Les claustrophobes ne doivent pas s'appliquer: 16 films à emplacement unique

L'un des principes de base des cinéastes débutants est enseigné et encouragé à l'école de cinéma, au moins quand ils commencent, est de choisir un endroit simple et idéalement unique pour des raisons pratiques: les budgets et leur absence, les permis, le contrôle, l'éclairage facilité, etc. Si vous êtes un étudiant en cinéma fauché avec peu de moyens, la façon la plus simple de faire un film est de le placer dans un environnement où vous avez idéalement un contrôle total.



En être témoin; Quentin Tarantino définir son image de braquage 'Chiens de réservoir'Dans un entrepôt et n'a jamais réellement montré le casse, choisissant plutôt de garder l'intérieur comme un tournage intérieur sauf pour quelques scènes à l'extérieur qui ont probablement été tournées en un jour ou deux. Chose intéressante, parmi notre liste des meilleurs films à un seul endroit, presque tous ces cinéastes ont placé ces films dans un seul décor par choix créatif et non pas parce qu'ils y étaient forcés. La méthodologie qui la sous-tend n'est pas loin de Jack White«Le moins est plus le manifeste dans le rayures blanches: vous forcer à être créatif et inventif en soustrayant tous les jouets que vous avez normalement à votre disposition et en revenant à l'essentiel.

Danny Boyle«S»127 heures'Arrive en salles aujourd'hui en version limitée, et bien qu'il ne soit pas strictement situé dans un seul endroit, la grande majorité du film se déroule dans un seul canyon claustrophobe, avec le canyoner Aron Ralston pris au piège sous un rocher. Boyle utilise tous les trucs de son vocabulaire cinématographique pour garder la situation fraîche, mais nous avons pensé examiner comment d'autres cinéastes, de Alfred Hitchcock à, plus récemment, 'Enterré'Directeur Rodrigo Cortes, ont traité d'un seul endroit.



«Corde» (1948)
Dans 'Corde», Basé sur le cas réel de Léopold et Loeb, deux étudiants universitaires qui croyaient en la théorie du meurtre de Nietzsche Übermensch comme l'acte ultime de supériorité intellectuelle, Alfred Hitchcock lève un certain nombre d'obstacles techniques à sa manière de raconter l'histoire (basé sur sur le 1929 Patrick Hamilton jouer) au grand écran. En plus du lieu unique, un appartement, Hitchcock joue le film en (plus ou moins) temps réel (regardez le soleil changer de position à l'extérieur de la fenêtre tout au long du film) et essaie de présenter le film comme une prise ininterrompue grâce à certains montage intelligent. Bien que les gambits techniques ne fonctionnent pas toujours et soient parfois distrayants, l'effet global ne peut pas être nié. Avec de formidables performances de plomb par John Dall et Farley Granger en tant que duo meurtrier, et le toujours fiable James Stewart en tant que leur professeur suspect, “; Rope ”; est un jeu de chat et de souris incroyablement amusant qui augmente les enjeux en gardant tous les joueurs dans le cadre pendant toute la durée de l'exécution. Dall en particulier se démarque en tant que Brandon, un faisceau de joie étourdie combiné à un sentiment d'accomplissement pervers tandis que Granger tient le sien comme Phillip beaucoup plus nerveux et culpabilisé. Même si vous savez à quel point leur “; crime parfait ”; est finalement révélé, “; Rope ”; est toujours très amusant à regarder. Le combat verbal est délicieux et la séquence d'homo-érotisme qui traverse le film est remarquable pour l'époque. Pas beaucoup de films à décor unique sur cette liste n'essaient autant que Hitchcock jongle ici, mais pour la plupart cela fonctionne, et plus important encore, l'histoire devient rapidement beaucoup plus fascinante que les nouveautés utilisées pour la raconter. [B +]



«12 hommes en colère» (1957)
Pédants, arrêtez-vous - pendant que le film est en livre avec des scènes à l'extérieur et que la salle de bain est brièvement présentée, “; 12 Angry Men ”; est au fond un film à un seul endroit; tout ce qui importe se déroule, enfermé dans le temps et l'espace, dans une salle de jury en sueur et sans traits où les 12 hommes du titre sont envoyés pour décider du sort d'un homme accusé de meurtre. Basé sur (et différant apparemment peu du point de vue du scénario) d'un téléplay du même nom, que le film ne ressent jamais rien de cinématographique, malgré ses racines TV et la théâtralité délibérée de sa mise en scène (témoin de la belle chorégraphie de ce moment dévastateur où le racisme racoleur se révèle, et chacun de ses camarades se lève un par un et tourne le dos) est en grande partie dû aux performances boursouflées, rassemblées par un Sidney Lumet tout au long d'un processus de répétition ardu. Une mention spéciale doit aller à Henry Fonda, dont le travail ici est un chef-d'œuvre d'euphémisme et d'intelligence contenue et promeut le film d'une méditation sur la libéralité, le système judiciaire et le sens de la justice (intéressant) à un essai très observé sur les mécanismes du pouvoir et de la manipulation (intéressé). Oui, certains détails peuvent sembler banals maintenant - un témoin GASP ne portait pas ses lunettes; un vieil homme CHOC lui traîne la jambe - mais le plus souvent ce n'est pas le " faits ’; qui changent d'avis, au lieu de cela, chaque homme a tort en exposant son orgueil, ses préjugés et sa mesquinerie aux autres et à lui-même. C'est peut-être la réalisation la plus remarquable du film; c'est un monument imposant à l'idée que l '‘ homme ordinaire ’; est au fond bon et gentil - c'est juste que parfois il a besoin d'un petit rappel. [UNE]

«Canot de sauvetage» (1944)
Alfred Hitchcock avait certainement une sorte de créativité créative masochiste pour placer ses productions dans des situations extrêmement difficiles, comme, disons, dans les confins d'un canot de sauvetage avec une diva excentrique (et la culotte eschewer) Tallulah Bankhead. Ensuite, jetez un morceau fixe d'une amputation de jambe primitive pour le plaisir! L'image d'ensemble de la Seconde Guerre mondiale a remporté des noms d'Oscar pour le meilleur réalisateur, la meilleure histoire originale de cinéma (par John Steinbeck), la meilleure photographie noir et blanc (abandonnez-la aux fantômes des catégories Oscar passées), et une foule de controverses pour ce qui était considéré comme une représentation propagandiste d'un capitaine nazi qui se retrouve à bord du canot de sauvetage. L'équipage hétéroclite jeté ensemble après qu'un navire à passagers et un sous-marin allemand se soient coulés ensemble constitue un petit modèle UN de races, de croyances et de nationalités, et tout le monde doit apprendre à s'entendre pour survivre - et pas tous. Hitchcock s'est présenté le défi de tourner ce film - coller un groupe d'acteurs dans un canot de sauvetage au milieu de l'océan ne donne pas au réalisateur autant d'options visuelles, mais il a mis en scène les acteurs dans le cadre d'une manière dynamique en couches , utilisé des gros plans et créé magistralement tout un univers dans les limites du bateau en remplissant simplement le cadre de personnages. Malgré le petit emplacement, le film ne se sent jamais claustrophobe. Hitch a également ajouté un autre défi de narration à son assiette en éliminant complètement la partition (sauf pour le tout début et la fin), laissant le public ne pas être influencé par les indices musicaux, apprenant ce qu'ils devaient savoir des actions des personnages, Hitch ’; le travail et le montage inégalés de la caméra, et le son diégétique désolé de l'océan qui claque contre la coque. Tous les cinéastes à un seul endroit: saluez-vous devant votre maître. [UNE]

«The Breakfast Club» (1985)
Le fléau de l'existence au lycée - en dehors de la maladresse et de l'inadaptation - est la détention, il était donc plutôt brillant pour John Hughes d'utiliser l'incarcération physique comme métaphore émotionnelle pour l'angoisse et l'angoisse de tous les adolescents, quel que soit leur poste à l'école , ressentir. Peut-être pas aussi claustrophobe que certains films de cette liste, 'The Breakfast Club' est toujours d'actualité car l'image est entièrement prise dans un lycée le pire jour possible pour un adolescent: un samedi. Vous l'avez vu, nous n'avons donc pas besoin de vous en dire plus sur ce classique des années 80 qui oblige un nerd, un jock, un paria, un criminel et un priss à résoudre leurs problèmes collectifs, mais c'est un inventif prémisse qui a évidemment fonctionné à la pelle. Il y a beaucoup de colère et de larmes dans la dramatique lorsque les étudiants du film sont obligés de confronter leurs peurs et leurs démons, mais à la fin c'est cette auto-analyse franche qui les laisse, et nous le spectateur, nous sentons un peu plus compris dans un monde qui est en grande partie cruel et impitoyable. [UNE]

«Enterré» (2010)
Le concept est simple: un homme se réveille enterré vivant dans un cercueil et doit se battre pour sa vie. Et pour être sûr, le film de Ryan Reynolds a eu beaucoup de buzz et de chaleur au début pour sa vanité ambitieuse qui a trouvé l'acteur à l'écran, seul, pendant toute la durée du film. Et tandis que Reynolds se révèle capable de maintenir une présence helluva pendant la durée de l'image, c'est dommage que le script de Chris Sparling ne puisse pas correspondre à l'énergie mise par l'acteur principal du film. En proie à la question du personnage de Reynold ayant un service de téléphonie cellulaire incroyablement fort sous terre, le script ne fait qu'empirer à partir de là. En substance, 'Enterré ”; est de 90 minutes d'appels téléphoniques, et parce que ces personnages ne sont que des voix pour que Reynolds s'en remette rapidement, il devient évident à quel point la construction de l'entreprise est mince. Atteignant un certain poids narratif, le script se transforme en une sorte de déclaration politique tardive mais il ne parvient pas à convaincre. Le réalisateur Rodrigo Cortes fait de son mieux pour mettre en scène de manière créative un film qui se déroule dans un espace extrêmement restreint, mais il n'y a que de nombreuses façons de cadrer Reynolds en gros plan. Tout en fumée et sans feu, 'Enterré' se met littéralement à l'intérieur. [C-]

«Cube» (1997)
Un exercice pour faire beaucoup avec un peu, “; Cube ”; a été abattu en 20 jours sur un seul 14 ’; x14 ’; fixé à seulement 365 000 $ CAD, mais a engendré deux films ultérieurs (une suite et une préquelle) et tout le culte suivant. C'est un travail maigre et absorbant dans lequel le gadget distinctement kafkaïen (un groupe d'étrangers se réveille dans un cube cauchemardesque composé de pièces constamment changeantes et d'apparence presque identique, dont beaucoup sont truquées pour tuer), comme dans tous les meilleure science-fiction, n'existe vraiment que comme excuse pour se livrer à un peu de philosopher à l'ancienne et un certain pouvoir de style `` Survivor '' joue comme des alliances temporaires se forment et s'effondrent et les gens se révèlent ne pas être ce qu'ils semblent. Nous disons comme la meilleure science-fiction, car même à son meilleur, “; Cube ”; n'y arrive jamais réellement; il ne fait pas non plus ce saut dans le vraiment étrange et / ou tordu, comme '2001', ou même “; Primer, ”; ou “; Pi, ”; mais cela ne nous donne pas non plus de réponses réelles, et donc il se situe plutôt entre tous les tabourets disponibles, avec une action et une caractérisation plutôt nettes, ce qui ne le fait pas être une pièce d'ensemble de style “; Sunshine ” ;. Mais bien sûr, ce sont surtout des comparaisons avec des films qui avaient beaucoup, plusieurs fois le budget du Cube, donc c'est peut-être grossier à nitpick. Si rien d'autre, nous devons le remercier d'avoir annoncé l'arrivée d'un nouveau réalisateur d'horreur / science-fiction très prometteur dans Vincenzo Natali, qui nous a depuis apporté des éléments comme “;Cypher”; et “;Épissure”; (que nous aimions beaucoup), et est actuellement attaché à ce science-fiction Holy Graal - une adaptation de William Gibson “; Neuromancer. ”; [B]

«Cabine téléphonique» (2002)
Un témoignage de la survie du concept haut à Hollywood, scénariste Larry CohenLe pitch de ce film a persisté pendant un peu plus de 40 ans, ayant été développé par nul autre qu'Alfred Hitchcock. Le film a fini par être développé sous l'œil vigilant d'un cinéaste considérablement moins talentueux, un Joel Schumacher, mieux connu pour avoir définitivement mis fin à la franchise Batman dans les années 90. Le résultat final est à peu près ce à quoi vous vous attendez, bien que Schumacher se débat avec une performance de plomb convaincante d'un Colin Farrell alors non testé (il avait auparavant travaillé avec Schumacher dans ce qui équivalait au meilleur film du réalisateur des années 2000, 2000). s Drame du camp d'entraînement du Vietnam “; Tigerland ”;). En tant que publiciste de douchebag singulièrement malheureux, Stu Shephard, Farrell transpire, crie et se déchire dans le compartiment en verre, il est enfermé en permanence sous l'œil vigilant d'un tireur d'élite sans nom (Kiefer Sutherland, qui passe presque tout le film à informer Stu de sa disparition imminente à travers voix off et, sans surprise, cloue). Entre les deux hommes se dresse le fidèle archétype d'officier de police noir à flèche droite, le capitaine Ramsey (Forest Whitaker, toujours fiable et apportant un certain degré de vénération à un personnage boursier fatigué). Pour gâcher les tourments subis par Stu et s’il sort jamais vivant de la cabine téléphonique, cela nuirait aux virages dramatiques de Schumacher - lorsque tout votre film est un coup de théâtre, il n'y a que tellement de gaz que vous pouvez brûler avant que les choses ne ralentissent en mélasse. Heureusement, “; Cabine téléphonique ”; maintient la tension sur le haut et le haut et se transforme en un thriller passe-partout utilisable, parfois excitant et toujours observable avec un gadget unique qui, pour la plupart, s'use moins rapidement que vous ne le pensez. [B]

“; Liban ”; (2009)
Le très récent “;Liban”; fait cette liste non seulement parce que littéralement toute l'action est vue du point de vue d'un tank, mais aussi parce que cet emplacement unique est utilisé pour un effet surprenant. La reconstruction par Samuel Maoz de ses propres expériences en tant que mitrailleur israélien pendant la guerre de 1982 entre Israël et le Liban a lieu (à l'exception des deux premiers et derniers plans du film) entièrement à l'intérieur d'un char israélien soutenu par une équipe de parachutistes qui se déplacent en territoire ennemi le premier jour de bataille. Le remplaçant de Maoz, le tireur Shmulik (Yoav Donat) reste enfermé dans cet engin pendant la durée du film, avec son équipe, dirigée par un commandant qui se débat avec les personnalités conflictuelles de ses hommes. Vous connaissez sans doute l'expression selon laquelle lorsque vous placez plusieurs personnes dans une pièce pendant une longue période, les coutures se détacheront inévitablement et elles se feront sentir. Au “; Liban, ”; le tank n'est quasiment même pas une pièce et les hommes vivront ou mourront d'ici la fin de la journée - et sinon aujourd'hui, demain. Le char protège, mais c'est aussi un piège, sans issue, sans issue de secours. Si le réservoir brûle, la chair aussi. “; Liban ”; est un film à la hauteur du mur et doit être vu, expérimenté, sinon nécessairement apprécié. [B +]

'Panic Room ”; (2002)
Pour son suivi de l’échec critique et commercial à l’origine & Fight Club ”; (nous savons tous comment cela s'est avéré), David Fincher a décidé de donner au thriller moderne une injection de rétention anale que seuls quelques visionnaires de cette entreprise peuvent distribuer. Avec “; Panic Room ” ;, Fincher décrit minutieusement la conception d'une maison de ville massive sur le point d'être assiégée par trois hommes de tempéraments très différents - le junior à tête chaude (Jared Leto), le chauffeur de bus désarticulé Raoul (Dwight Yoakam) et le complaisant , bien que le cracker consciencieux et sûr Burnham (Forest Whitaker, qui entre cela et " Phone Booth ”; a dominé le marché 2002 sur les personnages de soutien noirs faisant autorité dans les espaces clos). La tension dans cet exemple de lieu unique vient de Meg (Jodie Foster) et Sarah Foster (Kristen Stewart, se mordant la lèvre avec les meilleurs d'entre eux dans un exemple précoce de l'action apathique qui la porterait à travers le ‘crépuscule«Série), une mère et sa fille dont le seul malheur est d’emménager le mauvais jour. Heureusement, la maison a une nouvelle salle de panique, impénétrable et remplie de nourriture et de caméras surveillant la maison. Le problème est le coffre-fort que les voleurs cherchent à casser est dans la pièce et ils ont l'intention de pénétrer, à moins d'exploser la maison. Comme dirigé par Fincher et (principalement) tourné par Conrad W. Hall (le fils du défunt grand Conrad L. Hall), “; Panic Room ”; est trouble, méthodique et magnifique, mais rien de plus en dehors d'un thriller tranchant comme un rasoir avec un concept alléchant. Un autre film qui témoigne de la technique virtuose de micro-gestion de Fincher, “; Panic Room ”; est une petite alouette méchante du cinéaste, mais un peu plus. Pourtant, entre les mains de Fincher, cela place la tête et les épaules du film au-dessus de la concurrence. [B-]

'Mon dîner avec André' (1981)
Mis à part le fait que les expériences et les défis personnels de Hitchcock (dont beaucoup sont énumérés ici), le festival de discussion de Louis Malle au début des années quatre-vingt peut être l'apogée des arrangements uniques. Essentiellement, une conversation de 110 minutes, 'Mon dîner avec André', est exactement cela, un dîner prolongé entre deux amis tourné en temps réel pour discuter de la nature de la vie, du théâtre et plus encore. Les sujets sont l'acteur particulier Wallace Shawn et son ami et directeur de théâtre expérimental, Andre Gregory. Gregory est un rêveur curieux tandis que Shawn est un New Yorkais typique plus cynique, et bien qu'il y ait peu de friction dans leur discours, leurs différences subtiles créent une dichotomie absorbante. Bien que cela ressemble également à un vrai cinéma qui a mal tourné - et cela va fondamentalement à l'encontre de toutes les règles de cinéma et de scénario 101 de tous les temps - le dîner avec Andre est absolument engageant, observable et captivant. La dégustation Collection de critères Je ne l'ai pas présenté comme un artefact, ils veulent aussi en tirer de l'argent, vous savez et ils se rendent compte que c'est un film toujours irrésistible (et des trucs beaucoup plus secs existent dans leurs marchandises - voir le clunker à réglage unique 'Secret Honor' par Robert Altman). Pendant leur souper, Wallace et Gregory abordent philosophiquement des sujets comme la nature de la vie, l'existence et le théâtre, mais toujours avec une curiosité ouverte et invitante; il n'y a pas de réponses pédantes ou de postulats - c'est le colloque à son meilleur. 100 minutes plus tard, lorsque la rupture du pain est terminée et que le vin est bu, les amis se séparent et le public est laissé à digérer les sujets réfléchis discutés. Un briseur de convention dans tous les sens qui défie presque tous les tropes de la production de films et de contes - ce n'est pas un documentaire dans tous les sens et fortement scénarisé basé sur des conversations réelles entre les deux pistes - 'Mon dîner avec Andre' est cette règle rare et agréable -breaker que chaque cinéphile devrait voir au moins une fois. [B +]

«Fenêtre arrière» (1954)
Un autre film à décor unique, un autre chef-d'œuvre d'Alfred Hitchcock. Cette fois, le cadre est un complexe d'appartements de Greenwich Village où une vague de chaleur estivale à New York a obligé les habitants à garder leurs fenêtres ouvertes. Insatisfait de restreindre simplement le cadre de son film, Hitchcock se présente un autre défi en restreignant le point de vue du film à celui d'un seul personnage: Jeff Jeffries (joué par un Jimmy Stewart parfaitement casté), un photographe avec une jambe cassée coincé dans un fauteuil roulant. Enfermé dans son appartement, Jeffries, qui reçoit occasionnellement la visite de son infirmière (Thelma Ritter) et de sa petite amie (une délicieuse Grace Kelly), tourne son attention vers les différents voisins de l'autre côté de la cour qu'il voit à travers la fenêtre de son salon. La femme solitaire sans mari. L'artiste non conventionnel. Les jeunes mariés amoureux. Le musicien célibataire qui boit. Le couple sans enfant qui aime son chien. Une danseuse de ballet bien roulée. Et bien sûr le couple qui se bat toujours. Un jour, la femme de ce couple acrimonieux disparaît. Jeffries, regardant dans l'appartement du couple depuis les confins de son propre salon, voit des preuves de plus en plus nombreuses de ce qu'il pense être le meurtre de sa femme aux mains de son mari (Raymond Burr). Le cadre du complexe d'appartements devient rapidement Jeffries ’; monde comme il obsède à trouver plus d'indices. Dans le même temps, nous, le public, nous perdons dans la narration économique d'Hitchcock, où aucun détail n'est perdu. En regardant par-dessus Jeffries ’; les épaules à travers les longs plans d'Hitchcock du complexe d'appartements, nous recherchons des indices dans l'espoir de comprendre le mystère. Et avant de le savoir, Jeffries ’; le salon est devenu le nôtre. [UNE]

«Bande» (2001)
C'est un grand acteur de théâtre, mais à l'écran, Ethan Hawke peut être un peu fade. À moins qu'il ne travaille avec Richard Linklater, pour qui Hawke donne constamment ses meilleures performances d'écran. Et peu valent mieux que celui qu’il donne dans «Tape», l’adaptation de Linklater Stephen Belber jouer. Entièrement en temps réel, sans jamais quitter la chambre de motel légèrement sordide dans laquelle il se trouve, Hawke incarne Vince, un trafiquant de drogue d'une petite ville, pour forcer son plus vieil ami Jon (Robert Sean Leonard, un autre vétéran du théâtre rarement utilisé à l'écran ) pour avouer avoir violé l'ex-petite amie de Vince, Amy (Uma Thurman) quand ils étaient plus jeunes. Les rebondissements correspondent rarement à vos attentes des personnages, et, pour la plupart, le travail de caméra de Linklater, bien que pas exactement le plus joli, est engageant, et pour la plupart empêche le film de se sentir trop lié à la scène. Mais vraiment, comme c'est souvent le cas pour un tournage au même endroit, c'est la vitrine d'un acteur, et les trois stars ont rarement été meilleures. Une sorte d'expérience mineure dans le canon du réalisateur, mais néanmoins sous-estimée. [B +]

«Dissuasion» (2000)
Il y a une longue tradition du thriller nucléaire claustrophobe à bouton-poussoir, de Sidney Lumet 'Fail Safe'Aux plus récents' Crimson Tide 'et' Thirteen Days ', mais aucun n'a jamais été aussi claustrophobe, du moins dans son emplacement, comme Rod Lurie«Dissuasion». Le premier film de Lurie, ancien critique de cinéma, se déroule en 2008 et voit un président sur la piste électorale (Kevin Pollak) pris au piège dans un restaurant au Colorado par une tempête de neige, alors qu'il était au milieu d'un combat nucléaire avec un Irak dirigé par Uday Hussein, qui a envahi le Koweït. Bien qu'il s'agisse d'un premier film, Lurie maintient la tension, et bien que l'ancien stand-up Pollak ne soit pas le président le plus évident de l'histoire du cinéma, il est étonnamment bon et correspond au personnage - un VP juif élevé de manière inattendue au grand siège par la mort antérieure du commandant en chef. Mais malheureusement, le film est principalement un raté, principalement en raison d'un casting de soutien peu convaincant, notamment Sean Astin, encouragé par une barbiche ridicule, en tant que raciste d'une petite ville, et un complot de plus en plus stupide. Les choses atteignent enfin un pic avec la fin, ce qui n'est pas seulement moralement très discutable (et pas vraiment de manière délibérée), mais aussi une triche narrative complète. Ce n'est pas inintéressant, mais il vaut mieux s'en tenir à «Fail Safe». [C-]

«Dial M for Murder» (1954)
D'accord, donc nous trichons légèrement ici car le film a quelques séquences à l'extérieur de la maison de Margot (une lumineuse comme d'habitude Grace Kelly) et Tony (Ray Milland), mais nous l'oublierons comme “; Dial M pour Meurtre ”; est un autre passionnant “; assassiner parfait ”; câpre de Hitchcock. Vous voyez, Tony a découvert que Margot avait eu une liaison avec l'écrivain de fiction policière Mark (Robert Cummings) et grondait de ressentiment et de jalousie, il prévoyait de la tuer. Il met en scène une intrigue élaborée qui comprend le chantage à Swann (Anthony Dawson), un ancien ancien de Cambridge, pour faire l'acte: Swann attendra derrière les rideaux un soir quand Margot sera à la maison et Tony appellera la maison. Quand elle va chercher le téléphone, Swann va émerger et la tuer. Comme d'habitude, la mise en place semble impénétrable mais une série de malchance et de faux pas font bien sûr déraper le plan. Hitchcock réussit encore une fois une petite merveille, prenant un conte qui sur le papier concerne les appels retardés et les clés mal placées, et le transformant en une morsure d'ongle vérifiable. Curieusement, il parvient également à amener le public à sympathiser (quelque peu) avec Tony; au fur et à mesure que le plan se déroule, vous ne pouvez pas vous empêcher de ressentir une teinte de pitié pour le gars. Le film est également remarquable pour être non seulement la deuxième incursion de Hitchock dans la couleur mais aussi la 3D. Il n'est pas surprenant que l'utilisation de la 3D ici soit distrayante (mais franchement, pas pire que le même genre de bouffonneries en face qui se produisent encore aujourd'hui), mais l'utilisation par le réalisateur de la couleur (regardez Kelly ’ ; la couleur de la robe change quand elle est avec Tony et Mark) est soigneusement pensée. Légèrement décalé et sur-expliqué au début (il est basé sur une pièce après tout), le film prend vraiment forme une fois l'intrigue mise en mouvement et, comme d'habitude, le pur plaisir vous sort de son cadre confiné. [B]

'1408' (2007)
“; Je vous ai prévenu à propos de 1408, ”; L'énigmatique directeur de Samuel L.Jackson, Dolphin Hotel, M. Olin, s'emballe en direction de Mike Enslin (John Cusack), pris au piège dans la chambre d'hôtel supposément troublée dans cette incarnation cinématographique de Stephen King’; histoire courte du même nom. Le concept est délicieusement simple - Enslin, un auteur à succès qui gagne sa vie dans des endroits supposément hantés, prend la tristement célèbre chambre 1408 du Dolphin Hotel pour sa prochaine mission. Ignorant l'imploration de M. Olin, Enslin s'installe en 1408 et se rend rapidement compte qu'il est bien au-dessus de sa tête - probablement à peu près au moment où le placement incroyablement effrayant de 'Nous venons de commencer' par The Carpenters brise le silence de l'amplement- espace de vie de taille. Le réalisateur Mikael Håfström utilise les effets spéciaux avec parcimonie mais avec beaucoup d'efficacité, établissant la métamorphose imprévisible de la pièce qui comprend une scène absolument fantastique de réalité littérale se brisant vers la fin du film. Cusack est principalement seul en tant que Enslin et il offre une performance étonnamment mesurée qui s'appuie fructueusement sur son humanité endommagée. Enslin est à bien des égards un excellent candidat pour 1408, avec sa propre part de bagages émotionnels, les esprits possédant la pièce peuvent se débloquer et se presser pour un maximum de dommages psychologiques. Bien qu'il ne soit pas particulièrement mémorable, «1408 ”; est habilement dirigé et un plaisir à prendre et à trembler et à secouer à des moments appropriés. [B +]

«Après-midi de la fête des chiens» (1975)
Il n'y a pas grand-chose à dire de plus sur le formidable film de braquage de Sidney Lumet, “; Dog Day Afternoon, ”; mais quel autre coup de génie pour créer de la tension en créant l'image comme un cambriolage bâclé où les voleurs sont piégés à l'intérieur par une chaude après-midi à New York (OK, c'est basé sur une histoire vraie, mais quand même). Le film tire la majeure partie de son kilométrage de ses deux rôles principaux, le maniaque et les membres lâches Al Pacino jouant le double perdant Sonny à son meilleur et le Sal effrayé et sombre (un John Cazale merveilleusement muet). Le travail est censé être votre travail de banque moyen à Brooklyn, mais en raison d'une comédie d'erreurs, tout se passe mal, la police arrive et les criminels incompétents pénètrent au-dessus de leurs têtes sont obligés de prendre des otages et de pénétrer à l'intérieur en espérant que le maire répondra à leurs demandes. La volatilité s'intensifie à mesure que la situation s'étire tandis que les flics (un excellent Charles Durning) tentent de négocier avec le voleur de banque mercurial et en sueur, clairement à la limite. Plus tard (spoiler au cas où vous ne l'auriez pas vu, et pourquoi diable ne l'avez-vous pas?), Nous apprenons pourquoi Sonny est si nerveux; son amant (Chris Sarandon) essaie de le dissuader du vol et nous découvrons que les machinations derrière le crime sont motivées par le désir de Sonny de lui faire subir une opération de changement de sexe. C'est une touche fascinante à une morsure d'ongle classique et granuleuse. [UNE]

Mentions honorables: Les personnes aux yeux d'aigle ont peut-être remarqué quelques lacunes ici, impliquant principalement des films entièrement tournés dans des trains. Mais avec 'Unstoppable' sur le chemin, nous allons les enregistrer pour une fonctionnalité liée au rail la semaine prochaine, alors soyez patient. Sinon, il y a quelques films qui méritent d'être mentionnés, même s'ils partent un peu trop de leur emplacement unique pour être inclus ici. «Le locataire» de Polanski est une œuvre mineure du réalisateur, mais pas sans intérêt, et est déçu par la performance centrale - dans ce cas, Polanski lui-même. L'étonnante «arche russe» en une seule prise est un exploit extraordinaire du cinéma, même si elle ressemble parfois plus à une installation artistique qu'à un film réel. Et «Dogville» et «Manderlay» de Lars Von Trier sont tous deux excellents, bien que le lieu unique soit une vanité brechtienne, plutôt qu'une véritable entrée dans le genre.

Sinon, la 'Lune' de science-fiction de Duncan Jones se déroule principalement dans les limites d'une station spatiale, bien qu'elle fasse occasionnellement des excursions sur la surface lunaire. De même, 'Sunshine' et 'Das Boot' sont entièrement situés dans des vaisseaux spatiaux / sous-marins, mais les emplacements sont suffisamment grands pour ne pas être qualifiés, et les 'Clerks' de Kevin Smith s'étendent sur deux emplacements différents, et la rue les relie. . Cette année a vu deux autres thrillers qui ne s'éloignaient pas d'un seul endroit. L'un, 'The Disappearance Of Alice Creed', était agréablement sinueux, méchant et bien joué, l'autre, le 'Devil' produit par M. Night Shyamalan n'était ... pas. Enfin, personne n'avait vu 'Arsenic and Old Lace' de Frank Capra assez récemment pour l'écrire, et, bien que ce soit stupide d'une manière qui, disons 'Corde' ne l'est pas, ça vaut quand même la peine de vérifier, si nos souvenirs fanés de ils sont précis.

lanterne mieux appeler saul

- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez



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