Les films de Hal Hartley: une rétrospective

Imaginez si Woody Allen, Whit Stillman, Kevin Smith et le Institut Sundance eu un enfant d'amour. Cette créature disgracieuse, parlant avec des phrases pleines d'esprit, intensifiées et contre nature, et déambulant, parfois en se balançant entre la comédie, la tragédie et la prétention, pourrait très bien continuer à faire des films qui ressemblent beaucoup à ceux de Hal Hartley.



Hartley est l'homme derrière des films indépendants des années 90 aussi appréciés (du moins par certains) que “;L'incroyable vérité”; et “;Confiance. ”; Mais pour le mettre dans un contexte approprié, nous nous trouvons à chercher des parallèles: il n'a tout simplement jamais fait une brèche dans les sensibilités grand public pour pouvoir décrire son travail à un néophyte sans référence à d'autres cinéastes plus ouvertement réussis. Ou des musiciens, peut-être - si nous jouons le jeu des équivalents avec l'explosion de rock alternatif des années 90, nous obtenons Quentin Tarantino comme Nirvana, Jim Jarmusch comme la vive jeunesse et Kevin Smith comme, peut-être, Écraser des citrouilles (vénéré très tôt, mais est devenu une blague), et donc peut-être Hal Hartley était Les éleveurs: prometteur, mais jamais vraiment en feu comme les autres, et parfois coupable de s'additionner à moins que la somme de ses parties. Ou attendez, non, il Hüsker Dü, un groupe de rock universitaire adoré par quelques-uns qui a ouvert la voie à la scène du rock alternatif des années 90, pour être balayé par ceux qui ont atteint un plus grand succès en rendant leur son un peu plus doux, en étant juste un peu plus sexy.

Mais si Hartley est un peu inconnu du grand public du cinéma (et même de nombreux critiques), il est à peu près aussi fidèle que possible une représentation du cinéaste indépendant. Ses débuts ont été réalisés pour seulement 75 000 $ et Kevin Smith, cité ci-dessus, a cité Hartley comme une “; influence majeure ”; sur son écriture comique avant même de commencer à faire des films. De façon amusante, un Hartley consterné a par la suite désavoué Smith et ses films, mais sont similitudes. Le style au-delà de l'impasse de Hartley présente des personnages qui parlent d'une manière autoréflexive et consciemment philosophique et souvent son arc, des examens ludiques des relations, des désirs et (des échecs) de la communication se déroulent comme des pièces de théâtre filmées. Et oui, ses films peuvent être décrits comme décalés et décalés, virant souvent dans des territoires intentionnellement prétentieux. Mais les différences sont également révélatrices. Probablement au cœur à la fois du caractère distinctif de la voix de Hartley et de son manque systématique de succès en petits groupes, c'est que contrairement à Smith, par exemple, il ne semble pas trop intéressé par la culture pop: il peut expérimenter fréquemment le genre, mais ses univers filmiques sont son propre ton, ténor et esthétique; ils se réfèrent peu à l'extérieur d'eux-mêmes. Et il y a un rythme écrêté et vif à son travail, incarné par des acteurs aussi facettés que Buster Keaton et par une mise en scène souvent épurée jusqu'à la vacuité.



Aussi spécifique soit-il, Hartley n'est pas du tout retentissant pour tout le monde et son style n'a pas toujours bien vieilli, mais il est très original. Avec sa douzième fonctionnalité “;pendant ce temps”; frappé en sortie limitée aujourd'hui 29 février (curieusement approprié que ce soit un jour bissextile, pour un cinéaste aussi décalé), nous avons pensé que c'était une bonne occasion de parcourir ses films. Pour certains d'entre nous, cela signifiait un voyage dans le passé (oh, le collège!), Et pour d'autres, la chance de découvrir des films frais et sans nostalgie, mais pour nous tous, c'était une sorte d'explosion étrange et optimiste. Et voilà, les films de Hal Hartley. Qu'ils vivent longtemps, que l'indifférence dominante soit condamnée.



'L'incroyable vérité»(1989)
Venant de nulle part à Sundance 1990, les débuts de Hartley, 'La vérité incroyable,'Ne ressemblait à rien d'autre sur les écrans à l'époque. Il suit Audry (Adrienne Shelly) un récent diplômé du secondaire et futur mannequin, qui s'emballe avec un mystérieux ex-mécanicien (Robert John Burke), qui, au gré des rumeurs circulant en ville, est un meurtrier. Dans le contexte du reste de la carrière de Hartley, cela ressemble parfois à un essai ou à un croquis, principalement pour le suivi 'Confiance', Décrivant les premières expressions de thèmes qu'il détaillera plus tard. Et c'est vraiment un produit de la fin des années 1980, de la paranoïa nucléaire d'Audry après la guerre froide à la politique Reaganite de son père. Mais même s'il n'est peut-être pas aussi développé que les projets ultérieurs, il reste un délice, avec la première démonstration du dialogue complexe, rythmique, presque théâtral, plein d'esprit et d'invention, qui viendrait caractériser le style de Hartley. Mais alors que le dialogue de Hartley est ce pour quoi il est le plus connu, le film démontre qu'il avait un œil visuel vif dès le premier, avec une DoP régulière Michael Player tirant du beau travail sur un budget maigre. Il marque également la découverte de deux personnalités qui figureront largement dans les travaux ultérieurs de Hartley: Shelly (victime d'un meurtre tragique en 2006, alors qu'elle terminait ses débuts de réalisateur »Serveuse') Et Burke (qui a ensuite joué à la télévision dans'Rescue Me' et 'Les Sopranos, 'Ainsi que, euh,'Robocop 3'), Et les deux sont superbes - le premier donnant un portrait indélébile d'une fille à la dérive, ne voulant plus la vie vers laquelle elle se dirige, le second le cœur du film comme l'âme douce avec une violence indéniable en lui. Gardez également un œil sur les rôles de taille camée de Edie Falco et même 'Coupure de Meek'Directeur Kelly Reichardt. [B +]

'Confiance»(1990)
Les similitudes entre le deuxième film de Hal Hartley et ses débuts sont immédiatement évidentes: 'Confiance,' comme 'L'incroyable vérité,' étoiles Adrienne Shelly en tant que récente diplômée du secondaire, Maria, enceinte de façon inattendue, qui entretient une étrange relation avec un jeune homme maussade avec violence dans son passé - dans ce cas, Matthew, joué par Martin Donovan dans son rôle d'évasion. Mais alors que ce qui devenait rapidement les marques de Hartley est bien en évidence, le film est plus drôle, plus émouvant, plus habile techniquement et généralement plus complet que son prédécesseur. Shelly est à nouveau superbe et a une tonne de chimie avec Donovan, qui apparaît comme une sorte de génération X James Dean, se promenant avec une grenade à main vivante qu'il est constamment tenté de faire exploser. La paire se situe quelque part entre Bonnie et Clyde et Roméo et Juliette, avec leurs affreuses familles (y compris les excellents tours de Merritt Nelson comme la mère de Maria, qui défie Matthew à un concours de boisson, Edie Falco comme sa sœur divorcée, et John MacKay en tant que père du TOC de Matthew) travaillant dur pour les séparer. Le titre est tout à fait approprié: dans un monde où Maria voit une femme essayer d'arracher un bébé et est presque violée par un commis de magasin, elles sont unies, malgré leurs différences, par le fait qu'elles peuvent se faire absolument confiance. Hartley s'éloignerait de ce modèle après ce film, et c'est compréhensible: il est difficile de l'imaginer le faire plus correctement qu'il ne le fait ici. [UNE-]

“;Survivre au désir”; (1991)
Originaire d'une featurette télévisée (Hartley en premier) qui se déclenche en moins de 60 minutes, il est tentant de négliger “;Survivre au désir”; - essentiellement une série serrée de vignettes - en tant que premier projet mineur dans le travail de Hal Hartley. S'inspirer de Robert Bresson et Jean-Luc Godard et en utilisant un véritable sac à main de références littéraires et cinématographiques de Fyodor Dostoyevsky à 'West Side Story», Hartley cimentait ce qui allait devenir ses signatures filmiques, y compris son dialogue non naturaliste. “; Surviving Desire ”; suit un professeur littéraire en déroute (Donovan encore une fois, l'anti-héros fréquent des films de Hartley) alors qu'il tombe dans ce genre d'amour de surface obsessionnel, connu sous le nom de limerance, avec l'un de ses étudiants, le retiré et ambitieux Sofie (Mary B. Ward). Ce que leur relation manque dans la connexion physique, ils le compensent dans une plaisanterie qui est, naturellement pour Hartley, courte, nette et ratatat-esque avec ses plaisanteries. Les récits non séquentiels parsemés tout au long du film, tels que la danse chorégraphiée silencieuse qui exprime la joie de Jude pour sa romance naissante et l'apparition en direct par le groupe Les grands espaces La sérénade d'une fille qui rit dans la rue n'est que quelques-unes des façons dont Hartley joue avec la forme et soulève le ton sérieux du film. Employant beaucoup de mots de 10 $, mais aussi un sens de l'amusement sournois et élégant, “; Surviving Desire ”; est un examen passionné des grandes idées, y compris la foi, l'ambition et les dangers de la vie amoureuse surexaminée. [UNE-]

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“;Hommes simples”; (1992)
Le troisième long métrage de Hartley et à bien des égards sa percée internationale (il a été son premier à Cannes), “;Hommes simples”; contient également la séquence qui est peut-être la plus emblématique de sa carrière: l'infâme «Kool Thing'Numéro de danse (défini sur la vive jeunesse chanson) qui semble sortir de nulle part et investit le film avec un zeste godardien précoce qui est aussi vivifiant qu'il était peut-être inutile: le film donnait déjà des coups de pied! Deux frères, un petit capuchon de temps (Robert Burke), l'autre un étudiant naïf fraîchement sorti de l'université (Bill Sage), partez en voyage moto à travers la nature de Long Island à la recherche de leur père. Autrefois un excellent arrêt-court pour les Brooklyn Dodgers depuis longtemps relocalisés qui sont ensuite devenus anarchistes, au début du film, papa vient de s'échapper de prison. Les deux frères se retrouvent bloqués dans une communauté hors des sentiers battus près d'un restaurant / station-service au bord de la route et s'impliquent lentement avec les habitants: leurs querelles, leur vie amoureuse. En effet, un frère trouve l'amour, bien qu'ayant eu le cœur brisé lors d'un vol lors de la scène d'ouverture du film, il a juré de briser le cœur de la prochaine femme dont il tombe amoureux. En le revoyant vingt ans plus tard, on est frappé à la fois par la qualité artisanale du film et par son accessibilité; malgré sa célèbre pyrotechnie verbale po-mo et sa grammaire du film parfois désorientante, il reste un mélodrame étonnamment agréable et entêtant, plein de rires authentiques et la mélancolie d'une affection filiale rejetée. [UNE-]

“;Amateur”; (1994)
Hartley était Cannes pour la deuxième fois consécutive avec son quatrième film, 1994's “;Amateur, ”; cette fois avec une grosse star française en remorque. Isabelle Huppert joue une religieuse déchue qui a commencé à écrire des histoires pornographiques et à fumer trop de cigarettes dans un restaurant délabré, lors de promenades Martin Donovan comme un homme amnésique. Alors que les deux commencent à percer le secret de son identité, une mystérieuse femme d'origine roumaine (Hartley regular Elina Lowensohn) s'insinue dans leur cercle. Bien qu'elle puisse fournir la clé pour comprendre qui est cet homme mystérieux, elle refuse de l'abandonner, tenant une rancune amère pour ses actions dans son passé inoubliable, alors même que des personnages dangereux commencent à faire surface qui signifient un mal pour eux deux. “; Amateur ”; a une bande son tout simplement imbattable (Je l'ai, mon sanglant Valentine, Sonic Youth et Chaussée entre autres) et fut le premier des films de Hartley à intégrer une violence apparemment réaliste dans son style cérébral et absurde. Au fur et à mesure qu'il vieillit, il ressemble de plus en plus à une sorte de riff pervers sur les préoccupations de Antonioni«S “;Le passager”; filtré à travers les préoccupations particulières de Hartley. Ne clignez pas des yeux ou vous pourriez manquer les premières apparitions de Michael Imperioli (en tant que videur dans un débardeur Sonic Youth!) et Tim Blake Nelson. Si seulement Quentin Tarantino avait été heurté par une voiture ou s'était mis à ramer au lieu de se présenter sur la Croissette avec “;Pulp Fiction”; à ce même Cannes, nous pourrions parler de ce film comme l'une des images criminelles d'Amérique centrale de l'époque. [B +]

'Flirter»(1995)
Pour toutes les comparaisons relevées entre Hartley et Woody Allen au fil des ans, il y en a un crucial qui a été négligé: les deux cinéastes aiment jouer avec les conventions formelles. Et cela n'a jamais été aussi vrai pour Hartley qu'avec 'Flirter. »Extrait d'un court-métrage d'une demi-heure qui constitue le premier tiers du film, il commence par l'engagement-phobe Bill (Bill Sage) dont l'amant (Parker Posey, lors de sa première apparition pour le réalisateur) le presse de s’engager correctement, sinon elle partira pour Paris. Pour couvrir ses paris, il va trouver une autre femme qu'il a également vue, mais est plutôt confronté à son mari armé d'armes à feu. Une fois que cela se termine, nous voyons à nouveau la même histoire, tout d'abord avec Bill remplacé par Dwight (Dwight Ewell), un ex-pat à Berlin choisissant entre deux amants masculins, puis par Miho (la femme de Hartley Miho Nakaidoh), dont le réalisateur beau (Hartley, jouant lui-même et portant à un moment une boîte de film intitulée «Flirt») lui a donné le même ultimatum à Tokyo. Chaque court, individuellement, est un classique de Hartley (le premier étant le meilleur), et le projet est un exercice indéniablement fascinant, plus ou moins une curiosité incontournable pour tous les aspirants cinéastes ou scénaristes. Mais les trois regardés consécutivement sont une expérience assez éprouvante; Bien qu'il y ait de légères différences (y compris un moment mignon dans la section de Berlin où les travailleurs de la construction débattent de savoir si Hartley sera en mesure de retirer son expérience), cela devient assez fatigué dans son ensemble, votre patience s'épuise bien avant le segment réglé au Japon ( qui est probablement le moins impressionnant des trois, ce qui n'aide pas). Comme nous l'avons dit, les étudiants en cinéma ou les obsédés de Hartley vont manger, mais les nouveaux arrivants devraient commencer ailleurs. [C]

“;Henry Fool”; (1997)
Peut-être le film le plus ambitieux de Hartley, l'image marque également sans doute le tournant avant et après de sa carrière (il n'a plus jamais été aussi proche d'une acceptation généralisée). Le plus grand succès financier de tous ses films (1,3 million de dollars), distribué par Sony Pictures Classics et le gagnant du prix du scénario à Cannes, “;Henry Fool”; se concentre sur le caractère titulaire (Thomas Jay Ryan), un pou réprouvé qui s'installe en ville et encourage Simon Grim, un garbageman sans instruction et socialement incompétent (James Urbaniak) de s'exprimer par écrit et de s'ouvrir à un monde de littérature. Ce qui se déverse est un poème épique incendiaire surnommé pornographique et socialement destructeur qui monte en notoriété jusqu'à ce qu'il devienne un tome lauréat du prix Nobel au grand dam d'Henry. Faible vie de crapuleux de bout en bout, Henry s'insinue dans la famille Grim, y compris en imprégnant sa sœur Fay (Parker Posey), mais comme un cancer, il infecte et ruine tout ce qu'il touche, surtout une fois que son passé criminel commence à le rattraper. Mais ne laissez pas le succès relatif du film vous tromper: on ne peut nier qu'à deux heures et vingt minutes (le plus long film de Hartley), 'Henry Fool'Est presque trente minutes de trop, et l'acteur principal Ryan offre une performance qui divise que beaucoup trouvent simplement grincheux. Cela dit, l'image surmonte finalement son rythme lent avec des scènes particulièrement puissantes et efficaces, y compris peut-être les propositions de mariage involontaire les plus ridicules et dégoûtantes jamais engagées pour le celluloïd (le Farrelly Brothers serait fière). [B +]

“;Le livre de vie”; (1998)
Travailler avec l'argent de la télévision française (“;Le livre de vie”; a été financé et produit par la télévision française ART), Hartley s'est retrouvé à se tourner vers les préoccupations théologiques - un thème qui pourrait sans doute consommer le reste de cette carrière - dans ce conte étonnamment vif et infusé bibliquement d'une apocalypse du début du siècle confirmée par l'ambivalence de Jésus. Que Jésus et le diable sont représentés par des habitués de Hartley Martin Donovan et Thomas Jay Ryan, en duel costumes et tempéraments, le 31 décembre 1999 à New York est une pilule difficile à digérer, mais elle se montre assez agréable à regarder. Mais il se sent énormément daté, et pas seulement par l'aspect le plus intéressant de la production très longue de soixante-deux minutes: son utilisation de la première vidéo de qualité miniDV presque hallucinogène. Hartley engage avec bonheur un loyer modique, 'Wong Kar-wai, en une seule pression sur un bouton! »esthétique pour les scènes de Donovan et de l'autre monde P.J. Harvey (comme une Marie-Madeleine sensuelle mais finalement sèche) glissant dans les rues de New York, tandis que le diable de Ryan boit du vin rouge et médite sur sa relation avec Dieu et la fragilité humaine avec une perplexité détachée. Cette certaine distance ironique est caractéristique, bien sûr, mais moins bienvenue sont les angles hollandais apparemment sans fin, les coupes de saut maladroites et les divagations légalistes qui ont commencé à entraver une grande partie du travail de Hartley au cours de la prochaine décennie. Ce film est apparu dans le même Cannes comme “;Henry Fool”; et à bien des égards semble un marqueur tout aussi important dans sa carrière, car ses films sont désormais devenus plus sombres et plus larges sur le plan thématique, quoique apparemment moins vitaux pour les citoyens de Cannes. le Je l'ai camée est amusant, mais ne souhaitons-nous pas tous qu'il ait laissé P.J. Harvey chanter plus? [B-] BH

“;Ça n'existe pas”; (2001)
Si la popularité du culte de Hartley a commencé à décliner à la fin des années 90 (c'était clair à ce moment-là, il n'était pas sur le point d'atteindre le courant dominant), il était évident au moment où les pouvoirs se sont déplacés que certains acteurs importants avaient, en fait, fait attention - “;Ça n'existe pas”; Caractéristiques Helen Mirren, Julie Christie et Sarah Polley - mais tout est arrivé un peu trop tard. Cela n'a peut-être pas aidé que le style de Hartley soit d'un temps et d'un lieu et avec l'aube d'une nouvelle décennie, ce drame comique de monstre se sentait follement décalé. Situé à New York et à l'étranger, l'image plutôt absurde se concentre sur un monstre situé au large d'une île isolée d'Islande qui a tué une équipe de nouvelles de New York. Il s'avère que le monstre (Robert John Burke) est un misanthrope bourru et ivre qui peut parler et veut juste mettre fin à tout cela, mais sa malédiction est qu'il est essentiellement indestructible donc il enlève sa souffrance à l'humanité. Le fiancé de l'un des caméramans décédés (Polley) s'avère être le stagiaire du journal de New York et elle convainc son éditeur impitoyable et affamé de titres (Mirren) de l'envoyer en Islande pour enquêter. Alors que c'est un concept de haut niveau dans la nature, 'No Such Thing' est une autre dramatique typiquement bavarde et philosophique de Hartley, mais à ce stade de sa carrière, son mien commençait à produire des rendements décroissants. Pas entièrement sans valeur, mais l'image est inessentielle et uniquement pour les inconditionnels. [C]

“;La fille du lundi”; (2005)
Peut-être que tout le monde a besoin d'un creux. En regardant en arrière, il est difficile de voir “;La fille du lundi”; comme tout sauf le nadir de la carrière de Hal Hartley; son film de science-fiction de 2005, qui a pris un coup critique assez critique, prendra sa place aux côtés des trébuchements de mi-carrière de nombreux auteurs par ailleurs assez cohérents. Dans ce labyrinthique, “;Alphaville”; -lesque conte, les sociétés sont les nouveaux états, Triple M étant le plus grand et le plus méchant, et notre protagoniste, a joué Hartley régulièrement Bill Sage, regardant positivement Brad Pitt-comme ses conseils givrés et une qualité grisonnante aussi affectée qu’efficace, a contribué à la reprise de l’entreprise. Mais une fois qu'il commence à rencontrer de magnifiques extraterrestres joués par des femmes vaguement européennes et que sa cote de désirabilité (la nouvelle forme de crédit) est abaissée pour avoir couché avec la mauvaise femme, le récit dans lequel il se trouve atteint un niveau pynchonien de complexité et d'effroi. Les scores formidables qui ont alimenté tant de fonctionnalités antérieures de Hartley se sont évaporés à ce stade et rien dans la chose ne semble avoir beaucoup de conviction, bien qu'il y ait un camée bizarro par Hartley alum / fellow Purchase College grad Edie Falco en tant que juge qui condamne une femme à «deux ans d'enseignement dans un lycée» pour avoir fréquenté un club où les gens font l'amour pour s'amuser. De plus il y a un joli petit virage de soutien par Leo Fitzpatrick en tant que contre-révolutionnaire dont la scène de la mort est franchement campagnarde - nous souhaitons que ce soit le compliment qu'il aurait pu être - et certains qui recherchent véritablement des choix formels qui, même s'ils ne fonctionnent pas tout à fait, valaient probablement le coup. [D +]

“;Fay Grim”; (2007)
Reprenant sept ans après les événements de “;Henry Fool”; (et abattu neuf ans plus tard, après que Hartley se soit exilé en Europe), la suite inattendue et surprenante (Hartley en premier), rétrospectivement, lorsqu'elle est regardée dos à dos avec son abstention, est plutôt brillamment rejetée dans la nouvelle direction d'espionnage. Rien ne prépare Fay (Parker Posey), Simon (James Urbaniak) ou nous le public, d'ailleurs, pour la vanité centrale du film: mémoire d'Henry “; confessions ”; - révélée inintelligible et non publiable à la fin de “; Henry Fool ”; - sont apparemment un brillant code secret pour des informations clandestines qui pourraient compromettre la sécurité des agents de la CIA américaine (Jeff Goldblum et Leo Fitzpatrick) tenter de contraindre Fay, la femme d'Henry qui est maintenant une fugitive de la loi, à remettre les cahiers qu'elle ne possède pas réellement. Mère célibataire dans le Queens (son frère Simon pourrit en prison pour avoir aidé Henry à fuir les États-Unis dans le premier film), Fay est déterminée à élever son fils de 14 ans pour être l'exact opposé de son mauvais mari. Mais bientôt, Fay est envoyée à Paris pour trouver Henry, où elle se retrouve rapidement impliquée dans une intrigue d'espionnage internationale impliquant plusieurs nations en lice pour les mêmes informations. Tourné avec des angles hollandais en abondance et utilisant des partitions de plus en plus aliénantes de Hartley (cette fois une forme de timbales orchestrales prétentieuses / expérimentales et de flûtes errantes), tout en étant intelligemment conçu, le style remarquable finit par entraver ce qui devrait être un espion décalé récit. Mais c'est certainement une première pour le réalisateur et Goldblum et Parker adoptent son style distinctif comme des canards à l'eau, donc dans le schéma des choses, c'est un semi-retour à la forme et probablement le meilleur film de Hartley depuis “; Henry Fou. ”; [B-]

“; Films possibles ”; et plus.
En plus de ses nombreuses fonctionnalités, Hal Hartley a également réalisé de nombreux courts métrages au fil des ans, exactement dix-sept d'entre eux, en fait, et huit sont inclus sur le “;Films possibles - Œuvres courtes de Hal Hartley 1994-2004”; DVD. Curieusement non inclus est “;Flirter”; (1993) le court métrage qui a marqué sa première collaboration avec Parker Posey et fait place à “; Flirt ”; l'effort de long métrage en 1996 (également avec Posey et le même casting jouant les mêmes personnages). Alors que beaucoup d'entre eux sont tournés sur ce qui ressemble à une vidéo de qualité VHS lo-fi et ne sont pas exactement mémorables, “;Opéra n ° 1”; mérite d’être mentionné car il s’agit de la première et seule comédie musicale de Hartley, un mini-opéra ambitieux qu’il a écrit avec Posey et Adrienne Shelly. “;Les Sœurs de la Miséricorde”; met également en vedette Posey et est un riff expérimental ludique sur le court métrage de 1994 'Iris', Avec le même casting et mettant en vedette des paroles et de la musique de Les éleveurs«« Iris », co-vedette Sabrina Lloyd qui continuerait à jouer dans le 'La fille du lundi. ”; Mais peut-être le plus intéressant du groupe est “;En ce qui concerne bientôt, ”; un documentaire d'entrevue à la première personne avec Hartley sur son scénario de 1998, “;Bientôt. ”; Drame séro-comique sur la confrontation à Waco, au Texas, entre la communauté religieuse (les Branch Davidians) et le gouvernement fédéral américain, c'est une entrée importante dans son œuvre, ne serait-ce que pour la façon dont Hartley se montre à nouveau préoccupé par des thèmes comme la nature de la vérité religieuse, les apocalypses à venir et l'alarmisme de fin de comédie qui survient généralement lors de l'examen des joies, des peines et des catastrophes de la religiosité créative. ”;

Pour tout Hartley a été négligé ou carrément ignoré par de larges pans du public cinéphile, c'est le genre de carrière qui inspire les initiés à une dévotion souvent profonde. Et cela semble également vrai de ses acteurs, dont beaucoup reviennent régulièrement dans ses films, formant presque une troupe théâtrale autour de lui, désireux d'aller où il mène. Un de ces acteurs, Liam aiken qui a joué le jeune fils Ned dans les deux “;Henry Fool”; et “;Fay Grim, ”; nous a dit lorsque nous avons parlé avec lui à Berlin récemment: “; Hal est une âme si douce et si gentille et c'est une juxtaposition intéressante pour les films qu'il fait, pleins des personnages les plus brutaux et brutaux que vous pouvez imaginer. ”; Et dans une certaine mesure, cela témoigne peut-être de son appel continu pour les Hartleyites parmi nous: dans son meilleur travail, les courants de violence font la guerre avec confiance et prévenance; des personnages kitsch sur le faire réfléchissent à des dilemmes profondément philosophiques; et certains des aperçus humains les plus profonds sont livrés dans des éclats staccato de, eh bien, des bêtises. C'est contradictoire, confondant et ça ne marche pas toujours. Qu'est-ce qu'il ne faut pas aimer?

- RP, Brandon Harris, Sam Chater, Oliver Lyttelton, Jessica Kiang

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