Les 32 meilleurs films indépendants de 2018 à ce jour (mis à jour)

'Vie privée'



Jojo Whilden / Netflix

Mis à jour le 6 octobre 2018.



La liste ne cesse de s'allonger: alors que certains des films les plus excitants et les plus attendus de 2018 n'ont pas encore été ouverts - nous vous regardons, «Roma» et «The Favorite» - cette année a été exceptionnelle pour le cinéma. Cette tentative continue d'apporter les meilleurs films de l'année à ce jour n'est pas censée représenter les sensibilités spécifiques d'un contributeur - c'est plutôt une déclaration collective de qualité globale, avec des classements mis à jour conçus pour évaluer les meilleurs films qui méritent l'attention. un moment donné. (Ne vous attendez donc pas à des listes de top 10 identiques en décembre)



Ci-dessous, vous trouverez les favoris actuels d'IndieWire parmi les films qui ont soit ouvert en salles cette année ou sont disponibles sur d'autres plateformes (oui, les sorties de Netflix comptent). Beaucoup de ces films sont regardés très tôt, principalement sur le circuit des festivals, mais ils ne seront pas inclus ici avant leur ouverture en salles ou en VOD.

Certains classements ont pris en compte le timing. Les films qui se sont qualifiés pour les récompenses l'année dernière mais qui ont reçu des sorties appropriées en 2018 ont été inclus, mais sont positionnés plus bas sur la liste afin de mettre en avant les nouveaux films dans la conversation. De même, la liste place certaines nouveautés stellaires plus haut sur la liste afin de les défendre dès qu'elles sont disponibles. Bien sûr, un grand film est un grand film, et certains de ces classements ne changeront probablement pas au cours de l'année.

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Remarque: Bien que certains films de cette liste aient été publiés par des studios, ils ont été initialement développés en tant que projets indépendants. De plus, nous nous réservons le droit d'inclure certains films qui ont été produits en studio s'ils encapsulent une sensibilité indépendante. Vous ne verrez jamais de film de super-héros ici, mais une vision singulière avec un certain soutien en studio est un jeu équitable.

Vous voulez critiquer nos choix ou en suggérer d'autres? Écrivez-nous à editors@indiewire.com.

1. «Vie privée»

Une histoire hilarante, bougie et terriblement honnête sur un couple désespéré qui essaie quelque chose - n'importe quoi - pour avoir un bébé avant qu'il ne soit trop tard, Tamara Jenkins ’; premier film depuis “; The Savages ”; gestation depuis neuf ans, et cela vaut largement la peine d'attendre. “; Vie privée ”; met en vedette Paul Giamatti et Kathryn Hahn dans le rôle de Richard et Rachel Grimes, une paire de types littéraires du Lower East Side qui se sont égarés sur “; le tapis roulant de fertilité ”; pendant un certain temps - peut-être trop longtemps. Mais les choses commencent à s'améliorer pour le couple quand ils acceptent d'accueillir leur nièce errante de 25 ans, Sadie (phénoménale nouvelle venue Kayli Carter), qui pourrait être disposée à les aider dans leur voyage sans fin pour fonder une famille. Et ainsi commence une montagne russe moderne, pleine de hauts tempérés, de bas dévastateurs et d'une ténacité qui s'estompe dans le quixotique. Leur histoire est triste et drôle dans une égale mesure, tous les rires étant délicatement posés sur un socle de tissu cicatriciel et de déception. Au fil du temps, à mesure qu'un cycle se transforme en un autre, “; Private Life ”; devient moins une épopée sur les agonies de la reproduction qu'une sur les récompenses de la résilience. C'est une histoire d'amour moderne très différente. —DE (La revue)

2. «Première réforme»

Le meilleur film de Paul Schrader depuis des années met en vedette Ethan Hawke (dans l'un de ses meilleurs rôles) en tant que prêtre du nord de l'État de New York qui fait face à une crise de foi alors qu'il tente d'aider une femme enceinte et apprend une conspiration écologique derrière le principal bienfaiteur de son église. Le récit tendu et plein de suspense du film reste dans les limites de la perspective de son protagoniste alors que son emprise sur la réalité se démêle lentement, conduisant à une finale choquante qui force son public à se débattre avec ses thèmes puissants de l'intérieur. C’est un tournage du plus haut niveau d’un maître américain qui reçoit enfin l’appréciation qu’il mérite. —EK (La revue)

3. «BlacKkKlansman»

Le meilleur récit de Spike Lee depuis 'Inside Man' raconte le pari à fort enjeu du détective afro-américain Ron Stallsworth (un extraordinaire John David Washington), qui a infiltré le Ku Klux Klan en prétendant être un fanatique raciste par téléphone (son collègue, joué par un pilote Adam smarmy, s'est présenté aux rassemblements pour compléter l'illusion). Cette histoire vraie fascinante devient une plate-forme naturelle pour Lee pour construire une polémique séduisante sur nos temps troublés. Des portraits de visages noirs montrés tout au long d'un discours de Stokely Carmichael à la finale magistrale qui amène les événements dans notre crise moderne très réelle, 'BlacKkKlansman' vous entraîne dans son message enflammé avec la confiance d'un joint de Spike Lee de premier ordre. Il n'y a rien de tel. —EK

4. «Solo gratuit»

Jimmy Chin et Elizabeth Chai Vasarhelyi assurent le suivi “; Meru ”; avec le superbe portrait du grimpeur Alex Honnold, le casse-cou qui est devenu la première personne à grimper en solo sur Yosemite à 3000 pieds El Capitan. Un thriller du monde réel conçu pour stimuler les paumes en sueur, “; Free Solo ”; suit le modéré Honnold alors qu'il parle des perspectives de mort et se prépare pour la terrible mission; puis, les cinéastes nous y emmènent, avec une finesse cinématographique extraordinaire: les caméras capturent la montée de Honnold à chaque instant vivifiant. Il est une énigme psychologique fascinante, qui éloigne les préoccupations de sa petite amie et les différents revers physiques qui lui sont imposés simplement parce que le défi est là. Autant le film offre une course folle, c'est aussi une étude magistrale de l'ambition américaine. —EK (La revue)

5. 'Madeline's Madeline'

L'un des films américains les plus audacieux et les plus revigorants du XXIe siècle, Josephine Decker ”; s “; Madeline ’; s Madeline ”; est une expérience extorquante et désorientante qui définit ses termes dès le début et efface ensuite toute trace de langage cinématographique traditionnel, atteignant une aphasie cinématographique qui permet à Decker de redessiner les frontières entre les histoires que nous racontons et les personnes dont nous leur parlons. L'histoire d'une mère célibataire Regina (la multi-talentueuse Miranda July), de sa fille adolescente irrépressible Madeline (la nouvelle venue majeure Helena Howard) et de la maladie mentale non précisée qui crée un fossé entre elles lorsque cette dernière rejoint une troupe de théâtre expérimentale, ce mesmeric tour de force griffe chez lui avec une précision incroyable, en utilisant. Le résultat est un film expérimental avec le tiraillement émotionnel d'un hit grand public, un drame fragmenté de passage à l'âge adulte qui explore le vaste espace entre Jacques Rivette et Greta Gerwig afin de trouver quelque chose de vraiment nouveau et ineffablement de son temps. —DE

6. «Mandy»

'Mandy'

En tant que pièce maîtresse vengeresse de “; Mandy, ”; réalisateur Panos Cosmatos ’; sensationnalisme expressionniste à Sundance à minuit, Nicolas Cage déchaîne son penchant pour l'excès, la vodka gourmande alors que son personnage pleure sa femme assassinée dans une scène et plus tard crâne-mort un méchant à mort alors qu'il proclame, “; Je suis votre Dieu maintenant! ”; Et pourtant, le suivi fascinant de Cosmatos de «Beyond the Black Rainbow» n'est pas seulement un exercice loufoque de style. Peu importe les extrêmes ridicules du film B de son intrigue - et cela oscille pour beaucoup d'entre eux - Cage fonctionne en harmonie avec Cosmatos ’; une esthétique d'un autre monde, transformant le matériau du grindhouse en une sorte de poésie narquois du heavy metal et une étude éloquente du deuil. Célébré par le public comme un phénomène théâtral malgré la sortie jour et date, 'Mandy' est le premier véhicule Cage depuis des siècles qui semble comprendre le potentiel de ses personnages aux yeux sauvages et le pathos qui se cache sous la surface. Cage mérite plus de projets comme celui-ci, et Cosmatos doit faire des films plus souvent. —EK (La revue)

7. «Soutenez les filles»

Regina Hall est brillante dans le regard émouvant d'Andrew Bujalski sur une femme sérieuse qui gère un taureau au Texas sordide où beaucoup de choses vont mal au cours d'une seule journée mouvementée. La narration basée sur les personnages, typiquement modérée de Bujalski, prend un nouveau volume de chaleur et de sensibilité avec ce regard saisissant sur les moments difficiles à travers une empathie débridée. Cela peut sembler ringard dans certaines circonstances, mais Bujalski est un tel sorcier en ce qui concerne l'écriture de dialogues authentiques que 'Support the Girls' peut aussi être un documentaire. Le personnage de Hall jongle avec chaque nouveau défi avec une résolution d'acier qui fait d'elle l'un des plus grands personnages de Bujalski, la création infatigable d'un cinéaste qui excelle à explorer les nuances du comportement humain. —EK

8. «Nous les animaux»

L'intrigue de surface de “; We the Animals ”; est aussi simple qu'ils viennent, et ce n'est pas la source de sa puissance lyrique, un peu comme le roman de Justin Torres qui a inspiré. Par-dessus tout, le réalisateur Jeremiah Zagar décrit les expériences d'un adolescent se réconciliant avec sa famille dysfonctionnelle et sa sexualité émergente comme un cyclone tourbillonnant de nostalgie, d'arguments brutaux et de pontifications aigre-douces. En tant que Jonah, le nouveau venu Evan Rosado dégage les émotions déroutantes d'un enfant grandissant dans son altérité, en dehors de la cellule familiale qui l'entoure. Chaque moment contribue à développer ses perceptions du monde - des regards révélateurs et une voix off ruminative transforment le film en une variation poétique de la formule du passage à l'âge moins obsédée par l'exposition que la beauté envoûtante de grandir. —EK

9. «Héréditaire»

Le premier long métrage d'Ari Aster est plus qu'un simple film terrifiant - bien qu'il frappe certainement sa marque à cet égard - car il utilise le genre pour dresser un portrait fascinant du processus de deuil. Toni Collette livre une partie de son meilleur travail en tant que femme aux prises avec plusieurs décès dans sa famille et luttant pour répondre au ressentiment qu'elle ressent envers son fils adolescent (Alex Wolff, également de premier ordre). Le personnage de Collette produit un certain nombre de miniatures qui fournissent un signifiant effrayant pour la paranoïa envahissante et le destin qui dominent chaque scène, mais la chose la plus étonnante à propos de 'Héréditaire' est la façon dont il dépeint cette famille brisée en termes aussi crédibles que l'histoire se transforme en territoire surnaturel scandaleux. Les dernières minutes sont parmi les plus captivantes que vous verrez de l'année. —EK (La revue)

10. 'Ne seras-tu pas mon voisin'

Fred Rogers n'a pas simplement défini la télévision pour enfants - il a incarné ses idéaux les plus élevés. Le ministre à la voix douce s'est détourné de la télévangélisation pour prêcher des messages universels sur la communauté et le comportement, définissant l'éthique pour plusieurs générations de téléspectateurs. Le fascinant documentaire de Morgan Neville explique comment il y est parvenu, tout en examinant le mystère de la vivacité de Rogers et à quel point il est en contradiction avec le climat de division d'aujourd'hui. Avec un ton tendre et sophistiqué, Neville fusionne les voix des amis et de la famille de longue date de Rogers avec un assemblage d'archives qui communique avec l'esprit de son travail. Le résultat est le sentiment que cette figure géniale était soit en avance sur son temps, soit trop bonne pour nous, point final. Quoi qu'il en soit, c'est un visionnement essentiel qui ramène une voix sensible à la table dès que nous en avons besoin. —EK (La revue)

11. 'Désolé de vous déranger'

Lakeith Stanfield dans «Désolé de vous déranger»

Photos de Peter Prato / Annapurna

Certains films sont si intransigeants dans leurs visions qu'ils créent une toute nouvelle catégorie. Il en va de même pour les débuts loufoques du scénariste-réalisateur Boots Riley, une satire raciale sensationnelle qui est aussi une déclaration plus large sur le capitalisme dans son ensemble. Lakeith Stanfield est un nouveau niveau en tant que jeune télévendeur à Oakland qui gravit les échelons de son entreprise après avoir réalisé qu'il peut faire plus de ventes en parlant avec un accent blanc ”; (David Cross surnomme ces lignes, bien sûr). Ce n'est que le premier acte; il y a aussi des performances expérimentales, l'activisme de rue, l'organisation syndicale et la bioingénierie. Cependant, cette combinaison bizarre n'est pas un méli-mélo de sensibilités; c'est une extension de la même vision qui a alimenté la carrière musicale de Riley en tant que leader du Coup. En termes cinématographiques, les résultats combinent les excentricités surréalistes de Michel Gondry avec les polémiques d'un joint de Spike Lee tout en écoutant ses propres rythmes. Un véritable original qui résistera à l'épreuve du temps. —EK

12. «La mort de Staline»

La satire soviétique d'Armando Iannucci prend le “; dans la boucle ”; et “; Veep ”; le ton cinglant du créateur dans “; Dr. Strangelove ”; terrain avec un regard fou à despotes intrigants jockeying pour prendre le contrôle du pays. Steve Buscemi est brillant en tant que comploteur Nikita Khruschev, qui bute la tête avec une série de despotes wannabe dysfonctionnels dans une comédie d'erreurs alors qu'ils se démènent chacun pour la première place. Iannucci a toujours excellé à culminer derrière le rideau du dysfonctionnement politique, mais cet exemple d'humour de potence amène ses talents à un tout nouveau niveau - et fournit une toile de fond historique à une grande partie du chaos gouvernemental dominant les gros titres aujourd'hui. —EK (La revue)

13. «Huitième année»

D'accord, Bo Burnham, fessez-vous: vous lisez mes journaux intimes de collège et hellip; ou au moins les journaux intimes de beaucoup, beaucoup les femmes qui ont avoué que votre première fonctionnalité semblait représenter leurs propres expériences sur grand écran d'une manière qui est presque obsédante. Bien qu'il y ait une spécificité dans l'histoire que Burnham raconte - une grande partie du voyage de la jeune Kayla (évasion Elsie Fisher) concerne l'influence et la prévalence des médias sociaux dans les jeunes vies, un problème tout à fait moderne - cela ne ruine jamais le sentiment que cette venue -le conte d'âge est audacieusement universel. De bon cœur, honnête et si réel que votre cœur ne peut s'empêcher de souffrir pour Kayla, pour les enfants de partout, pour vous, “; huitième année ”; est un joyau. —KE

14. «Annihilation»

'Annihilation'

Paramount Pictures

Le thriller de science-fiction enivrant d'Alex Garland n'était pas un succès théâtral, mais il méritait une attention particulière pour le suivi de `` Ex Machina '' et `` Ex Machina ''; avec un autre regard fascinant sur la nature de l'identité humaine. Une fois de plus, Garland réalise une enquête mystérieuse sur la nature de l'intelligence humaine, avec une atmosphère inquiétante qui suggère que des forces complexes se produisent juste au-delà des perspectives de ses personnages. La finale, une pièce de danse expérimentale qui se double d'une scène de combat, fait honte aux confrontations d'action qui dominent la plupart des superproductions de studio. —EK (La revue)

15. «Paddington 2»

Les derniers exploits de la ville à fourrure ont dépassé les attentes avec une aventure sincère sur le vol et l'incarcération, minant le poing plus universel que même les fans des livres pour enfants auraient pu prévoir. —EK (La revue)

16. «Le cavalier»

Le récit de Cannes acclamé par Chloé Zhao d'un cavalier bronco du Dakota du Sud qui se remet d'un accident est une réalisation délicate et discrète qui parvient à présenter une culture sous-représentée tout en la situant dans le contexte d'une iconographie de cow-boy qui se sent définitivement américaine. Dans le prolongement de «Songs My Brother Taught Me», le nouveau film confirme le statut de Zhao comme l'une des voix les plus excitantes qui travaillent aujourd'hui, et elle ne fait que commencer. —EK (La revue)

17. «Combler l'écart»

À un moment donné dans “; Minding the Gap, ”; un des jeunes skateurs de Chicago au centre du documentaire de Bing Liu demande au réalisateur quel type de tournage ils font: “; Celui où je vous fais semblant de ne pas être là, ou l'autre genre? ”; En fait, c'est à la fois. Le charmant portrait de Liu sur des hommes capricieux tombant sur le début de l'âge adulte fonctionne à la fois comme un instantané de leur vie tumultueuse et de la propre expérience de Liu à leurs côtés. Combinant des séquences vidéo de skate de premier ordre avec une gamme de moments confessionnels, “; Minding the Gap ”; est un regard chaleureux sur les difficultés de compter avec le passé tout en essayant d'échapper à ses griffes. —EK

18. «Un endroit calme»

entrer dans le vide netflix

Le film de monstre principalement silencieux de John Krasinski est une histoire de survie fascinante qui doit autant à sa conception sonore complexe que le script lui-même. Alors que la prémisse (les monstres qui attaquent si vous émettez un son) peut être ridicule sur le papier, Krasinski s'attaque avec un œil ambitieux pour la narration visuelle; même certains des rebondissements les plus ridicules se déroulent facilement parce que personne ne perd son temps à parler des choses. Qui a besoin de monologues quand une seule expression terrifiée fait l'affaire? Plus de films produits en studio devraient prendre de tels risques; celui-ci a été écrit en dehors du système. —EK (La revue)

'Tu n'as jamais vraiment été là'

Alison Cohen Rosa | Amazon Studios

19. «Tu n'étais jamais vraiment là»

Le drame existentiel de hit hit de Lynne Ramsay est un regard poétique sur un homme brisé (Joaquin Phoenix, jamais mieux) qui trouve un certain confort dans ses compétences de flingueur. Les histoires de tueur à gages émouvantes sont un vieux cliché, mais le style lyrique de Ramsay transcende les limites de son moule familier en le transformant en une poésie de solitude et de désir - pensez à «Taxi Driver» par le biais de Walt Whitman - et mérite d'être célébré avec le reste de son travail de premier ordre. —EK (La revue)

20. «Désobéissance»

Le drame britannique de Sebastián Lelio trouve deux anciens amants (Rachel McAdams et Rachel Weisz, en pleine forme) ravivant leur romance sous les contraintes d'une communauté juive ultra-orthodoxe où leur relation est considérée comme taboue. C'est un regard tendre et émouvant sur l'amour interdit. —EK (La revue)

21. “; Zama ”;

Le maître argentin Lucrecia Martel aborde son sujet le plus ambitieux à ce jour avec ce regard étrange et sombre sur un diplomate espagnol à la dérive en Amérique latine colonialiste. Les films de Martel ont toujours été difficiles à analyser, et 'Zama' ne fait pas exception, mais comme avec 'The Headless Woman', ce film sympathise avec l'état de confusion qui afflige son personnage. Cette fois, cependant, les enjeux sont beaucoup plus élevés, car l'homme devient la métaphore d'une région aux prises avec une histoire compliquée. —EK (La revue)

22. «Isle of Dogs»

Le monde est poubelle et Wes Anderson profite actuellement de la séquence la plus chaude de sa carrière. Il s'avère que ces choses ne sont pas indépendantes. Plus les choses empirent, plus les films d'Anderson deviennent fantastiques; plus les films d'Anderson deviennent fantastiques, mieux leur style exprime sa sincérité sous-jacente. Le trouble alimente son imagination et l'île de Dogs ”; n'est rien sinon le film le plus imaginatif d'Anderson à ce jour. —DE (La revue)

23. «RBG»

RBG

CNN

Betsy West et Julie Cohen livrent un portrait documentaire de grande envergure de Ruth Bader Ginsberg aussi net et énergique que la Justice elle-même. -KE (La revue)

24. “; Pur-sangs ”;

Les débuts délicieusement vicieux de Cory Finley sont une comédie noire sur deux adolescentes riches et blanches qui découvrent que l’empathie est la seule chose qu’elles ne peuvent pas se permettre. «American Psycho» rencontre «Heathers» (en gros traits, en tout cas), cette pièce de chambre tordue offre un portrait boursouflé de privilèges déchaînés. —DE (La revue)

25. «Nancy»

La première chose que nous apprenons sur le personnage éponyme d'Andrea Riseborough dans le premier long métrage de Christina Choe, “; Nancy, ”; est simple: c'est une menteuse. Pourtant, l'écriture pointue de Choe et la performance nerveuse de Riseborough ne l'utilisent que comme point de départ pour créer une histoire tordue et émotionnelle qui a été assez bonne pour remporter le Waldo Salt Screenwriting Award lors de cette année à Sundance, où elle a été créée. . De plus, le film offre également à Riseborough le genre de rôle de femme de tête complexe qu'elle est plus que capable de créer pleinement. Ennuyée, aliénée et à bout de souffle après la mort de sa mère tyrannique (Ann Dowd, bien sûr), la trentenaire Nancy attrape un journal local dédié à l'exploration de l'enlèvement d'une jeune fille il y a des décennies, avec ses parents encore brisés ( J. Smith-Cameron et Steve Buscemi) prenant les ondes pour discuter à la fois de la bourse qu'ils ont mise en place à la mémoire du jeune Brooke et pour partager une image vieillie de ce à quoi Brooke pourrait ressembler aujourd'hui. Elle ressemble à Nancy. Vous ne devinerez jamais ce qui se passera ensuite. -KE (La revue)

26. «Appuie-toi sur Pete»

Le troisième long métrage d'Andrew Haigh est un drame de passage à l'âge adulte très violent et non sentimental sur tout ce que nous avons à nous offrir, avec un superbe Charlie Plummer en tant qu'adolescent en difficulté qui échappe à son environnement de classe ouvrière en difficulté avec le cheval titulaire comme paire. fuir vers la frontière canadienne. Contre l'indifférence des arbustes du désert, l'histoire est propulsée par sa vitesse morale, par les frictions qu'elle trouve entre ses personnages. Chaque scène est si convaincante car Haigh ne se concentre pas sur la cruauté, mais sur l'impuissance. —DE (La revue)

27. «The Tale»

Les débuts narratifs semi-autobiographiques de Jennifer Fox, “; The Tale, ”; a été à juste titre présenté comme le premier grand film #MeToo, mais c'est aussi un portrait profondément personnel d'une femme compliquée, raconté avec un langage cinématographique inventif et unique. Le drame déchirant suit la substitut à l'écran de Fox (Laura Dern) alors qu'elle se réconcilie avec une expérience de molestation vieille de plusieurs décennies; elle est engendrée par la découverte par sa mère (Ellen Burstyn) d'une histoire “; ”; elle a écrit quand elle avait 13 ans, documentant ses expériences avec une paire d'entraîneurs plus âgés (Jason Ritter et Elizabeth Debicki). Documentariste et journaliste à part entière, Fox utilise également le film comme un moyen intelligent d'explorer la mémoire et sa faillibilité; en tant que Fox, Dern peine à prendre possession de sa propre histoire, même quand elle cherche désespérément à réprimander la “; victime ”; étiquette imposée par ses proches. Le film continuera probablement à être salué pour son “; opportun ”; nature (bizarrement, il a été tourné il y a près de trois ans), mais c'est aussi une véritable réalisation cinématographique. —KE (La revue)

28. “; L'amour après l'amour ”;

Andie MacDowell donne la performance de sa vie dans le drame époustouflant de Russell Harbaugh sur une famille qui traite de la façon dont les choses changent après la mort de quelqu'un, ainsi que des façons dont elles ne changent pas. Comme un mélodrame traditionnel qui a été soigneusement fileté puis pilé à plat, «Love After Love» se hérisse avec une honnêteté que peu de films sur le chagrin ont jamais trouvé la force de montrer. —DE (La revue)

«Amour après amour»

29. «Foxtrot»

Le brillant réalisateur du réalisateur israélien Samuel Maoz à ses débuts au Liban 'prend une histoire apparemment morne de perte et crée un méli-mélo merveilleusement inattendu de perspicacités dans les frustrations israéliennes intergénérationnelles. —EK (La revue)

30. «Une femme fantastique»

le autre grand film de Sebastián Lelio de cette année, le lauréat d'un Oscar met en vedette la première actrice Daniela Vega dans un rôle décisif dans le film rare sur une personne trans qui - pour le meilleur ou pour le pire - se sent de son temps, et pas au moins un demi-pas derrière. —DE (La revue)

31. «Qui nous sommes maintenant»

Non seulement l’étude du personnage brûlant de Matthew Newton explore les notions de pardon et d’estime de soi avec une précision chirurgicale, mais extraordinaire la performance principale de Julianne Nicholson, prouvant une fois pour toutes que l'actrice sous-estimée est l'une des meilleures que nous ayons. —DE (La revue)

32. «Ne laisser aucune trace»

“; Hiver ’; s Os ”; La réalisatrice Debra Granik est attirée par les histoires de survivants - des histoires de gens qui ne correspondent pas à celui que l'Amérique aime se dire, mais qui n'en sont pas moins précieux. Le père taciturne (joué par Ben Foster) au cœur de “; Leave No Trace ”; ne fait pas exception. Lui et sa jeune fille (Thomasin Harcourt McKenzie) ont toujours vécu hors de la grille dans la verdure détrempée du parc forestier de Portland, mais tout change quand un jogger errant repère la fille et la signale aux autorités. À partir de là, le dernier-né de Granik se transforme en une lutte acharnée entre le système et ses valeurs aberrantes, se transformant en un film modeste mais extraordinairement gracieux sur ce que les gens ont besoin les uns des autres et les limites de ce qu'ils peuvent donner d'eux-mêmes. —DE (La revue)



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