pour vendre davantage la grande horreur de la Première Guerre mondiale et les nombreux jeunes hommes qu'elle a volés au monde. Initialement résistant à la mission insensée que lui et le caporal suppléant Blake (Dean-Charles Chapman) sont assignés au début du film - on a le sens à la fois des indices scénarisés et de la propre performance physique merveilleuse de MacKay qu'il a entrepris de telles idées folles avant, et sait comment ils ont tendance à finir - son Schofield est bientôt poussé dans un service encore plus grand que Blake. Si Blake au visage de bébé est le cœur du film, c'est MacKay qui apparaît comme son âme courageuse et fracturée. MacKay pourrait être notre prochain grand homme de premier plan, mais son travail en '1917' fait valoir qu'il est déjà arrivé à ce niveau raréfié. —KE

Eddie Murphy, “; Dolemite Is My Name ”;

'Dolemite est mon nom'

Netflix

Il y a certaines stars qui, lorsqu'elles marchent sur l'écran, apportent une présence et une familiarité qui vont au-delà du rôle. Eddie Murphy a caché ce charme sournois shoot-from-hip, classé-R qui en fait une star de nous depuis des années via des films pour enfants et le rôle dans un rôle de “; Bowfinger. ”; Ce n'est pas simplement agréable de le faire revenir dans “; Dolemite, ”; et pour voir qu'il a encore beaucoup de choses, ”; mais pour voir comment il utilise ce pouvoir d'étoile pour donner vie à l'esprit audacieux de Rudy Ray Moore. C'est une performance remplie d'amour et de respect, non seulement pour le vieil ami de Murphy, Moore, mais pour les efforts créatifs dans leur ensemble. Avec l'aide des costumes de Ruth Carter, Murphy habite le personnage de Moore en développant son propre personnage de performance. C'est un biopic qui n'a pas besoin du tragique virage à gauche pour explorer le danger du succès, et célèbre à la place - en grande partie grâce à Murphy / Moore en mettant son projecteur sur le casting de soutien, en particulier Da'Vine Joy Randolph - en révélant la belle talent performatif chez des personnes qui ne s’attendent pas à être des stars. CO

Matthew McConaughey, “; The Beach Bum ”;

“Le Beach Bum”

Néon

Bien sûr, ce n'est pas le genre de rôle qui obtiendrait la reconnaissance des prix, mais dans un monde meilleur, ce serait: Matthew McConaughey ’; s “; Moondog ”; n'a pas d'objectifs particuliers qu'il essaie de poursuivre, pas d'obstacles réels qu'il vise à surmonter, pas d'importance ”; à l'histoire ou à l'intérêt pour le changement social; en fait, il ne faut que très peu de transformation à McConaughey lui-même pour le jouer. Mais ce poète bronzé qui s'imprègne de la vie à Miami et des Florida Keys dans toute sa splendeur surréaliste est plus qu'un simple personnage: c'est une vision du monde ambulante, une répudiation de la personnalité de type A faite chair, un prophète de laisser la vie vous arriver plutôt que de toujours être dans le siège du conducteur.

Pas grand-chose ne se passe dans le dernier chef-d'œuvre floridien d'Harmony Korine: il se passe beaucoup de choses avec Moondog, y compris un héritage inattendu, un prix littéraire encore plus inattendu, et la rencontre sanglante hilarante de Martin Lawrence avec un requin. McConaughey salue tous ces développements dans ce picaresque trempé de Coppertone à peu près de la même manière à chaque fois, sa bouche légèrement béante, ses épaules se balançant comme s'il était sur le point de tomber d'un balancier, un rire spacieux éclatant de sa gorge. Il fait le tour complet de David Wooderson dans “; Dazed and Confused ”; mais sans même un soupçon de la menace latente ou de la vanité de ce personnage: Moondog est l'idéal platonicien d'un personnage de McConaughey. —CB

Andre Holland, “; Oiseau volant haut ”;

«Oiseau volant haut»

Netflix

Le drame sportif réalisé par Steven Soderbergh a fourni une opportunité d'homme principal attendue depuis longtemps pour le sous-utilisé et uber-talent Andre Holland, qui offre une performance dynamique. La Hollande a eu sa grande pause en jouant un personnage de soutien dans la série télévisée Cinemax de Soderbergh “; The Knick, ”; mais dans 'High Flying Bird', c'est entièrement son spectacle, et il en profite pleinement. C'est une performance de George Clooney «Ocean’s 11», imprégnant son personnage d'un charme similaire. Le script turbocompressé et chargé de dialogues de Tarell Alvin McCraney donne au casting talentueux du film, dirigé par Holland en tant qu'agent lisse et rapide, beaucoup de choses à mâcher. Holland joue généralement des personnages assez sobres, donc cela a été un changement passionnant pour lui, et il semble avoir le temps de sa vie décisif et féroce de la manière la moins prétentieuse. Il contrôle clairement chaque instant, offrant une performance en couches avec des rythmes presque parfaits. Le public arrive rarement à le voir déchaîné comme ça, et c'est tout un spectacle à voir. Il exige des visionnements répétés et montre pourquoi il est déjà considéré comme l'un des meilleurs acteurs de sa génération.

Robert Pattinson, “; High Life ”;

«High Life»

Aussi étroitement enroulé et caché qu'une performance que vous trouverez cette année, Robert Pattinson brûle toujours avec intensité en tant que Monte, un détenu condamné à une peine d'emprisonnement à perpétuité travaillant à bord d'un bateau-prison dans l'espace lointain. Claire Denis dirige chaque plan avec une si grande précision, dans ses cadrages, le blocage des acteurs et leurs performances hautement contrôlées, que le sentiment est celui de l'absence d'air et de la claustrophobie - une ambiance suffocante parfaitement adaptée à la fois à un sous-marin - style odyssée de l'espace et histoire de la prison. Pattinson est sur Denis ’; longueur d'onde froide: nous apprenons à le connaître principalement via son isolement des autres personnages (il refuse d'être touché) et la similitude obsessionnelle de sa routine quotidienne, y compris coup après coup du rituel de rasage méticuleux de Monte (avec une arête vive à la place de un rasoir réel). C'est un personnage qui se définit en étant distant, et pourtant son arc émouvant le met sur la voie de la prestation de soins - quelque chose que Pattinson transmet entièrement par l'engagement de Monte envers le processus et la routine, et les variations qui se produisent inévitablement. Là où tout se termine, c'est comme une version plus mystérieuse de “; Interstellar, ”; mais aussi beaucoup plus émotionnel. —CB

Joaquin Phoenix, “; Joker ”;

'Joker'

Warner Bros.

Aimez-le ou détestez-le, “; Joker ”; a suscité plus de débats que tout autre film sorti cette année. Néanmoins, il est difficile d'imaginer Todd Phillips ’; histoire d'origine granuleuse supervillain générant autant d'attention sans la performance cauchemardesque en son centre. En tant qu'Arthur Fleck, le pauvre habitant de Gotham aux prises avec un méli-mélo de maladies mentales et de revers de carrière, Phoenix canalise certaines de ses meilleures performances de mémoire récente - de “; The Master ”; à “; vous n'étiez jamais vraiment ici ”; - devenir un homme défini par les forces obscures le consommant de toutes les directions.

Tour à tour tamisé et flamboyant, horrible et hilarant, Phoenix baigne Fleck dans des contradictions qui définissent le ton troublant du film; plus que cela, il donne tout son corps au rôle avec un engagement singulier rarement vu dans le cinéma américain. Son cadre maigre suggère une créature de l'expressionnisme allemand errant dans le milieu urbain des années 1980, luttant pour donner un sens au monde qui l'entoure et finalement abandonnant. Regarder “; Joker, ”; on ne peut pas nier le sentiment que Phoenix a fait plus que s'attaquer à un personnage de bande dessinée surexposé avec aplomb; il réinvente le Joker de fond en comble. L'acteur a réussi à habiter la psyché du Joker, traînant une figure de la culture pop sur Terre et le faisant paraître réel. C'est une réalisation transgressive qui transforme ce film controversé en vitrine d'acteur pour les âges. —EK

Brad Pitt, “; Ad Astra ”;

'Ad Astra'

“; Ad Astra ”; commence par Brad Pitt, le Major Roy McBride, jouissant de quelque chose de très spécial 'moi' temps dans son endroit heureux au-dessus de la Terre. A sa manière, il est autant une parodie de masculinité que Tyler Durden; le héros parfait pour un film moins tourmenté par l'immensité de l'espace que par la petitesse de l'homme. Pitt comprend le rôle dans ses os et offre une performance qui arme la passivité dans une forme mortelle d'autodéfense. L'acteur est un vide pour lui-même, et il porte le genre d'expression vide et satisfaite qui donnerait à Tyler Durden envie de le frapper au visage parfait. Et puis Roy tombe sur Terre. Une surtension électrique massive et mystérieuse fait que l'antenne se détraque, et tous ceux qui se tiennent dessus sont envoyés s'écrouler (heureusement, avec un parachute). C'est un microcosme parfait pour le film à venir: plus Roy voyage dans l'espace, plus il se rapproche de chez lui. Même vu à travers les yeux de Pitt, l'action semble que cela arrive à quelqu'un d'autre. Chaque partie du voyage de Roy s'efface - chaque pas qu'il fait sur les traces de son père l'éloigne de plus en plus de devenir son propre homme. —DE

Ashton Sanders, “; Native Son ”;

«Fils natif»

HBO

Aston Sanders porte à lui seul le film de Rashid Johnson dans chaque scène. Le film le charge de diriger une version moderne de l'anti-héros littéraire Bigger Thomas sur un terrain très complexe et inquiétant. En tant que héros du roman provocateur de Richard Wright de 1939, Bigger est trop abstrait pour son propre bien. Mais le scénario de Johnson, avec Sanders, dans le rôle, fait beaucoup d'efforts pour essayer de le remplir.

Bien que le film lui-même ne tienne pas toujours ensemble, la performance riche en émotions de Sanders aide à le garder engageant tout au long de la scène.Il transforme la situation difficile de Bigger en une relation, car le public ressent son anxiété, sa peur et son exaspération avec le monde qui l'entoure. La façon dont l'acteur est capable de raconter une grande partie de l'histoire du personnage à travers des expressions faciales et des manières subtiles, se portant avec un certain swagger faisant autorité - malgré un physique si mince et même faible - est fascinant à regarder. Sanders transforme le roman de Wright en un portrait singulier des raisons pour lesquelles il est un si grand talent à l'écran. C'est une performance du jeune groupe 'Moonlight' qui, tout comme ce qu'il a fait dans ce film oscarisé, persiste longtemps après le générique.

Adam Sandler, “; Uncut Gems ”;

'Gemmes non coupées'

Adam Sandler a incarné de nombreuses figures désagréables et absorbées au fil des ans, mais avec “; Uncut Gems, ”; il joue le personnage le plus méprisable en 30 ans de carrière. Les réalisateurs Joshua et Benny Safdie font le suivi de “; Good Time ”; est sur cette même longueur d'onde - abrasif, dérangé, entraîné par un flou insupportable de mouvement et de bruit. C'est aussi un acte captivant de haut vol, associant des visuels cosmiques à l'énergie granuleuse d'un thriller psychologique sombre et des explosions soudaines de comédie frénétique, et c'est le premier film à vraiment communier avec les forces performatives de Sandler depuis Punch -Amour ivre. ”;

Prenez la saga frénétique de Howard Ratner - un bijoutier rapide qui cherche toujours le prochain gros score - ajoutez quelques punchlines lowbrow, et “; Uncut Gems ”; pourrait avoir très bien fonctionné comme l'un de ces yukfests Happy Madison de la fin des années nonante, pris en sandwich quelque part dans “; The Waterboy ”; et “; Big Daddy. ”; Au lieu de cela, il améliore le personnage de Sandler en un milieu plus crédible, intensifiant ses caractéristiques les plus agressives même s'il lui donne de la place pour trouver une certaine mesure d'âme. Sandler a toujours excellé à nous faire sympathiser avec les réprouvés, mais les films ont souvent du mal à suivre. “; Gemmes non coupées ”; touche à l'essence du génie qui se cache depuis toujours. —EK



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