Les films de David O. Russell, classés du pire au meilleur

La carrière de réalisateur de David O. Russell est aussi peu conventionnelle et excentrique que les personnages de ses films. En dépit de ses scandales de flare et de tabloïd sur des conflits de tournage, le récent succès du réalisateur autodidacte parle de lui-même. Sa carrière se divise en deux parties, les comédies sombres excentriques axées sur le créneau de ses premières années et les films largement populaires et copieusement nominés aux Oscars ces dernières années.



En plus des personnages qui vont aux extrêmes, son style distinct imprime aux films une marque unique de chaos. Il s'allume généralement à 360 degrés et utilise un Steadicam avec un petit appareil, en s'appuyant sur la mobilité de l'appareil photo pendant de longues prises. Il crée un rythme reconnaissable grâce à la vivacité des visuels et du contenu narratif. Inspiré par Frank Capra et sa capacité à capturer l'essence de la communauté, Russell navigue la relation entre le caractère et l'environnement. Il utilise son sens aigu de la profondeur et les mouvements de caméra stratégiquement chorégraphiés pour refléter les rythmes spontanés et intenses de la vie.

Laissant de côté le film abandonné, «Accidental Love», ci-dessous est un classement des meilleurs films du réalisateur, du pire au meilleur.



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7. «I Heart Huckabees» (2004)

Même le casting de stars est incapable de sauver complètement la comédie existentielle de Russell, 'I Heart Huckabees'. Bernard Jaffe (Dustin Hoffman) et sa femme, Vivian (Lily Tomlin), dirigent l'ensemble en tant que détectives qui enquêtent sur des cas de crises philosophiques. Un environnementaliste, Albert (Jason Schwartzman), se lie d'amitié avec un pompier macho (Mark Wahlberg) et se bat avec le jeune cadre aisé Brad Stand (Jude Law), qui lutte contre une relation vide avec sa petite amie, Dawn (Naomi Watts). La philosophe nihiliste française et ennemie jurée de la Jaffe, Caterine Vauban (Isabelle Huppert), est l'antagoniste du film et impose ses contre-philosophies. De la quantité des personnages au contenu du dialogue, chaque aspect du film est intimidant, ce qui nécessite inévitablement de multiples visionnements.

Les conflits du film sont enracinés dans le discours intellectuel, se concentrant sur le sens de la vie. Il renverse des théories freudiennes complexes, alors que les concepts d'interconnectivité universelle se heurtent à ceux d'une existence dénuée de sens. Malgré quelques moments d'humour, le film finit par trébucher sur ses deux pieds alors que les sauts et les flashbacks ne font que rendre ce qui est déjà compliqué plus difficile à suivre. S'éloignant de sa norme, Russell s'appuie sur des effets informatisés, tels que les écrans divisés et les séquences fantaisie pixélisées. Il essaie d'emprunter une page du livre de Woody Allen, mais il mord finalement plus qu'il ne peut mâcher avec la comédie dialectique qui sature la philosophie et dilue l'émotion.

6. «Fessée du singe» (1994)

Le premier film de Russell, «Spanking the Monkey», a été présenté en première au Sundance Film Festival, où il a remporté le prix du public. Pour un réalisateur novice, il est assez ambitieux, abordant un sujet aussi controversé que le titre du film, un terme d'argot pour la masturbation. L'intrigue suit Ray Aibelli (Jeremy Davies), un étudiant avec un brillant avenir dans le domaine médical. Son père l'oblige à renoncer à son prestigieux stage d'été pour rester à la maison et soigner sa mère et sa jambe cassée. Le mode de vie banlieue banal prend une tournure sadique pour explorer le complexe d'Œdipe. Au cours de l'été, Ray développe des aspirations incestueuses, alors qu'il devient littéralement la béquille physique et émotionnelle de sa mère.

Le film n'est pas aussi inconfortable qu'il n'y paraît sur le papier, car l'humour éclipse la tension sexuelle effrayante. Russell a un sixième sens pour le timing comique, sachant exactement quand couper ou insérer une blague. Étant donné que c'est sa première fonctionnalité, les mouvements de la caméra sont un travail en cours. La nervosité est difficile à regarder, mais elle reste cohérente avec la nature erratique du film, ce qui perturbe davantage le confort du spectateur. Russell rend un sujet interdit accessible par le biais de la comédie dans un début louable à une carrière exceptionnelle.

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5. «Flirter avec la catastrophe» (1996)

Ben Stiller est le New Yorker névrosé Mel Coplin dans la comédie décalée «Flirting with Disaster». Mel et son épouse Nancy (Patricia Arquette) sont incapables de nommer leur nouveau-né. S'appuyant sur le nouveau-né anonyme, Russell construit un film soigneusement emballé sur l'identité. Le traumatisme associé à Mel résultant de l'adoption de surfaces et il frappe un barrage routier métaphorique, incapable d'avancer jusqu'à ce qu'il sache d'où il vient. Avec l'aide du professionnel chic de l'agence d'adoption, Tina Kalb (Tea Leoni), la famille part pour un voyage à la Odyssée pour retrouver les racines de Mel.

La cinématographie aiguë d'Eric Edward est parfaitement adaptée à l'esprit vif et à la livraison du film. Le style comique de Russell n'est pas rapide ni rythmique comme ses films récents mais plutôt prolongé et patient. L'intégralité du film est parallèle à des séquences individuelles, se gonflant comme un ballon jusqu'à ce qu'il éclate dans des moments climatiques de ridicule. À chaque nouvel emplacement, il ajoute des personnages plus idiosyncratiques, tels que les détectives joués par Josh Brolin et Richard Jenkins. Chacun traite de questions suffisamment importantes et pertinentes pour servir de prémisse à un film entièrement différent.

Reflétant le voyage acide accidentel de Jenkins, le film lui-même est en quelque sorte une révélation induite par la drogue. Par la tentation sexuelle et les moments adultères, les nouveaux mariés flirtent avec le désastre. Cependant, Mel apprend que l'expérience, et non le droit d'aînesse, façonne l'identité et que ses actions, et non sa génétique, définissent sa capacité à être un mari fidèle et un bon père.

4. «Silver Linings Playbook» (2012)

'Silver Linings Playbook' n'est pas une représentation authentique de la maladie mentale, mais c'est une comédie romantique unique en son genre qui cesse de divertir. Pat Jr. (Bradley Cooper) est un ancien instituteur et un fan maniaco-dépressif des Eagles de Philadelphie. Russell le présente le jour où il quitte son stage de huit mois dans un hôpital psychiatrique. Après sa violente réaction à devenir un cocu, le film tourne autour de la récupération. Pat rentre chez lui et cogne la tête avec son père, Pat Sr. (De Niro), dont la dépendance au jeu est motivée par des comportements obsessionnels compulsifs et une liste de superstitions. Malgré tout ce qui a mal tourné, Pat est un optimiste délirant, affirmant: «Si vous restez positif, vous avez une chance sur une doublure en argent.»

Gagnant un Oscar de la meilleure actrice, Jennifer Lawrence vole la vedette en tant que Tiffany. Combattant la mort de son défunt mari et une dépendance sexuelle subséquente, elle convainc Pat d'être son partenaire dans un concours de danse. La danse devient un agent d'expression émotionnelle. Les miroirs du studio de danse permettent au couple de se refléter littéralement, alors qu'ils chorégraphient un numéro gagnant de parlay qui est une projection de leurs sautes d'humeur à motifs météorologiques.

Dans des scènes comme celle à l'extérieur du cinéma, Russell utilise la profondeur pour englober visuellement l'état psychologique des personnages. L'écart entre la foule à l'arrière-plan profond et le visage paniqué de Cooper au premier plan rapproché crée une sensation vertigineuse alors que le monde tourne autour de lui. En fin de compte, Russell met en évidence le lien incassable de la famille alors que Pat Sr. convainc son fils de «lire les signes», ce qui indique que Tiffany est la bonne fille pour lui. Le film est finalement aussi bipolaire que Pat, rebondissant entre des moments d'émotion intense et de comédie hilarante.

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3. «Le combattant» (2010)

Avec sept nominations aux Oscars, 'The Fighter' est le tournant de la carrière de Russell. Il met en vedette Mark Wahlberg en tant que Micky Ward «irlandais» et suit sa transition d'un boxeur «tremplin» à un champion du monde poids welter. 'The Pride of Lowell, Massachusetts', son demi-frère Dicky Eklund (Christian Bale), est une légende de la boxe qui se transforme en crack-addict. La carrière de Micky est en danger lorsque sa loyauté familiale envers Stubburn permet à son frère peu fiable d'agir comme son entraîneur et sa mère futile pour gérer sa carrière.

Dans la séquence d'ouverture de la rue, Russell joue avec un point de vue ouvert, déplaçant les perspectives entre subjectif et objectif sans avoir à couper. La caméra s'éloigne des boxeurs à un rythme rapide, se déplaçant dans la rue pour créer un effet télescopique. Il y a plus que ce que l'on voit, car le film s'appuie sur ses fausses apparences pour explorer des thèmes sous-jacents. Le plan est l'une des nombreuses illusions, révélant que le conflit des boxeurs est enraciné dans la culture des cols bleus du lieu du film. La municipalité de Lowell, autrefois berceau de la révolution industrielle, est aussi délabrée que Dicky.

Alors que des coups de poing sont lancés et des coups de poing sont pris, Russell met l'accent sur la dynamique familiale complexe comme la bataille la plus importante que Micky combat. Insérant habilement un film dans un film, une équipe de HBO Documentary suit les frères, filmant ce que Dicky pense être son «retour», mais en réalité, c'est un exposé de sa toxicomanie. Le documentaire trompeur fait écho à l'approche visuelle, alors que Russell démasque le biopic sportif pour révéler un drame graveleux. Le Steadicam dégage un sentiment de familiarité en se déplaçant à gauche et à droite dans les rues. Les visuels banals, tels que le look télévisé des matchs de boxe, et la saveur industrielle construisent l'esthétique quotidienne.

2. «Trois rois» (1999)

'Three Kings' est l'expérience de Russell dans le genre action. L'histoire se déroule à la fin de la guerre du Golfe de 1991 et suit le Sgt. Troy Barlow (Mark Wahlberg), chef Elgin (Ice Cube) et le Sgt. Le major Archie Gates (George Clooney). Ils agissent plus comme des pirates avec une carte au trésor que des soldats, se lançant dans une mission pour trouver et voler le trésor enterré que Saddam Hussein a pillé du Koweït. Le script suralimenté de Russell utilise l'ironie pour renverser les éléments stéréotypés des films de guerre hollywoodiens. Le film est sans aucun doute anti-guerre, et il critique les institutions derrière la violence tout en maintenant un niveau d'appréciation pour les soldats qui risquent leur vie.

En plus du ton accusateur, le réalisateur prend des risques dans le processus de tournage. Il s'appuie sur l'esthétique pour transmettre ses réflexions sur la violence. Les mouvements de la caméra nerveux sont rapides et désorientants, emmenant le public dans un voyage simulé à travers le champ de bataille. La vitesse de la caméra trouve sa place dans la partition lourde des percussions. Il tourne le film sur du papier Ektachrome inversé pour lui donner la qualité soufflée, granuleuse et blanchie. Le stock produit également des couleurs intenses et saturées qui imitent la nature explosive du film. Les moments sporadiques d'authenticité graphique de Russell et l'utilisation de visuels juxtaposés révèlent les paradoxes de la guerre moderne et satirisent la politique américaine.

1. «American Hustle» (2013)

Ironiquement, utilisant des escrocs pour discuter de l'identité, 'American Hustle' se dresse au sommet du podium comme la plus grande réalisation cinématographique de David O. Russell. Le film est vaguement basé sur l'opération de piqûre Abscam des années 1970. Le fameux escroc, Irving Rosenfeld (Christian Bale), aide le FBI à encadrer les membres du congrès pour l'obtention de pots-de-vin. Bien qu'il ait plus de confiance que les cheveux, Irving gagne le cœur de son futur partenaire dans le crime, Sydney Prosser (Amy Adams), également connue sous le nom de Lady Edith, lorsqu'ils se lient d'une adoration mutuelle pour les `` Jeep's Blues '' de Duke Ellington. pour se faire un nom, Richie Dimaso (Cooper) profite d'une carte gratuite de sortie de prison pour enchaîner les escrocs dans le stratagème du Bureau.

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Les mouvements dramatiques de la caméra et les zooms des parties du corps de Russell imitent le va-et-vient des conflits narratifs. Avec des intrigues comme l'implication de la foule, le film semble distant et insaisissable, mais il est aussi étrangement familier et relatable, car Russell met l'accent sur la dynamique des relations à travers la touche d'ordures dans l'odeur parfumée du vernis à ongles de Rosalyn (Jennifer Lawrence). Rappelant les «Goodfellas» de Scorsese, Russell utilise deux voix off et des points de vue des deux sexes pour guider l'intrigue. Le divertissement est toujours présent avec des visuels rythmiques qui correspondent au tempo optimiste de la bande originale inoubliable.

En utilisant le rêve américain comme toile de fond, Russell dépeint chaque personnage comme plus ambitieux que le suivant. Il met finalement en évidence la construction de l'identité et sa nature implosive. La portée est grande et elle semble désordonnée, mais l'esthétique chaotique transforme ce qui est traditionnellement conçu comme des défauts en piliers de la brillance du film. L'intrigue met en scène la politique, les affaires, l'art et la romance, demandant qui sont les vrais escrocs et si oui ou non nous nous trompons tous.

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