La meilleure photographie de 2018

La meilleure photographie de 2018



Amazon / Capture d'écran / Paramount

La cinématographie n'est pas un concours, ni un concours de beauté, donc résumer les meilleures années en un simple classement n'était pas une tâche facile. Souvent, le récit de la saison des récompenses pour les talents en dessous de l'échelle est l'échelle et l'utilisation la plus évidente de l'artisanat; ici, l'accent est mis sur la façon dont la forme peut être utilisée pour susciter l'émotion et raconter une histoire. Ce sont 10 films qui font bien cela. Ensuite, quelques prix supplémentaires se sont concentrés sur des films qui ont ouvert des portes et ont indiqué un avenir passionnant de ce qui est possible dans le monde de la cinématographie.



10. “; Constellation éloignée ”;

«Constellation lointaine»



Shevaun Mizrahi

Le cadre du documentaire de Shevaun Mizrahi est une maison de retraite turque, un bâtiment institutionnel usé qui domine une ville en cours de reconstruction ci-dessous. Mizrahi, une équipe d'une seule femme, transforme le bâtiment en une tour éthérée de lumière hivernale qui, lorsqu'elle est jointe à ses sujets âgés ’; souvenirs a un effet obsédant qui persiste bien après avoir quitté le théâtre. Le film capture ce qu'un cinéaste ingénieux peut accomplir avec peu - attendre la lumière, mettre en scène les conversations dans les poches de chaleur et de couleur à l'intérieur de l'institution, et utiliser une caméra low-fi pour incarner l'intimité et l'affection mutuelle qu'elle partage avec elle. sujets. “; Mémoire ”; en tant que style cinématographique est devenu une façon de plus en plus animée de décrire le style visuel d'un film, mais Mizrahi a construit une chambre visuelle pour capturer la nature éphémère et spirituelle du souvenir de son passé.

9. “; Burning ”;

Brûlant

Capture d'écran

Monsieur. robot saison 2 épisode 12

La première partie du réalisateur Lee Chang-dong ’; s “; Burning ”; joue comme un film de tranche de vie naturaliste satisfaisant, quoique légèrement pesant. Mais après que les protagonistes aient fumé de l'herbe et dansé au soleil couchant, dans une scène vraiment merveilleuse, le film se transforme en quelque chose de plus semblable à la version de l'auteur Haruki Murakami de “; Vertigo. ”; Ce qui est remarquable dans la cinématographie de Kyung-pyo Hong, ce n'est pas qu'elle reflète parfaitement cette transition, mais à quel point elle est organique par rapport à ce qui est à l'écran. Parcourez les crédits du directeur de la photographie et vous trouverez des films aux styles audacieux impressionnistes (“; The Wailing, ”; “; Snowpiercer ”;), mais avec “; Burning ”; l'atmosphère épaisse ne fait pas partie du look du film, mais est motivée par l'emplacement et la lumière naturelle. Le mystère du film lui-même devient une étude de la lumière et de l'obscurité.

8. “; Nous les animaux »

'Nous les animaux'

Cinereach

La peau, la couleur, la chaleur poétique et l'intimité de l'été, “; We the Animals ”; est tout simplement le film le plus merveilleusement texturé de l'année. Ce qui est particulièrement remarquable à propos de ce film Sundance 16 mm, c'est qu'il n'absorbe en rien une peinture sur la nostalgie, mais se fonde plutôt sur un réalisme poétique. Les jeunes acteurs pour la première fois ont la liberté de bouger, la caméra est portable, mais il n'y a rien de brutal ni de brut. Les montures à objectifs larges ont une proximité et une immédiateté, mais la caméra respire avec un rebond glissant, plus comme un rêve sous-marin que ce style pseudo-documentaire qui définit la plupart des films à main avec une première distribution. Le directeur de la photographie Zak Mulligan crée une lumière d'été qui semble distante, tachetée ou qui s'estompe - une bonne partie de ce film donne l'impression de tourner ces trois dernières heures magiques d'une journée d'été. La prochaine étape pour Mulligan est Benh Zeitlin ’; s “; Wendy, ”; qui devrait être une toile pour plus de la même glorieuse.

7. “; Si Beale Street pouvait parler ”;

«Si Beale Street pouvait parler»

Capture d'écran

Quand il a été annoncé que Barry Jenkins et James Laxton faisaient le suivi de “; Moonlight ”; serait une adaptation de James Baldwin à Harlem, certaines images ont surgi dans la tête en fonction de leur approche poétique et asiatique du cinéma d'art européen à leur précédent lauréat d'un Oscar. Sauf que 'Beale Street' était un film qui a défié les attentes, avec un langage visuel qui a un pied dans le mélodrame technicolore d'Hollywood des années 1950 et un pied dans le réalisme des grands photographes qui ont capturé Harlem à son nadir économique. La cinématographie grand format de Laxton trouve une audace dans l'imagerie qui a le pouvoir des mots de Baldwin et l'étreinte chaleureuse de l'amour des protagonistes. À titre d'exemple, prenez l'incroyable gamme d'expression émotionnelle que le directeur de la photographie trouve dans le studio / appartement de jardin délabré de Fonny - de l'intimité figée dans le temps de la première fois où les personnages font l'amour, à l'intensité brûlante de Fonny (Stephan James ) perdu dans l'inspiration artistique, dans l'obscurité qui donne à réfléchir du souvenir de Daniel (Brian Tyree Henry), à la lumière pleine d'espoir de la naissance d'un enfant. L'imagerie dynamique de Laxton est finement ajustée à la façon dont la direction de Jenkins jaillit d'émotion et d'inspiration, mais est fondée sur un sens très réel du temps et du lieu.

6. “; Vous n'étiez jamais vraiment là ”;

'Tu n'as jamais vraiment été là'

Alison Cohen Rosa | Amazon Studios

Dans la bande-annonce de “; You Were Never Really Here, ”; un critique a présenté le film comme un chauffeur de taxi moderne, ”; une distinction discutable, à l'exception de la façon dont les rues étouffantes et graveleuses de New York deviennent une tapisserie de folie. Avec la réalisatrice Lynne Ramsay, il y a toujours une ligne ambiguë où se termine son lyrisme visuel et où commence la cinématographie, mais sur `` You Were Never Really Here ”; elle trouve un véritable colistier chez le directeur de la photographie Thomas Townend. Pour un film avec très peu de mouvement réel de la caméra, il y a un sentiment constant de malaise et d'énergie, et comme avec “; Taxi Driver, ”; Townend et Ramsay créent un monde tellement hallucinant que la scène sous-marine tant discutée ressemble à une extension naturelle, plutôt qu'à une rupture, de ce qui est arrivé auparavant.

5. “; Le favori ”;

Rachel Weisz et Olivia Colman dans le film 'The Favorite'

Yorgos Lanthimos

y aura-t-il un sicario 3

La réalisatrice Andrea Arnold raconte quand elle était une réalisatrice encore inexpérimentée qui a monté son premier plan en travaillant avec le directeur de la photographie Robbie Ryan sur l'un de ses premiers courts métrages. C'était un plan assez serré de son acteur se déplaçant rapidement du deuxième étage au premier. Alors qu'elle traversait le plan, elle l'a frappée comme une tonne de briques - cela signifiait que Ryan devrait courir en arrière, en bas, en tenant un appareil photo 35 mm. Ryan n'a pas battu un œil, et Arnold non plus pour la prochaine décennie, car elle a créé une marque unique de poésie visuelle cinétique avec Ryan derrière la caméra.

Pour “; Le favori ”; Le réalisateur Yorgos Lanthimos voulait créer un film d'époque en opulence du château de la reine Anne, sauf qu'ils n'utilisaient pas de lumières de cinéma, pas de drapeaux ou rebondissaient pour façonner la lumière naturelle, il tournait avec des images voyantes de 6 et 10 mm de large. les lentilles angulaires, et sa caméra animée couraient, s'arrêtaient sur un sou et tournoyaient avec précision et personnalité à tout moment et sans steadicam. Encore une fois, pas de problème. Que Ryan ait tourné dans un film si magnifique, sans être orné, et capturer (sinon débloquer) la vision de Lanthimos est l'une des merveilles du cinéma 2018. Aucun directeur de la photographie qui travaille aujourd'hui ne livre, sans chichis, une cinématographie en lumière naturelle et des mouvements de caméra avec une physique tout comme Ryan.

4. “; L'île des chiens ”;

«Isle of Dogs»

Fox Searchlight

Perdu dans l'étonnement que Wes Anderson en 2018 se consacre toujours au travail minutieux de traduire sa vision unique en animation stop-motion, c'est que chacune de ces images doit être allumée. Alors que beaucoup ont souligné la référence claire et l'influence de Kurosawa et Welles sur “; Isle of Dogs, ”; peu ont mentionné comment le directeur de la photographie Tristan Oliver a créé des images incroyablement nettes. Dans le film désaturé, ce qui est inhabituel pour Anderson, l'éclairage d'Oliver est rempli de contraste et d'ombre pour créer (de loin) la cinématographie la plus expressive et détaillée d'un film Anderson. C'est aussi l'éclairage le plus sombre et le plus nuancé de 2018.

3. “; Annihilation ”; “; Mission Impossible: Fallout ”;

'Annihilation' et 'Mission Impossible: Fallout'

Primordial

Studios d'Hollywood, psst. Par ici. Je ne sais pas comment te le dire, mais tes films ressemblent à de la merde.

Toutes ces technologies et ces incroyables outils de création de magie sont excellents, mais nous sommes passés depuis longtemps au point qu'ils devraient être pleinement et parfaitement intégrés dans votre narration. En fait, ils ont été fondamentalement intégrés au moment du premier “; Seigneur des Anneaux, ”; et si vous regardez la sortie incroyablement cinématographique du nouveau “; Star Wars ”; films sous la Kathleen Kennedy (qui a compris cela avec Spielberg il y a des décennies), il est évident qu'il existe un flux de travail qui peut aussi fonctionner aujourd'hui. Ce n'est pas un choix binaire, les effets visuels et les grandes actions sont en fait meilleurs lorsque votre directeur de la photographie est au centre de votre flux de travail.

Paramount avait à la fois les meilleurs films de science-fiction et d'action de studio de 2018, qui avaient également la meilleure cinématographie. Ils avaient également le même directeur de la photographie: Rob Hardy. De l’autre mondanité du scintillement et de la saturation dans la zone X (“; annihilation ”;) au saut de halo dans “; Mission Impossible, ”; Hardy a utilisé des ressources à gros budget pour intégrer de façon transparente le fantastique au photo-réalisme. Ses images sont saisissantes, viscérales, atmosphériques et totalement au service de réalisateurs délivrant un genre à indice d'octane élevé.

2. “; Guerre froide ”;

'Guerre froide'

Amazone

Vivre dans un monde de télévision couleur et de films, il y a quelque chose de naturellement cinématographique dans un film en noir et blanc. Pourtant, d'un point de vue cinématographique, le noir et blanc n'augmente pas nécessairement l'éclairage, il le révèle - tout ce que nous avons, c'est la lumière, du blanc au noir et toutes les nuances entre les deux. Les images en noir et blanc peuvent être rapidement exposées comme plates, trop éclairées ou juste éteintes. Inversement, dans le cas de “; Cold War, ”; le noir et blanc révèle l'un des plus grands films éclairés de la dernière décennie.

À bien des égards, “; Cold War ”; est une meilleure vitrine pour le directeur de la photographie Lukasz Zal que “; Ida, ”; le précédent film en noir et blanc qu'il a tourné pour le réalisateur Pawel Pawlikowski et qui lui a valu une nomination pour la co-cinématographie aux Oscars. Pour “; Cold War, ”; Pawlikowski et Zal accentuent le contraste, tout en élevant la caméra pour qu'elle puisse voir plus profondément dans des espaces et des lieux évocateurs. Le film est également venu avec des mois de préparation au cours desquels les deux collaborateurs ont soigneusement conçu des plans plus longs dans lesquels la narration visuelle se résume à l'essentiel - chaque recadrage, chaque mouvement un rythme dramatique de la narration, et l'éclairage précis de Zal ’; et l'utilisation précise de la composition profondeur soulignant et façonnant l'instant.

1. “; Suspiria ”;

'Suspiria'

fil fantôme vicky krieps

La guerre froide terne en Allemagne pendant l'hiver. Choisissez une couleur pour décrire “; Suspiria ”; et vous diriez gris. À l'ère numérique, ce type de film désaturé est trop souvent accompli avec un tour de cadran en place, écrasant la vie et l'âme de l'image.

Ce n'est pas “; Suspiria, ”; et ce n'est certainement pas le directeur de la photographie Sayombhu Mukdeeprom, qui avec ce film s'affirme clairement comme l'un des meilleurs DoP travaillant aujourd'hui. Au sein de la palette étroite du film se trouve un tour de force d'une cinématographie délicieusement sculptée - des images vives, presque opulentes, avec une couche riche empilée sur une couche riche: le teint de porcelaine, la symphonie de couleurs sourdes, la lumière hivernale argentée. Tout cela se transforme parfaitement dans des dimensions alternatives, comme l'espace noir indéfini dans les couloirs, la théâtralité de la performance de Volk, les cauchemars éthérés et bien, cette fin.

Mukdeeprom capture parfaitement l'essence du directeur de la photographie Michael Ballhaus, dont le travail des années 1970 avec le réalisateur allemand Rainer Werner Fassbinder incarnait l'esprit de l'époque que le réalisateur Luca Guadagnino tentait de canaliser, mais se l'appropriait. Et comme Ballhaus («After Hours», «Goodfellas»), la capacité de Mukdeeprom à fournir tout cela avec un mouvement de caméra articulé et des photos de dolly est la substance d'un film Scorsese.

MVP (Photographie la plus précieuse): “; A Star Is Born ”;

'Une star est née'

Warner Bros.

Les autres films de cet article sont améliorés par la cinématographie, les DoPs gravant une couche expressive de l'histoire qui va au-delà des performances et de la direction. Dans le cas de “; A Star Is Born, ”; le directeur de la photographie Matthew Libatique a créé le langage et la structure très visuels qui permettent à ce film de monter en flèche.

Pensez à la mission elle-même: un premier réalisateur (Bradley Cooper), qui n'est pas un musicien, incarne une rock star qui dirige simultanément une pop star de la vie réelle (Lady Gaga) qui n'agit pas. Alors que Cooper trouve les performances, Libatique devait créer un style de prise de vue discret qui peut se plier à la performance, mais qui exige de l'immédiateté et de l'intimité - le film se sentant parfois comme un gros plan intense. Un maître pour la sensation d'une caméra en mouvement, avec la possibilité de jouer des rythmes radicalement différents pour tout de la mère “;! à “; Iron Man, ”; Libatique joue le quart-arrière sur “; Star ”; faire pivoter différentes caméras avec différents objectifs pendant et en dehors, en évitant de couper et de changer les configurations Le mouvement de Gaga et Cooper, les battements émotionnels des scènes et la caméra en mouvement semblent parfaitement synchronisés et chorégraphiés. Ils ne sont pas tous que Libatique et son équipe trouvent le moment et les cadres en se nourrissant des interprètes.

L'affectation ne devient plus difficile que si vous considérez les paramètres de concert en direct, mais aussi l'idée que la caméra ne quitte jamais la scène. Nous ne sommes jamais dans la foule à regarder le concert, nous sommes avec nos artistes. Les lumières pointaient et visaient la caméra (et les interprètes) elle-même. Et pourtant, le film est sans couture. Gaga entrant sur la scène de l'amphithéâtre pour la première fois pour saisir le micro et laisser “; Shallow ”; rip est visuellement organique, le point culminant naturel de l'ouverture enivrante du film pendant 30 minutes. Pour rassembler tout cela, Libatique a créé une histoire de couleurs satisfaisante, d'abord en nous ancrant dans la lumière cyan-rougeâtre mondiale de Cooper, qui s'arque et change lorsque les deux fusionnent et se désagrègent.

Je ne sais pas si la cinématographie “; A Star Is Born ”; lui-même appartient au top 10, mais ce qui me tient à coeur, c'est que si vous supprimez le travail de Libatique, “; A Star Is Born ”; est un candidat à la meilleure chanson.

Mentions honorables: “; Premier homme ”; (DoP Linus Sandgren), “; Heureux comme Lazzaro ”; (DoP Hélène Louvart), “; Héréditaire ”; (DoP Pawel Pogorzelski), “; Je pense que nous sommes seuls maintenant ”; (DoP Reed Morano), “; Old Man & the Gun ”; (DoP Joe Anderson), “; The Sisters Brothers ”; (DoP Benoît Debie), “; Widows ”; (DoP Sean Bobbitt), “; Zama ”; (DoP Rui Poças).

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Les cinéastes suivants ont exploré le médium de façon passionnante cette année, repoussant les limites et ouvrant les portes du cinéma.

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'Où est Kyra?'

Capture d'écran

Directeur photo Bradford Young (“; Solo, ”; “; Où est Kyra? ”;): Le numérique n'est pas un film, pour le meilleur ou pour le pire. Pour le mieux, la quantité d'informations visuelles qui se trouve maintenant dans «l'orteil», la partie inférieure de l'exposition est incroyable. Faire ressembler un film de David Fincher à une comédie musicale MGM, personne n'explore cette obscurité numérique comme Bradford Young. Dans «Où est Kyra?» Young fait plus avec une ampoule que la plupart des cinéastes ne peuvent le faire avec un temps et un équipement illimités. Que cette exploration se soit poursuivie dans un film 'Star Wars' ('Solo: A Star Wars') époustoufle l'esprit, tout en exposant et testant (sinon cassant) notre sombre projection de chaîne de films. Le directeur de la photographie le plus audacieux qui travaille aujourd'hui.

Explorer le formulaire de non-fiction

'Comté de Hale ce matin, ce soir ”;

Sundance

fin de la découverte du star trek

RaMell Ross (“; comté de Hale ce matin, ce soir ”;): RaMell Ross incarne le rôle littéral d'un directeur de la photographie. Photographe devenu cinéaste, l'approche de Ross à ses images basées sur le temps a insufflé un air frais dans le monde de la non-fiction. Chaque image est entière, destinée à être autonome, incarnant la beauté, la magie, la vérité et l'ambiguïté qu'il voit à travers son objectif. Ce n'est pas une couverture, il ne s'agit pas de capturer des moments ou des séquences destinés à servir un récit plus large, c'est une interprétation d'un moment par un artiste réfléchi et un enfer de photographe.

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'Rome'

capture d'écran

“; Roma ” ;: Alfonso Cuaron n'est pas le premier réalisateur ou directeur de la photographie à tourner en grand format, qu'il s'agisse d'un film 65 mm ou d'un capteur numérique de même taille. Il est l'un des premiers à utiliser les qualités uniques du format avec des objectifs grand angle pour capturer des moments essentiellement intimes avec une grande profondeur de champ et de portée.

Tirant parti de la largeur des objectifs sur le grand format (un objectif 50 mm plus serré au format 65 mm capture le même champ de vision qu'un objectif 25 mm plus large au format 35 mm), Cuaron a créé des images avec un champ de vision étendu et une profondeur énorme de champ, mais pour des scènes et des moments intimes. Le résultat est que nous avons une portée de proximité immersive, une intimité avec une distance objective. C’est une expérience cinématographique différente utilisée de manière unique par un artiste singulier, mais il sera intéressant de voir où les autres le feront ensuite.



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