Les 25 meilleurs films Road Trip


Qu'est-ce que le road trip se prête si bien au cinéma? En regardant les entrées du genre, certains de nos films très préférés de tous les temps se qualifient comme faisant partie de l'un des tropes les plus anciens du cinéma, et la sortie d'aujourd'hui de «Due Date» de Todd Phillips confirme, si une confirmation était nécessaire, que le le style est toujours vivant et dynamique.



C'est en partie que le cinéaste arrive à inclure autant de lieux cinématographiques qu'ils peuvent faire visiter leurs protagonistes, c'est en partie que la nature d'une poursuite ou d'un voyage est intrinsèquement filmique, et c'est en partie qu'il n'y a pas de meilleures façons de créer un drame que de coller un groupe de personnages et de les forcer à voyager dans la même direction.

En l'honneur du film de Phillips (qui, comme nous le verrons, divise le personnel ici autant que divise les critiques à travers le monde), nous avons sélectionné plus de vingt de nos voyages préférés sur grand écran. Tous ne sont pas parfaits, mais tous méritent d'être ajoutés à la file d'attente Netflix.



'Et ta maman aussi' (2001)
De retour au Mexique après 1998, les attentes sont moins que triomphantes & grandes attentes ”; adaptation, Alfonso Cuarón a tourné son regard vers un pays clairement aimé et plongé dans une tempête de traditions et de classes sociales opposées. Le résultat est “; Y Tu Mama Tambien ” ;, un regard élégiaque sur les jeunes en fleurs, comme en témoignent ici Tenoch (Diego Luna) et Julio (Gael García Bernal), qui sont antipathiques et apparemment dépassés en permanence par la luxure des adolescents. Leur errance stupide à travers les cercles de la croûte supérieure mène à une rencontre fatidique avec Luisa (Maribel Verdú, également distinguée, mais peut-être pas aussi séduisante, dans del Toro ’; s “;Labyrinthe de Pan“), Une femme plus âgée confiante et sexy. Leurs hormones dans un flux furieux, les garçons et Luisa prennent les routes du Mexique lors d'un voyage sur la route pour s'éloigner de leurs démons personnels - seules les Luisa semblent couper un peu plus profondément et alors qu'elle vire les garçons dans un monde de sexualité comme encore inconnue pour eux (à l'exception de leurs copines tout aussi excitantes mais apparemment effervescentes, qui apparaissent brièvement et au milieu du coït). Cuarón dépeint la pauvreté du Mexique avec amour et curiosité (aidé par le talent immense de DP Emmanuel Lubezki derrière la caméra), bien conscient de l'incongruité de la distribution avec la beauté silencieuse et sereine qui résonne si loin des somptueuses fêtes qui font l'apparence de leur vie. C'est peut-être cette combustion lente, la dissonance qui résonne de plus en plus fort à chaque scène qui passe, qui rend la révélation finale du film si déchirante sans effort, un halètement pris dans la gorge et deux hommes se souvenant en silence de qui ils étaient - et qui ils auraient pu l'être. [UNE-]



«Wendy et Lucy» (2008)
Aussi stupide que cela puisse paraître, le troisième film de Kelly Reichardt est vraiment plus un film de détour, consistant en ce qui se passe quand un changeur de vie naïvement planifié d'un voyage frappe une route cahoteuse. Ces images ont tendance à être minimalistes, mais «Wendy et Lucy» dépouillent vraiment le genre, se concentrant sur un événement sur lequel tout autre film ne passerait probablement que dix minutes et ne réfléchirait jamais. Ce faisant, il met au jour la situation étrange, lugubre et finalement probable (que vous le croyez ou non) de tout ce qui s'effondre successivement. Il parvient à frapper la plupart des mêmes notes que d'autres films de route, mais en limitant les voyages au pré-film et à la fin, il traite des diverses limites invisibles et effrayantes du pays, du système et de l'humanité dans un espace très clos . Il est également l'un des rares à vraiment capturer une gentillesse authentique et profonde, illustrée par Wally Dalton dans une scène finale clé: quelque chose que ses frères les plus froids négligent souvent. [UNE-]

«Blacktop à deux voies» (1971)
Un flop commercial à sa sortie, “; Two-Lane Blacktop ”; a été défendu par Esquire comme le film de l'année de 1971, et a continué à acquérir un culte suivant quand cela signifiait autre chose qu'une stratégie de marketing, mais le fait est que c'est si complètement un produit de son temps qu'il ne le fait pas t vraiment beaucoup à dire aux téléspectateurs modernes. Le casting incontestablement branché présente Warren Oates, le favori de Peckinpah (la performance la plus forte du film de loin) et un certain “; HD ”; Stanton, tandis que les leads, Beach Boy Dennis Wilson et le chanteur James Taylor marmonnent leur chemin à travers le dialogue laconique, affichant absolument aucune surprise à tout ce qui se passe, pas grand-chose: un couple de drifters a quelques courses de rue et une fille faisant de l'auto-stop dort avec eux deux, puis s'enfuit avec un motard. C'est un peu un frein (jeu de mots voulu), si très joli, avec la même séquence d'indulgence que, pour l'argent de cet écrivain, mars d'autres films de cette période et de ce genre, notamment “; Easy Rider ” ; (ooh! Controverse!) qui est tout aussi cool qu'il n'est agréable. Mais quoi que vous pensiez de la valeur de ‘ Blacktop ’; ‘ c'est certainement un road movie - l'une des expressions les plus pures de la forme sur cette liste, et le réalisateur Monte Hellman exerce une énorme influence à ce jour, même le producteur exécutif “ ; Chiens de réservoir. ”; Pour être honnête, cet écrivain vous recommanderait de profiter pour la énième fois plutôt que de vous asseoir à travers celui-ci, à moins que vous n'ayez beaucoup de patience, une énorme passion pour les voitures ou un grand sac de marijuana et 100 minutes pour tuer , Style années 70. [B-]

kevin hart homophobe tweet reddit

«Des voleurs comme nous» (1974)
Considérant que Robert Altman a abordé à peu près tous les genres existants dans sa carrière de 57 ans et 36 films (ok, il n'a jamais abordé l'horreur, et sa contribution de science-fiction a été assez obtuse 'Quintette», Mais quand même), ce n'est qu'une question de temps qu'il aborde les amoureux de« Bonnie & Clyde »sur le trope (en fait, le roman du même nom est aussi la source du fantastique film de 1949 de Nicholas Ray) , “; They Live by Night, ”; que beaucoup ont appelé à juste titre le proto- “; Bonnie & Clyde, ”; et l'un des films préférés de tous les temps de Truffaut ’; il a évidemment presque réalisé ‘ B & C ’;). Avec Keith Carradine et une jeune et étrangement belle Shelley Duval, un peu comme 'Badlands' de Terrence Malick et 'Sugarland Express' de Steven Spielberg - d'autres films de route que nous avons décidé de contourner en faveur de celui moins voyagé - le film de l'ère de la dépression est centré sur les amoureux condamnés En fuite. Rester proche du script et de ce qui était déjà vu dans “; They Live By Night, ”; La photo d'Altman en 1974 est centrée sur trois voleurs de banque qui se réfugient dans une petite ville, avec le plus jeune des trois (Carradine) blessé au travail, il tombe amoureux d'une fille qu'il rencontre dans leur cachette (Duvall). Mais contrairement à “; Bonnie & Clyde, ”; La prise d'Altman sur l'honneur, ou son absence, parmi les voleurs est beaucoup plus dynamique, peu glamour et émotionnellement distante (sans parler de la distance physique, la caméra semble parfois éloignée de l'action de braquage, créant une introspection silencieuse non vue dans la plupart des vols de banque à l'écran). En fin de compte, Carrardine n'est pas Farley Grainger, dont l'angoisse et l'angoisse font “; Ils vivent la nuit ”; si énormément engageante, et il y a une raison pour laquelle cette image d'Altman n'est pas aussi reconnue que ses autres classiques des années 70 «MASH», «Nashville», «McCabe & Mrs Miller» et «The Long Goodbye». Mais comme décontracté. et en fait comme “; voleurs comme nous ”; est - il n'y a pas de partition par exemple, juste un son diégétique - c'est toujours une œuvre fascinante dans le ouevre pas toujours parfait, toujours intéressant d'Altman. [C +]

«Thelma et Louise» (1991)
Vous pouvez soit mettre en scène le road movie de Ridley Scott en 1991 en tant que célébration emblématique de deux des personnages féminins les mieux dessinés, soit déplorer le fait que près de deux décennies plus tard, il soit toujours à peu près seul en tant que représentation crédible, mais cool, de la génialité qui peut être l'amitié féminine, quand elle n'a rien à voir avec les chaussures ou les cosmopolites. Quoi qu'il en soit, ce qui distingue ce film des drames déchirants et des romances moelleuses qui constituent généralement le film grand public des femmes ’; est la profondeur de la caractérisation (accessoires de l'écrivain Callie Khouri) - et pas seulement de nos héroïnes titulaires: Michael Madsen et Harvey Keitel, en particulier, jouent des hommes sympathiques contrairement aux sexistes, partenaires violents, voleurs et futurs violeurs ailleurs . Mais encore, c'est un film sur les femmes, les femmes aux vies compliquées, qui font des erreurs stupides et font face à l'adversité avec ingéniosité, humour et, à défaut d'un mot moins des années 50, moxie. Il est en fait assez excitant de voir tant de choses que l'on dit généralement sont des aspirations masculines - liberté, aventure, même danger et risque et une mort glorieuse - attribuées à deux femmes opprimées de la classe moyenne inférieure; et le résultat, dans le cas de cet écrivain, est une identification absolue sans gêne qui a rarement été inspirée depuis. Bien sûr, le prochain prequel d'Alien de Scott le verra créer une autre héroïne, alors voici en espérant qu'il nous donnera un autre Thelma / Louise / Ripley après ce qui semble maintenant être des décennies de performances croissantes de Russell Crowe. Espérons que ces dames vivront au-delà de leur arrêt sur image bien mérité Butch-and-Sundance, dans l'esprit, sinon en fait. [UNE]

«Le passager» (1975)
La collaboration quasi parfaite de Michelangelo Antonioni avec Jack Nicholson (à son apogée) franchit une étape rare dans la formule du road movie, le protagoniste réalisant le changement dès le premier acte. Le reste du film le trouve se livrant à sa nouvelle identité tout en échappant à l'ancienne, offrant un hybride de poursuite / film de route bizarre. La vie d'esprit libre fait signe à Nicholson tout au long du film dans le cadre extérieur richement détaillé d'Antonioni, mais il se nourrit à la place de l'excitation de son nouveau travail en tant que canonnier pour la cause rebelle. La vision quelque peu cynique d'Antonioni sur la génération et l'inutilité du changement est apparente, mais nous serons damnés s'il y avait jamais une scène meilleure et singulière reflétant cette époque que celle entre les deux personnages principaux. La jeune fille, se réveillant d'une sieste, demande à Nicholson de quoi il s'enfuit réellement, et il lui ordonne avec détente de lui faire face, dos à son siège. Coupure sur un plan en POV, la voiture s'éloignant de la route elle-même, étreignant, avec peu de distance à part les arbres environnants. N'importe quel autre réalisateur l'aurait martelé, mais la légère touche du génie italien le rendait foutrement pénétrant. [A +]

«The Sure Thing» (1985)
Si vous êtes inquiet que la comédie de Rob Reiner de 1985 sur un couple d'âge universitaire inadapté qui tombe amoureux lors d'un voyage à travers le pays soit l'un de ces films dont vous vous souvenez avoir apprécié, mais que vous avez ensuite revu et fini par penser moins à la personne que vous étiez autrefois que vous auriez jamais pu aimer un tel radotage (cet écrivain est toujours brûlé lors d'un récent accrochage avec “; Cocktail ”;), n'ayez crainte - cela tient assez bien, en grande partie grâce à la toujours charmant John Cusack, quelques scènes vraiment drôles, et un cœur fermement au bon endroit. Si certains éléments sont inutilement télégraphiés (sa tâche d'écriture en anglais doit être assouplie, ses besoins boutonnés; elle a un filofax, il a six paquets de bière, etc.), cela n'a vraiment pas d'importance - la subtilité n'est pas à l'ordre du jour ici . Avec des camées de soutien capables de Tim Robbins en tant que chauffeur de covoiturage de showtune-chanteur impitoyable, et Anthony Edwards en tant que meilleur ami de la côte ouest qui fait la fête avec la connexion à la succulente (et ridicule) Sure Thing of the title, (une Nicolette pratiquement muette) Sheridan), c'est une entrée aimable, sinon essentielle, dans le canon du road movie: la division comédie, et un film qui, comme son personnage principal, est obsédé par l'idée de sexe, mais qui est d'autant plus sympathique qu'il n'en obtient jamais réellement. [B +]

«Stagecoach» (1939)
Est “; Stagecoach ”; le premier road movie? Voyons, bande d'étrangers, se lier aux circonstances d'un voyage occidental perfide… ça sonne! Ce classique de pierre froide a cimenté dans l'immortalité trois des grands-pères les plus influents de l'Ouest: John Wayne, John Ford et Monument Valley. Ford garde son récit serré, son rythme à un rythme effréné et ses perspectives balayant dans son premier film sonore. Ford fait intelligemment le paysage et le décor autant de personnage dans le film que le reste de son groupe dépareillé, mettant en pierre ce traitement de l'emplacement qui informera les films de route pour toujours. John Wayne établit son caractère occidental éternel avec le Ringo Kid - impertinent, sachant et ne cédant jamais un pouce. Claire Trevor est impertinente et adorable en tant que prostituée au cœur d'or, et le reste de la distribution est parfait dans leurs traitements nuancés de personnages typiques. La scène de la diligence, pendant le siège d'Apache, où le médecin pointe son arme avec une seule balle sur la femme blanche enceinte est devenue un élément d'histoire établi dans de nombreux autres occidentaux à venir, et le “; sauver la dernière balle ”; trope persiste à ce jour, bien que principalement dans les films de zombies plutôt que dans les westerns. “; Stagecoach ”; est le western le plus influent à ce jour, et il a déclenché un siècle de films de route avec son traitement des personnages et son emplacement, sans parler de son style et de son énergie. [UNE]

«Rain Man» (1985)
Bien que superficiellement une image de maladie mentale, le type qui rapporte des Oscars aux acteurs pour avoir joué «spécial» - comme il l'a fait dans ce film de Barry Levinson pour Dustin Hoffman - à toutes fins utiles, “; Rain Man ”; est un film de road trip qui a plusieurs couches et dynamiques. Alors qu'il suit l'arc de voyage sur route américain éprouvé - un mâle alpha est accablé par une créature moindre, mais apprend à l'aimer malgré tout, sans parler apprend un peu quelque chose, `` quelque chose '' de lui - en 1988, peut-être que ce n'était pas pas aussi quotidien que cela puisse paraître (Todd Phillips admet que «Due Date» est fortement influencé par «Rain Man»). Tom Cruise joue Charlie Babbit, un douchebag à succès qui est devenu apoplectique de rage quand il découvre que son riche papa - qui vient de décéder - a donné ses millions à quelqu'un qu'il ne connaissait pas: son frère aîné autiste renvoyé de la famille à un très jeune âge. Indigné qu'on lui refuse ce qu'il croit être son droit naturel de naissance, il kidnappe son frère Raymond (Hoffman) comme moyen de racheter l'argent de l'avocat de son père à volonté. Raymond n'est rien d'autre qu'un fardeau au début, mais peu de temps après avoir mis en danger la vie de l'homme handicapé à quelques reprises, l'ignorant et impliqué Charlie commence à réaliser à quel point son frère a besoin de soins spéciaux. Au cours de leur road trip (Raymond ne peut pas voler), ce qui les conduit à Vegas, puis finalement à Los Angeles, les frères se lient et nous voyons que le vapoté Charlie a une âme malgré son extérieur cool-guy insupportable. Félicitations à Cruise et au scénario pour ne pas avoir pleinement racheté le personnage de Charlie (voir Josh Hartnett jouer le rôle sur scène à Londres n'a fait que souligner à nouveau à quel point Cruise est bon), et Hoffman est évidemment et iconiquement génial en tant qu'homme autiste rempli de tics. [B]

«Les aventures de Priscilla, reine du désert» (1994)
“; Je me joindrai à cette conversation à la condition que nous arrêtions de râler sur les gens, de parler de perruques, robes, tailles de buste, pénis, drogues, boîtes de nuit et sanglante Abba. ”; Si le bavardage rempli de caquetages sur les sujets susmentionnés n'est pas votre sac (à paillettes), alors " Les Aventures de Priscille, reine du désert ”; pourrait bien faire le voyage de l'enfer. Pour le reste d'entre nous, la comédie discothèque australienne de Stephan Elliott est un classique campy qui a été malheureusement éclipsé, au moins aux États-Unis, par le similaire (et inférieur) 'To Wong Foo'. Hugo Weaving, Guy Pearce, et Terence Stamp n'a peut-être pas alors eu le pouvoir vedette de Patrick Swayze, Wesley Snipes et John Leguizamo, mais ils sont chacun particulièrement merveilleux dans leurs rôles de deux drag queens et de travesti qui font un voyage sur la route à travers le continent de la ville à le pays (et il y a quelque chose à dire pour voir l'agent Smith, Leonard Shelby et le général Zod être si convaincants en robes et talons). Les vues de l'Outback sont bien tournées, mais ce sont les conceptions de costumes primées aux Oscars de Lizzy Gardiner qui en font vraiment un étourdissant visuel étincelant. Bette Midler prend la tête d'une version musicale de Broadway l'année prochaine - quelque chose sur lequel nous avons décidément mélangé les sentiments… [B +]

«Avions, trains et automobiles» (1987)
La norme contemporaine pour les comédies de voyage sur la route, l'étiquette est certainement méritée et vraiment, c'est celle que les réalisateurs pourraient se tenir à étudier un peu plus attentivement comme une idée de la façon de le faire correctement. Écrit et réalisé par John Hughes, le film suit Neal Page (Steve Martin) et le vendeur d'anneaux de rideaux de douche Del Griffith (John Candy), alors qu'ils tentent de revenir à Chicago après que leur vol soit fondé le week-end de Thanksgiving. Mais ce qui fait que le film fonctionne - et en fait un incontournable de chaque saison des fêtes -, c'est qu'au-delà de ses décors comiques impeccablement conçus, il y a un cœur réel (et oui, certes ringard) qui bat dans ces personnages. Del est juste un gros vieil ours, une personne chaleureuse et généreuse qui dégivre progressivement le noyau glacial de Neal. Hughes est un sentimentaliste à l'ancienne, mais il est facilement pardonné lorsque les grands rires du film sont souvent généreux et animés. Et puis, ne nous dites pas que vous n'arrivez toujours pas un peu à la scène de la station de métro climatique du film parce que cela nous attire toujours à chaque fois. Maintenant, quelque chose d'un rituel annuel, “; Avions, Trains & Automobiles ”; est un voyage que nous attendons avec impatience chaque année. [B +]

“Pierrot Le Fou” (1965)
Immédiatement après l'un des grands noms du canon de Godard, «Alphaville», «Pierrot Le Fou» marque une étape de transition majeure dans la carrière du réalisateur - son premier film en couleur, pour sa part, et la première étape dans une évolution vers le post- modernisme qui, finalement, est devenu tout-consommant. Ici, Godard utilise une configuration assez standard - un homme marié (Jean-Paul Belmondo) s'enfuit avec la baby-sitter (Anna Karina), qui, comme il ressort, est poursuivie par des gangsters algériens. Mais l'intrigue n'est jamais la question: Godard l'utilise comme un crochet sur lequel accrocher une bagatelle pop-art de couleur primaire. C'est un film aussi ineffablement cool que jamais, résumant la nouvelle vague française pour les générations qui suivent, mais, contrairement à certains des meilleurs travaux de Godard (même le week-end tout aussi cinématographique que 'Week-end'), il ne devient jamais autre chose que le style et technique. La photographie, par Raoul Coutard, et la partition, par Antoine Duhamel, sont à la fois époustouflantes, mais comme la plupart des vrais pop art, tout éblouit en surface. [B-]

'La grande aventure de Pee Wee' (1985)
Existe-t-il un film parfait? Peut-être pas, mais nous soutenons que l'exposition Q, le premier long métrage de Tim Burton avec Paul Reubens en tant que personnage titulaire de Pee Wee est aussi proche de la narration grand public que le cinéma. Nous ne savons pas vraiment ce qui est arrivé au reste de la carrière de Burton par la suite (quelques joyaux comme “; Edward Scissorhands ”; et “; Ed Wood ”; et puis une charge mère de terribles), mais la `` grande aventure '' est une hilarante, captivante et l'histoire inspirante d'un jeune homme - un solitaire, un rebelle - qui parcourt notre grande nation à la recherche de son vélo volé - une métaphore déchirante de la perte d'innocence que nous endurons en devenant adultes. En partie film de route avec divers acteurs - Judd Omen comme Mickey étant le favori personnel de cet écrivain - en partie un conte de passage à l'âge adulte et en partie une épopée d'aventure et de découverte de soi comme Iliad qui rendrait Homer plus que fier, pourquoi nous '' ne pas célébrer le 25e anniversaire avec un coffret Criterion de 10 disques nous dépasse (une des raisons pour lesquelles cette chose est si bonne? Le regretté Phil Hartman est l'un des co-auteurs). Le sac écoeurant de trucs rotes et piétons dans les films de Burton est maintenant frais et inventif ici. Et Danny Elfman, qui est devenu un autre clown prévisible, fait une partie de son plus grand travail ici (sans doute, il refait cette partition depuis des lustres). Judd Apatow produira peut-être le prochain film de Peu Wee de Ruben, mais ils doivent être prudents, car la `` grande aventure '' est un morceau de cinéma pop toujours dynamique et magistralement construit qui soulève une question profonde qui a accablé l'humanité depuis des lustres: “; I vous savez, mais que suis-je? ”; [A +]

«O frère, où es-tu?» (2000)
Les Coen Bros. ont mis leur spin distinctif sur “; The Odyssey ”; (le récit original du road trip) avec cette comédie de l'ère de la Dépression remplie de personnages étranges et des frères ’; dialogue le plus citable (en dehors de “; The Big Lebowski, ”; c'est-à-dire). George Clooney devient maladroit (et commence un partenariat gagnant avec les cinéastes fraternels) en tant que Ulysses Everett McGill, un réfugié de gangs de chaîne qui parcourt un paysage poussiéreux pour récupérer son trésor enfoui avec l'aide de collègues condamnés Pete Hogwallop (John Turturro) et Delmar O ’ ; Donnell (Tim Blake Nelson). Comme les voyages en voiture eux-mêmes, les meilleurs films de voyage en voiture présentent une bande-son solide, et les sons produits par T-Bone Burnett étaient tout aussi gros que le film. La scène des sirènes séduisantes s'améliore encore avec le doublage des voix angéliques d'Alison Krauss, Gillian Welch et Emmylou Harris, et les désormais emblématiques Soggy Bottom Boys ’; a frappé “; Man of Constant Sorrow ”; obtient un coup de pouce supplémentaire de Dan Tyminski de Union Station pour remplacer Clooney au chant. [UNE-]

«The Motorcycle Diaries» (2004)
Cette histoire du jeune Ernesto “; Che ”; Guevera lors d'un long road trip avec son ami Alberto Granado est un film d'aventure de passage à l'âge incroyablement intrigant qui donne un aperçu du début révolutionnaire. Lorsque Steven Soderbergh a publié son épopée en deux parties sur les efforts de guérilla de Che à Cuba et en Bolivie, une merveilleuse trilogie par inadvertance a été terminée (franchise, n'importe qui? 'Che Guevara: On Stranger Tides?'). Le réalisateur Walter Salles, le DP Eric Cautier et la musique de Gustavo Santaolalla peignent un regard lyrique sur l'Amérique du Sud, tandis qu'Ernesto et Alberto naviguent le long du continent via le véhicule en titre, offrant une toile de fond digne qui exprime l'amour de Guevara pour les gens et la culture tout en faisant allusion aux motivations de sa future philosophie révolutionnaire. Les paysages sont luxuriants et merveilleux alors que les deux amis voyagent à travers une expérience qui change la vie. L'acteur principal Gael Garcia Bernal (“; Amores Perros, ”; “; Y Tu Mama Tambien ”;) a rarement été meilleur, et c'est la preuve que Salles est le choix parfait pour diriger le road movie ultime, l'adaptation Kerouac de l'année prochaine “; On The Route. ”; [UNE-]


«Midnight Run» (1988)
Il est juste de dire que, même si ses plus grands succès ces dernières années ont été dans le genre, Robert De Niro n'a jamais eu une grande capacité de comédie. Mais la grande exception au fil des ans a été la comédie d'action de Martin Brest «Midnight Run». De Niro y incarne le chasseur de primes Jack Walsh, qui a été embauché pour retrouver le comptable de la foule errant Jonathan Mardukas (Charles Grodin), et la paire de chamailleries voyage de New York à LA, poursuivie par le FBI (incarné par le grand Yaphet Kotto), la Mafia (dirigée par Dennis Farina) et le chasseur de primes rival Marvin Dorfler (John Ashton). C'est la même formule établie par Frank Capra, mais cela fonctionne rarement aussi bien: le patron de «Beverly Hills Cop» Brest était capable de faire correspondre l'action et la comédie ainsi que n'importe qui de mémoire récente (ou l'était - ses compétences semblent l'avoir laissé le moment où «Gigli» est arrivé), et le film trotte à un rythme assez ancien. Mais ce sur quoi le film vole vraiment (et c'est vrai pour tous les films de route, vraiment), c'est la chimie entre ses voyageurs: vous soupçonnez que De Niro est drôle ici parce qu'il est élevé par Grodin. Les deux se chamaillent et se querellent d'une manière divertissante sans fin. Ce n'est pas beaucoup plus qu'une comédie d'action inhabituellement bien exécutée, laissée pour compte par un scénario inutilement compliqué, mais chaque fois que vous regardez l'un des nombreux films qui ont essayé et échoué à capturer la magie dans son sillage, vous appréciez à quel point il est rare pour obtenir quelque chose comme ça à droite. [B +]

«La route» (1954)
Tout ce que vous devez savoir sur “; La Strada ”; peut être trouvé dans le joli visage expressif, humoristique et déchirant de Giulietta Masina. Elle incarne l'innocente Gelsomina qui est vendue à l'homme fort Zampano (Anthony Quinn) après le décès de sa sœur et sa mère est impatiente de débarrasser la famille d'une autre bouche à nourrir. Zampano enseigne à Gelsomina quelques techniques de base de clown afin qu'elle puisse l'aider dans ses spectacles, elle l'apprécie immédiatement. Mais si Gelsomina essaie de tirer le meilleur parti de la situation dans laquelle elle est jetée, Zampano rend la vie insupportable. Méchant, têtu et froid, il finit par la chasser et elle trouve un ami sage dans un artiste de rue, Il Matto (Richard Baseheart). Ils finissent par voyager ensemble et ce n'est pas longtemps avant que Zamano ne soit en désaccord avec Il Matto et que le film ne s'en mêle au troisième acte tragique. Il est difficile de décrire la beauté de “; La Strada ”; à ceux qui ne l'ont pas vu, ou la pure joie que c'est de regarder Masina à l'écran, qui avec un scintillement de sa bouche ou un regard rapide avec les yeux peut faire rire, pleurer ou les deux en même temps. Mais c'est l'un des Federico Fellini’; les meilleurs efforts; un conte fantaisiste avec des personnages exagérés et largement caressés, mais avec une émotion aussi réelle et émouvante que possible. Avec une partition doucement évocatrice de Nino Rota, et le ténor d'une fable bien aimée et familière, “; La Strada ”; est un conte dévastateur, douloureux et tendre d'un homme qui se rend compte trop tard que la meilleure chose qu'il aura jamais dans sa vie l'a dépassé. [A +]

«C'est arrivé une nuit» (1934)
Il est tout à fait possible que sans «It Happened One Night» de Frank Capra, aucun des films de cette liste n'existerait du tout. Le premier, et peut-être toujours le meilleur, road movie, et le premier film à balayer les cinq catégories principales aux Oscars (qui est resté inégalé pendant quarante ans), c'est ce film rare qui est un plaisir très profond à regarder du début à la fin - même Staline était prétendument fan. À la suite d'un journaliste (Clark Gable) qui rencontre une héritière en fuite (l'incroyable grande Claudette Colbert), mariée contre la volonté de son père, c'est une histoire intemporelle qui n'a pas vieilli un jour et qui s'est révélée infiniment influente - il suffit de consulter Gareth Edwards '' «Monstres», pour preuve, essentiellement un remake du film de Capra, mais avec des créatures géantes. Il y a un zip et un rythme dans le film auxquels toutes les comédies similaires devraient aspirer, de manière cohérente, drôle et époustouflante, et il y a une sex-appeal pré-production au film absent de 99% des couples romantiques (le film vient de se glisser sous le fil) avant que le bureau restrictif de Hays ne commence à fonctionner). Nous avons eu la chance de voir le film sur grand écran cette semaine à Londres (il joue au BFI Southbank jusqu'au 11 novembre, et nous exhortons tout le monde en ville à le vérifier). Il continue de jouer comme des gangs avec le public. C’est tout simplement une merveille. [A +]

«Down By Law» (1986)
Jouant comme un air de jazz doux et langoureux lors d'une soirée d'été étouffante, Jim Jarmusch ’; s “; Down By Law ”; suit trois gars, qui sont sur leur chance, alors qu'ils trébuchent et se frayent un chemin vers la liberté. Ça ne va vraiment pas mieux que le trio de Tom Waits, John Lurie et Roberto Benigni; en tant que disc-jockey, proxénète et touriste italien égaré, respectivement. Ils se retrouvent en prison et après une évasion audacieuse, reprennent la route ensemble. Alors qu'ils parcourent les marais de la Louisiane, la relation entre Zack (Waits) et Jack (Lurie) continue de s'effriter, mais c'est la soif inextinguible de Bob (Benigni) pour la vie, et l'innocence naïve, qui les maintiennent ensemble. Avec une cinématographie à couper le souffle de Robert Muller, le film de Jarmusch est l'un de ses meilleurs; un riff doux, triste et douloureusement drôle. Alors que Benigni gagnerait plus d'attention par la suite pour ses comédies italiennes et sa percée auprès du grand public nord-américain via son rôle oscarisé dans «La vie est belle», Son rôle ici est l'un de ses meilleurs. Avec la stature d'un comédien silencieux, combiné avec des idiomes anglais déformés et mélangés avec des explosions italiennes étonnées (les citations du film sont infinies), il est le pouls de la vie entre le duo aigre-doux de Waits and Lurie, dont les charmes uniques sont un acquis goût à développer. Ensemble de chansons de Waits, musique de Lurie et guidé par la direction sans hâte de Jarmusch, “; Down By Law ”; pense que, “; C'est un monde triste et beau. ”; Nous ne pourrions pas être plus d'accord. [UNE-]
P.S. Le film est un excellent compagnon à double facture du film de voyage sur route précédent et tout aussi solide de Jarmusch “; Stranger Than Paradise. ”;

«Date d'échéance» (2010)
Toutes nos excuses à notre collègue écrivain avec qui nous sommes respectueusement en désaccord et à notre public, qui est maintenant probablement confus, mais les opinions sont comme des connards, tout le monde en a un et le dernier de Todd Phillips 'Date d'échéance»Est, pour cet écrivain, loin d'être aussi désastreux que nous l'avons peint dans notre première critique. Bien sûr, ce n'est pas une «gueule de bois» et ce n'est certainement pas une «vieille école» (le joyau de la couronne dans l'ouevre Phillips), mais c'est toujours une image drôle, divertissante et agréable, quoique un peu prévisible et peut-être même trop farfelue vers la fin. Si vous trouvez Zach Galifianakis à distance drôle - et vous devriez - vous apprécierez à quel point son personnage Ethan Tremblay aux cheveux permissifs est triste, pathétique et hilarant. Le film a des boules comme il dépeint le personnage de Peter de Robert Downey Jr. comme un crétin complètement égoïste et bourreau de travail avec peu de qualités rachetables (il crache sur des chiens mignons, il frappe des enfants) et le script fait peu pour adoucir ses bords. Il y a aussi de très belles notes matures et des scènes émotionnelles de Galifianakis qui va un jour avoir une carrière d'acteur dramatique s'il le veut (voir son solide virage semi-dramatique dans “; C'est une histoire drôle ”;) . Comme la plupart des comédiens, il semble avoir un gouffre de douleur bouillonnant en dessous et quand il mijote à la surface, putain si ça ne vous étouffe pas. Bien sûr, l'histoire est super familière, deux gars qui se détestent sont obligés de partir ensemble sur la route et le trou du cul plus grand finit par créer de l'empathie pour le petit homme (c'est au total 'Avions, trains et automobiles'). Et oui, ce n'est pas aussi drôle que certains des plus grands films de Phillips, mais ce n'est qu'un travail mineur, pas un désastre en tout cas, et qui devrait probablement rester en contact avec le public.
[B-]

«Flirter avec le désastre» (1996)
Parfois c'est une comédie à vis, puis c'est un road movie, puis c'est un regard existentiel sur la recherche d'un personnage pour sa vraie famille, puis c'est une comédie de drogue. indépendamment de sa concentration sautillant comme une grenouille de nénuphar à nénuphar, David O. Russell ('Three Kings', 'I Heart Huckabees') équilibre tout cela dans une comédie cohérente et intelligente avec des ailés de Woody Allen et “; Seinfeld , ”; celui que cet auteur dirait est Ben Stillermeilleur film. Le talent de Russell ne peut être nié, et ne s'est solidifié que depuis. Et Stiller, dans l'une de ses premières pistes, est formidable, jouant le rôle qu'il joue toujours mais avec une approche plus subtile et plus basée sur les personnages ici. L'acteur comique désormais énorme est presque toujours le gars qui se fait chier tout au long d'un film, mais ici, nous nous soucions vraiment de lui parce qu'il se sent réel. La dernière demi-heure est si drôle que Stiller rencontre enfin ses parents et ils se révèlent être d'anciens hippies amoureux de Grateful Dead qui produisent toujours de la drogue (“; vous ne pouvez pas dépasser le vent! ”; prononcé par l'irremplaçable Richard Jenkins dans ses blouses blanches lors d'un voyage en LSD, est un moment fort, et devrait être le slogan de “; The Happening ”;). Ce qui suit concerne un frère jaloux, une drogue mal placée, un couple gay qui se trouve être des partenaires policiers, des beaux-parents fous, une brillante histoire d'infidélité et deux mots: fétichisme des aisselles! C'est tout merveilleux. Un film vraiment hilarant qui prouve que le cinéma moderne n'est pas sans une comédie intelligente et bien conçue. [UNE]

«Heureux ensemble» (1997)
Wong Kar-Wai a peut-être un peu échappé ces dernières années, avec les goûts décevants de «2046» et «My Blueberry Nights», mais grâce à «Happy Together», il sera toujours l'un de nos directeurs de travail préférés . L'un des regards les plus incisifs et les plus complets sur un couple gay jamais fait (et, plus d'une décennie plus tard, c'est déprimant que rien d'autre ne se soit vraiment rapproché depuis), c'est l'histoire d'amour déchirante de Ho (Leslie Cheung) et Lai ( Tony Leung), deux personnes qui ne sont presque pas adaptées l'une à l'autre. La paire donne des performances centrales déchaînées et, à la grande surprise de personne, le DP Christopher Doyle, jamais meilleur que lorsqu'il travaille avec Kar-Wai, se transforme en visuels incroyablement magnifiques. Certains soutiennent que le réalisateur peut être superficiel, plus sensuel qu'autre chose, mais il n'a jamais eu affaire à des personnages aussi bien dessinés qu'ici. Il ne s'agit peut-être pas à proprement parler d'un road movie, mais il est certainement structuré comme un seul film - en commençant par l'arrivée du couple en Argentine, et en terminant par Lai atteignant enfin les cascades d'Iguazu qu'il poursuit. Plus important encore, c'est un film relationnel aussi véridique et douloureux que celui de Kar-Wai. Il y a un nouveau Blu-Ray glorieux maintenant, donc si vous ne l'avez jamais vu, c'est maintenant le meilleur moment. [UNE-]

«Bonnie et Clyde» (1967)
Il n'y a aucun intérêt à sous-estimer l'effet sismique du film / road road biopic / gangster d'Arthur Penn sur les films qui ont suivi. Les ondulations de ce film, en particulier le cathartique, à parts égales glorieusement sauvage et tragique final, peuvent encore réduire un public soigné sur la violence à un silence étourdi. Avec toute l'hyperbole sur le chemin de Penn avec les balles et les blessures, il est facile d'oublier que “; Bonnie et Clyde ”; est, à sa base désarticulée, une image de la route d'une famille de substitution qui se rassemble et se désagrège alors qu'elle fuit la loi. Avec Warren Beatty et Faye Dunaway, les futurs amoureux condamnés plus grands que nature passent presque toutes les scènes du film à l'écran se chamaillent ou se tentent, c'est une merveille que Michael J.Pollard (CW Moss), Gene Hackman ( Buck Barrow), et bien sûr Estelle Parsons (qui a remporté un Oscar pour sa performance en tant que Blanche) parviennent toujours à se faire remarquer. Sur la route avec les voleurs titulaires, la dynamique du groupe est révélée et explorée avec suffisamment de complexité pour garantir la sympathie du public non seulement pour nos stars du rock criminel titulaires, mais aussi pour leurs cohortes moins connues. Parsons est particulièrement amusante dans sa représentation de Blanche aigüe, nerveuse et parfois grinçante, tandis que Pollard manie son jeune cool et soucieux du diable et Hackman pratique le dur à cuire qu'il a si bien fait tout au long d'une carrière légendaire. Dans l'ensemble, en ce qui concerne les films de route, “; Bonnie and Clyde ”; peut être l'un des meilleurs, sans parler des plus sournois pour révéler sa trajectoire. [UNE]

Mentions honorables: terminer sur la note de «Bonnie et Clyde» met en évidence une autre absence majeure - «Badlands». Autant nous adorons les débuts de Terrence Malick, ils ont été bien couverts ailleurs, et nous pensions que l'espace pourrait être mieux utilisé. 'Easy Rider' en est un autre, et peut-être même le road movie le plus emblématique, dont nous n'avions tout simplement rien de nouveau à dire - 'Duel' de Steven Spielberg fait partie de la même catégorie. Sinon, la série «Road To…» de Bob Hope / Bing Crosby est parfois divertissante, mais assez datée, tandis que «L'histoire de Palm Beach» de Preston Sturges est merveilleuse, mais se dégrade contre «It Happened One Night». Lane Blacktop, '' Vanishing Point 'est un autre film de chasse épuré non sans ses charmes, tandis que' Near Dark 'de Kathryn Bigelow et' Zombieland 'de Ruben Fleischer sont autant des voyages en voiture que des films d'horreur.

«Plus vite, Pussycat! Tuer! Kill! »Est l'un des meilleurs films d'exploitation de Russ Meyer, tandis que, bien que beaucoup plus épique,« Alice dans les villes »de Wim Wenders, le premier d'une trilogie de films de route, figure également parmi les meilleurs travaux de son réalisateur. 'The Straight Story' de David Lynch est magnifiquement observé (et inhabituellement banal pour le réalisateur), et peut-être le road movie le plus lent jamais réalisé. À moins que nous ne comptions le «Gerry» de Gus Van Sant, bien sûr. Van Sant est un connaisseur du road trip, son meilleur étant «My Own Private Idaho».

Colin Firth est-il gay

En ce qui concerne la comédie, 'National Lampoon’s Vacation' est assez définitif, avec Chevy Chase rarement en meilleure forme, tandis que 'Little Miss Sunshine', bien qu'il devienne un synonyme dérisoire pour un certain type de film indépendant de grand nom, reste un merveilleux petit film. Nous serions négligents si nous ne mentionnions pas 'The Cannonball Run' et 'Smokey and the Bandit', qui ont connu un énorme succès dans les années 70, même s'ils sont tous les deux terribles. Mais le film qui a probablement été le plus proche de l'inclusion? «Apocalypse Now», autant un récit de voyage qu'un film de guerre.

- Kevin Jagernauth, Christopher Bell, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez, Katie Walsh, Kimber Myers, Mark Zhuravsky, Erik McClanahan, Jessica Kiang



Top Articles

Catégorie

La Revue

Traits

Nouvelles

Télévision

Boîte À Outils

Film

Festivals

Commentaires

Prix

Box-Office

Entrevues

Clickables

Listes

Jeux Vidéos

Podcast

Contenu De La Marque

Pleins Feux Sur La Saison Des Récompenses

Camion De Film

Influenceurs