Cannes 2019: les 10 meilleurs films du festival de cette année

Voir la galerie
74 Photos

En entrant au Festival de Cannes, plusieurs films généraient déjà beaucoup de buzz, et ils ont certainement livré à de nombreux publics. Elton John biopic “; Rocketman ”; a ravi les fans purs et durs de la chanteuse, qui ont foulé le tapis rouge en grande pompe. Quentin Tarantino ’; s “; Il était une fois à Hollywood ”; a amené Leonardo DiCaprio et Brad Pitt à Cannes pour présenter certaines de leurs meilleures performances à ce jour, en tant que duo acteur-cascadeur en 1969 aux prises avec l'évolution des temps. En tant que plate-forme pour les films de studio générant du buzz avant leurs sorties aux États-Unis, Cannes n'a pas déçu.



fils de l'anarchie reddit

Cependant, le festival offre beaucoup de cinéma au-delà des ingrédients les plus évidents. Avec 69 films en sélection officielle et des dizaines d'autres en réalisateurs ’; Quinzaine et critiques ’; Pendant la semaine, Cannes a eu de nombreuses occasions de célébrer les nouvelles œuvres des piliers de l'auteur et les découvertes majeures de nouveaux talents. Voici les principaux faits saillants.

«Une vie cachée»

Terrence Malick est de retour. Le cinéaste reclus du Texas s'est rendu à Cannes pour offrir un soutien (limité) à son neuvième long métrage, “; A Hidden Life, ”; qui a été récupéré par Fox Searchlight, le distributeur de sa Palme d'Or 2011, lauréat du prix “; The Tree of Life. ”; Après que les films suivants de Malick n'aient pas séduit les critiques ou le public, Malick a façonné un chef-d'œuvre soigneusement assemblé, long de près de trois heures. Cette fois, Malick déploie ses voix off de marque, éditant des rythmes et une cinématographie époustouflante au service d'un récit anti-hitlérien captivant, émouvant, romantique, spirituel et effrayant.



«Une vie cachée»



August Diehl et Valerie Pachner jouent un couple autrichien amoureux avec trois petites filles qui vivent une existence bucolique dans les Alpes autrichiennes, cultivant en étroite harmonie avec la nature, jusqu'à l'intervention d'Hitler. Lorsque l'agriculteur Franz Jägerstätter est appelé à servir, il se rend compte qu'il ne peut pas faire le serment de fidélité requis à Hitler. “; Il s'agit davantage d'un choix privé et silencieux, ”; dit Diehl à Cannes, 'pas quelque chose de visible, pas d'exceptionnel, ce n'est pas un héros.' C'est un choix personnel et spirituel. ”;

Les acteurs ont apprécié les méthodes de travail habituelles de Malick: des prises de vue longues, ininterrompues et improvisées de 20 à 30 minutes qui ont été tournées en anglais accentué allemand et un peu d'allemand en 2016, suivies d'un processus de montage long et exigeant qui a pris trois ans de plus. Michael Nykvist et Bruno Ganz sont tous deux morts entre-temps, après avoir tourné leurs derniers films avec Malick.

Fait troublant, le film est trop opportun, résonnant avec la montée de l'extrême droite en Europe et en Amérique. Searchlight, qui a payé 12 à 14 millions de dollars pour les droits mondiaux, espère que le film frappera durement le public mondial (et les électeurs des Oscars).

“; Bacurau ”;

Rien dans le drame Sonia Braga de Kleber Mendonça Filho “; Verseau ”; aurait pu préparer le public à ce rêve inclassable de fièvre dystopique occidentale, co-réalisé par Juliano Dornelles. “; Bacurau ”; se déroule dans un contexte désertique proche de l'avenir, alors que la communauté éloignée titulaire fait face à une crise de l'eau et à une mystérieuse meute de vigiles américains qui ont pris leur peuple un par un. L'intrigue cryptique du film est à parts égales John Carpenter et Sergio Leone alors qu'il se transforme en une confrontation sanglante entre des factions en guerre tout droit sorties de “; Seven Samurai. ”; En d'autres termes, c'est exactement le genre de lettre d'amour au cinéma de premier ordre qu'un ancien critique comme Filho ferait, ainsi qu'une réalisation cinématographique visionnaire à ses propres conditions.

“Bacurau”

Parmi les nombreuses joies de “; Bacurau ” ;: Sonia Braga en tant que médecin sans alcool et non-sens; Udo Kier en tant que tueur dément; un guitariste exubérant du quartier qui suit les locaux et chante des chansons sur leur vie; et une fixation locale sur les psychédéliques, qui entrent dans l'intrigue plus d'une fois. “; Bacurau ”; évolue dans des inspirations remarquables, passant des explorations ludiques du soutien communautaire et des relations progressistes aux affrontements violents et aux guichets idéologiques. De plus, il y a des OVNIS et des fantômes. De quoi d'autres avez-vous besoin?

“; Bacurau ”; est le genre de film qui fait partie du Concours de Cannes: une réalisation tout à fait originale qui utilise la puissance de la forme artistique de manière nouvelle, et qui n'a pas peur de prendre des balançoires loufoques dans le processus. —EK

“; Beanpole ”;

Inspiré par le livre de Svetlana Alexievich ”; The Unwomanly Face of War, ”; Kantemir Balagov ’; s déchirante “; Beanpole ”; raconte une histoire glaciale mais magnifiquement tracée sur deux femmes russes - les meilleures amies - qui désespèrent tellement pour toute sorte d'agence personnelle après le siège de Leningrad qu'elles commencent à s'utiliser pour répondre à l'arithmétique insoluble de la vie et de la mort. Iya (la nouvelle venue Viktoria Miroshnichenko) souffre du syndrome post-commotion cérébrale après avoir combattu sur les lignes de front, et travaille maintenant comme infirmière dans un hôpital de Leningrad moisi qui gronde avec les morts et les mourants.

'Beanpole'

Kino Lorber

Même avant qu'Iya étouffe accidentellement un jeune garçon à mort lors d'une crise de paralysie post-commotion cérébrale - et même avant que Masha (Vasilisa Perelygina), la mère du garçon, revienne de l'armée pour constater qu'Iya “; lui doit une vie ”; - “; Beanpole ”; a déjà peint un portrait amer et extraordinairement texturé d'une ville qui commence tout juste à affronter son traumatisme. Ces personnes ont été mutilées par une guerre à laquelle peu ont survécu et se sont échappées; les combats sont peut-être terminés, mais la paix ne les attend pas forcément à l'horizon. Et bien que Iya et Masha soient la seule famille que l'un d'eux ait quittée, il se peut qu'ils ne se réconfortent pas beaucoup. Se déroulant avec une résolution d'acier et une honnêteté brutale qui rappelle Cristian Mungiu de 4 mois, 3 semaines et 2 jours, ”; Le film de Balagov devient plus puissant (et transcende ses faibles traces de miséricorde) alors qu'Iya et Masha essaient de se maîtriser sans avoir de prise sur eux-mêmes. —DE

“; La montée ”;

La prémisse de “; The Climb ”; On lui a dit tant de fois que c'est un petit miracle que celui-ci fonctionne du tout: deux copains à vie testent les limites de leur amitié lorsqu'une femme se met entre eux. Pourtant, les débuts de réalisateur captivants de Michael Covino confrontent ce défi à une ambition cinématographique époustouflante, entraînant une brillante réinvention de la comédie entre amis. Les films de mecs alimentés par la testostérone ont occupé toutes les facettes du paysage cinématographique ces dernières années, des frères Duplass aux “; Step Brothers, ”; mais “; The Climb ”; transforme ce trope en une nouvelle vision de confrontations arrosées et de lamentations maladroites, résultant en une vision tragicomique gagnante de sa propre conception.

'La montée'

Festival de Cannes

Le point de départ de “; The Climb ”; remonte à un court-métrage de Sundance 2017, avec un scénario intelligent si économique qu'il n'aurait jamais pu faire allusion au grand dessein à suivre: Mike (Covino) et Kyle (co-scénariste Kyle Marvin) montent à vélo sur une colline escarpée comme Mike, l'installateur des deux accélère, tout en avouant qu'il a couché avec le fiancé de Kyle. En sept minutes serrées, le court-métrage a imaginé une paire d'hommes-enfants stupides et essoufflés dont le lien étroit est testé dans les circonstances les plus idiotes. Où cela pourrait-il éventuellement aller? Il se trouve que de nombreux endroits passionnants, car ce tranchant à deux mains passe de caustique à doux avec du cinéma acrobatique à revendre, suivant les gars à travers des hauts et des bas dans les années à venir avec les mêmes moyens intelligents et concis de dépendre de leur relation. Ce n'est pas seulement un exemple fort du genre; c'est un parangon de la forme. —EK

“; Diego Maradona ”;

Le montage d'ouverture de cinq minutes de “; Diego Maradona ”; raconte une histoire vertigineuse de l'ascension spectaculaire du joueur de football argentin, et l'histoire ne fait que commencer. En tant que talent de percée de Barcelone au début des années 80, Maradona était considérée comme un successeur naturel de la stature de Pelé comme le plus grand joueur de l'histoire, avec l'éthos à démarrer: “; Je suis plus intéressé par la gloire que l'argent, ” ; dit-il dans une interview de passage, alors que le prologue se soucie de son style de vie exubérant et dur, de ses réactions locales et de sa guérison - jusqu'à ce qu'il soit enfin vendu à Napoli moins glamour en 1984. C'est un changement dramatique, mais c'est un changement dramatique, mais seulement un point de départ pour cette saga haletante et captivante d'une légende du football tombée de grâce.

'Diego Maradona'

HBO

Alors que Maradona est controversée “; Main de Dieu ”; le triomphe de la Coupe du monde 1986 a déjà été capturé dans un ESPN “; 30 for 30 ”; tranche, le réalisateur Asif Kapadia plie ce chapitre majeur en une tapisserie beaucoup plus large. Vous ne pouviez pas demander une meilleure adéquation entre le cinéaste et le sujet, en tant que réalisateur oscarisé de “; Senna ”; et “; Amy ”; a déjà fait ses preuves lorsqu'il s'agit de capturer des personnages de la culture pop malheureux en termes intimes. Comme avec “; Amy, ”; la décennie couvrant “; Diego Maradona ”; évite les têtes parlantes pour un pur récit d'archives, mélangeant la couverture médiatique avec des rames de matériel vidéo domestique pour transformer l'histoire de Maradona en un grand opus. Aidé de révéler la narration de voix off de ses sujets, les vidéos granuleuses des années 80 deviennent un portail remarquable vers le passé. —EK

“Les Misérables”

Ce début de fiction extraordinaire du cinéaste documentaire français Ladj Ly s'ouvre sur des séquences vidéo de Parisiens enthousiastes célébrant la victoire de la France en Coupe du monde 2018. C’est la dernière fois que le film révèle une quelconque unité. Extrait du court-métrage nominé par Cesar et co-écrit avec Giordano Gederlini et Alexis Manenti, qui incarne Chris en tant qu'intimidateur raciste, l'un des trois policiers anti-criminalité en patrouille à Montfermeil, le quartier de Ly en dehors de Paris, ce discipline, bien construit Le film présente les différentes factions qui régissent cet autocuiseur criminel.

En rassemblant des centaines d'heures de séquences, Ly et sa monteuse Flora Volpelière font monter la tension tout au long du film, alors que Stéphane (Damien Bonnard), un flic formé de l'extérieur de Paris, rejoint l'équipe et regarde les interactions souvent agressives des flics avec de nouveaux yeux. Le premier jour, le capitaine de la police lui rappelle que le travail d'équipe est tout, mais comme un premier jour difficile est suivi d'une seconde encore plus inquiétante, le nouveau venu Stéphane désapprouve les méthodes violentes de ses partenaires. Ils le testent, le jetant dans des réunions inconnues avec des hommes dangereux. Il y a le maire corrompu, les musulmans, un cirque rom avec un lionceau en liberté, des habitants féroces et en colère essayant de protéger leurs enfants, et les enfants eux-mêmes, qui se soulèvent en masse contre le trio de flics, qui ont des armes limitées qu'ils peut utiliser sur les mineurs.

“Les Misérables”

Amazone

Les choses deviennent incontrôlables lorsque le partenaire de Stéphane Gwada (Djebril Zonga) se met en colère et zappe un enfant au visage avec une flashball, le mettant KO. Tout à coup, les flics se rendent compte qu'un drone a enregistré l'incident et, lorsqu'ils s'occupent de l'enfant tombé, ils doivent trouver la vidéo avant qu'elle ne tombe entre de mauvaises mains. Inspiré par les émeutes de Paris de 2005, le film de Ly montre à quel point les étincelles en colère peuvent se transformer en un enfer déchaîné. La mise en scène de Ly est tellement assurée que CAA l'a rapidement signé (il va apprendre l'anglais) et Amazon a battu Netflix en proposant une sortie en salles. Recherchez le film pour frapper les festivals d'automne.

“; Le phare ”;

“; Le phare, ”; Robert Eggers ’; saisissant psychodrame nautique en noir et blanc, puise dans une mer de références puissantes. La suite hypnotique du cinéaste à “; The Witch ”; évoque les fantômes d'Herman Melville et Andrei Tarkovsky, avec de bonnes doses de Stanley Kubrick et Bela Tarr pour faire bonne mesure. C'est une formidable vitrine pour que Robert Pattinson et Willem Dafoe déchaînent leurs extrêmes les plus fous, en les positionnant au centre d'un biplace sur une descente dans la folie au milieu de nulle part. C'est le meilleur film sur les mauvais colocataires jamais réalisé.

'Le phare'

'Le phare'

Comme avec “; The Witch, ”; Eggers ’; sophomore feature se concentre une fois de plus sur un petit groupe de personnages entourés par les éléments et consommés par des forces invisibles, se rendant fou dans le processus. Et encore une fois, le titre dit tout: Situé dans les années 1890, “; The Lighthouse ”; trouve Thomas Wake (Dafoe) et Efraim Winslow (Pattinson) arrivant à ce poste éloigné, où la balise aqueuse s'étend d'un petit îlot rocheux et dans un ciel crayeux. Ils passent la durée du film à errer dans ses crevasses boueuses et hantées, et tandis que le film télégraphie leur destin dès le début, le frisson vient de regarder leur spirale descendante erratique se dessiner. —EK

«Douleur et gloire»

Pedro Almodóvar ’; auto-fiction “; Pain & Glory ”; pourrait repousser l'auteur espagnol dans la course aux Oscars. Mettant en vedette ses stars incontournables Antonio Banderas (la star d'Almodóvar & Labyrinth of Passion ”; et “; Law of Desire ”; est attendue depuis longtemps pour une nomination aux Oscars) en tant que Salvador Mallo, un directeur de l'artisanat espagnol vieillissant basé sur Almodóvar et Oscar- gagnante Penelope Cruz (“; Vicky Cristina Barcelona ”;) en tant que sa jeune mère, le film est un doux regard du nombril sur les racines du désir, les amours passées et la détérioration du corps vieillissant. Banderas offre une performance silencieuse, subtile et émouvante, sans précédent. Il abandonne ses vieilles habitudes d'acteur pour habiter ce cinéaste bloqué et solitaire souffrant de mal de dos, d'anxiété, de migraines, de bloc d'écrivain et d'un œsophage sensible qui est tombé sur un puissant cocktail de médicaments contre la douleur, d'alcool et d'héroïne reniflé pour passer les jours. . “; Sans filmer, ma vie n'a pas de sens, ”; Dit Mallo.

Aidé par une partition d'Alberto Iglesias affinée et diverses étapes de la conscience altérée, Almodóvar revient en toute transparence à la jeunesse de Mallo à Valence avec sa mère (Cruz), qui lui propose d'enseigner à un peintre en bâtiment comment lire; quand il voit le jeune homme musclé se déshabiller pour un bain, le garçon ressent la luxure pour la première fois. Plus tard, Mallo renoue accidentellement avec son vieil amour Federico (Leonardo Sbaraglia), qui l'avait douloureusement quitté des années auparavant; les deux hommes parlent, se remémorent, et tandis qu'ils s'embrassent à la porte, ravivent leur ancienne passion.

Banderas est particulièrement nue et exposée dans une série de tableaux tranquilles entre Mallo et sa mère vieillissante (Julieta Serrano) alors qu'elle se prépare à la mort. Grâce à Almodóvar, la future carrière des Banderas matures présente un énorme potentiel.

“; Parasite ”;

Abandonnant les éléments de science-fiction qui ont défini son travail récent en faveur de quelque chose de plus ancré (mais pas moins excentrique), “; Snowpiercer ”; Le réalisateur Bong Joon-ho propose une autre parabole compatissante mais comiquement violente sur la façon dont la société ne peut être aussi forte que ses personnes les plus vulnérables. La différence avec ce shiv tendre d'un film est qu'il ne s'appuie pas sur ses métaphores, ni même les laisse survivre; au contraire, il les attaque avec une grande variété d'objets ménagers jusqu'à ce qu'il devienne clair à quel point tout “; Parasite ”; c'est vrai.

'Parasite'

Critique de la saison 5 de la vallée de la silicone

Néon

Une histoire suffisamment fondée sur les membres d'une famille pauvre de Séoul (dirigée par le grand Song Kang-ho) qui, un par un, commencent chacun à travailler pour une nouvelle famille riche dans leur élégant manoir en haut de la colline, “; Parasite ”; commence comme une comédie décalée de toutes sortes avant de sombrer dans quelque chose de sauvage, inclassable et brûlant de rage impuissante. Aussi élevé que “; Okja, ”; mais aussi réaliste que “; Mère, ”; Le dernier né de Bong est une excoriation insensée de la vie sous le voile du capitalisme tardif, et il nous laisse tous un peu plus riches à la fin. —DE

“; Portrait d'une dame en feu ”;

Comme pour chacune des trois fonctions précédentes de Sciamma, “; Portrait of a Lady on Fire ”; raconte une histoire profondément tendre sur le processus de découverte de soi et de devenir. Celui-ci - le plus parfait et le plus puissant de Sciamma à ce jour - met en vedette une brillante Adèle Haenel en tant que future mariée du 18ème siècle et une Noémie Merlant violemment présentée comme la femme qui a embauché pour peindre son portrait de mariage en secret.

'Portrait d'une dame en feu'

NÉON

Mais alors que tous les autres travaux du cinéaste ont été immaculés d'une manière ou d'une autre, c'est le premier de ses films qui pourrait être décrit comme 'ludique' pictural. ”; Et bien que toutes ses offres précédentes aient porté sur les images que ses personnages projettent, celle-ci se préoccupe davantage de celles qu'elles laissent derrière elles. Austère où “; Tomboy ”; était inquiète et hésitante où “; Girlhood ”; était imprudemment confiant, “; Portrait of a Lady on Fire ”; est une romance d'époque qui est traditionnelle à certains égards, progressive à d'autres, et tout à fait si vraie qu'elle pourrait ressembler plus à regarder dans un miroir qu'à courir les yeux sur une toile. Et tout cela se transforme en un marteau absolu d'une fin. —DE



Top Articles

Catégorie

La Revue

Traits

Nouvelles

Télévision

Boîte À Outils

Film

Festivals

Commentaires

Prix

Box-Office

Entrevues

Clickables

Listes

Jeux Vidéos

Podcast

Contenu De La Marque

Pleins Feux Sur La Saison Des Récompenses

Camion De Film

Influenceurs