Les films de Rainer Werner Fassbinder: une rétrospective

«Je voudrais être pour le cinéma ce qu'était Shakespeare pour le théâtre, Marx pour la politique et Freud pour la psychologie: quelqu'un après qui rien n'est plus comme avant, ”; Réalisateur allemand Rainer Werner Fassbinder une fois déclaré, probablement mi-sérieux, mi-facétieux.



Fassbinder est décédé en 1982, à l'âge de 37 ans, d'une combinaison mortelle d'analgésiques et de copieuses quantités de cocaïne. La légende raconte qu'il travaillait jusqu'au moment de sa mort, et des pages et des notes d'un script non filmé ont été trouvées à côté de son corps. Dans le cas de quelqu'un d'autre, cela pourrait être un mythe, mais le catalogue de Fassbinder prouve qu'il était un homme constamment, constamment au travail: au cours de sa courte vie, comme si hémorragique d'émotions et d'idées, le cinéaste uber-prolifique a fait un 40 étonnant longs métrages, deux séries télévisées, trois courts métrages et 24 pièces de théâtre. Ce qui pose la question, qu'avons-nous fait de notre journée? Cependant, ce rythme effréné a exigé un lourd tribut; son éthique de travail alimentée par la drogue n'a été bénéfique ni pour lui ni pour ceux avec qui il a travaillé et beaucoup de ses relations (notamment avec l'actrice Irm Hermann) étaient complexes (la bisexualité de Fassbinder est ici un facteur) et à la limite abusives. Il a attiré des critiques amères et personnelles dans la presse, mais en même temps il était farouchement fidèle à ses collaborateurs, employant souvent les mêmes acteurs encore et encore, au moins jusqu'à ce qu'il les aliène. Il était sans aucun doute un homme difficile, si incandescent avec une énergie créatrice et chimique qu'il semble inévitable rétrospectivement que, brûlant si fort, il s'épuiserait tôt.

Mais au milieu de sa vie personnelle et professionnelle tumultueuse, il est devenu un grand réalisateur, dans ses meilleurs moments atteignant un niveau de savoir-faire et une émotion profondément ressentie qui dément plutôt sa réputation gonzo, sauvage. Ses meilleurs films montrent un cinéaste en quelque sorte à la fois compatissant et presque agressif sans ressentiment dans ses portraits non romantiques de souffrances, d'âmes perdues. Une figure centrale de cette génération de cinéma allemand qui a également produit Werner Herzog et Wim Wenders, bien sûr, quiconque a fait autant de films que Fassbinder n'allait pas le faire sortir du parc à chaque fois - il a lui-même assimilé la création de films à la construction de maisons et certains films étaient de la plomberie ou du câblage en désordre - mais il existe plusieurs classiques sombres dans son œuvre, et il est rare de trouver un de ses films qui ne vaut pas la peine d'être regardé dans une certaine mesure.



Quelque chose d'un classique obscur perdu du réalisateur, le film de science-fiction en deux parties conçu pour la télévision “Monde sur un fil', Est actuellement en cours de réédition dans les cinémas des États-Unis (lisez notre critique ici, et consultez le site officiel pour voir quand il joue près de chez vous), et nous avons pensé que nous l'utiliserions comme une excuse pour jeter un œil sur Fassbinder. retour catalogue. C'est une collection intimidante - nous ne sommes pas sûrs que quiconque dans le personnel ait vu plus de 45% de ses films - mais nous avons une bonne répartition entre nous, et pour tous ceux qui n'ont pas encore découvert cette filmographie fascinante, nous espérons que vous '' ll trouver un bon endroit pour commencer ici. Vérifiez-le après le saut.



“; L'amour est plus froid que la mort ”; (1969)
Hué à Berlin mais maintenant preuve de l'arrivée d'un individu vraiment talentueux, le premier film de Fassbinder propose une approche personnelle du genre gangster dans une palette New Wave française. Le voyou Bruno (Ulli Lommel, qui deviendrait un habitué de Fassbinder) est impliqué dans le plan d'un syndicat du crime de tuer le proxénète méchant Franz (le bon vieux Rainer Werner en chair et en os), uniquement pour qu'une amitié naisse entre Franz et Bruno. Après une opération réussie, l'équipe (avec la prostituée Joanna) décide de voler une banque, bien que la confiance commence à vaciller et que les choses ne se passent pas comme prévu. Comme une combinaison fracassante de «Band of Outsiders» et «Le Samurai» avec un vague tiret de «The Trial» d'Orson Welles, «Love is Colder Than Death» est un film passionné qui jaillit d'une tête pleine d'idées créatives qui repoussent les limites . Des prises longues et confiantes sont constamment utilisées, le quatrième mur est brisé sans grimace, et parfois une bande sonore éthérée, quelque peu dissonante, recouvre les scènes (même un voyage à l'épicerie semble paradisiaque). Certains peuvent dénoncer le comportement à petit budget très apparent; le plus grand coupable étant le manque de blessures par balle (POP, la chute assassinée au sol). Cependant, Fassbinder fait son manque de travail à gratter: ses personnages sont si incroyablement nihilistes qu'ils ne pouvaient pas comprendre le poids de leurs actions. En rendant la vue des trous de balle et du sang sans importance, le réalisateur se concentre plutôt sur le poids de la mort - dans une séquence incroyablement patiente, Bruno tue un homme et la caméra le suit alors qu'il lutte pour faire entrer le corps dans la voiture, se rend à un dépotoir, et procède à enterrer le corps. Terminé avec un sens de l'humour (le trio sort son vol de lunettes de soleil juste pour baiser avec la vendeuse; un marchand d'armes opère dans un atelier de réparation de chaussures), 'Love is Colder Than Death' n'est pas parfait, mais c'est le sorte de premier film qui devrait inspirer de l'énergie et de l'optimisme chez les jeunes cinéastes et hellip de cette génération; s’ils ne se sont pas déjà noyés dans leur dette de prêt étudiant. [UNE-]

“; Pourquoi Herr R. court-il Amok? ”; (1970)
Peut-être la caractéristique la plus simple de l'homme (non pas en termes de substance mais dans le style de la narration), «Herr R.» tente d'étudier les circonstances qui peuvent (ou non) amener une personne extrêmement moyenne à commettre un meurtre. Fassbinder examine la vie du personnage titulaire jusque dans les moindres détails les plus banals, depuis qu'il aide son fils à faire ses devoirs jusqu'à endurer la routine de stand-up de ses pairs. Ces scènes deviennent encore plus difficiles à avaler lors d'une analyse post-projection (ou seconde veille), car l'expressivité de Kurt Raab apporte de nombreuses complexités - il aurait été facile de jouer le personnage vide ou neutre, mais l'acteur tchèque s'installe, prenant chaque moment d'une manière qui suggère que chaque irritation, manque de respect et moment gênant s'accumulent lentement et peuvent être sur le point de le briser. Ou peut-être pas. On peut certainement débattre de l’impact d’une scène donnée et se demander si celle-ci, à elle seule, fait basculer l’interrupteur; mais on peut toujours aussi regarder l'autre côté de la médaille et plaider pour l'innocence. La façon dont le cinéaste expose la naissance compliquée de la violence sans donner de réponses concrètes donne à la procédure un respect psychologique et une horreur presque inexplicable - Fassbinder sait que les êtres humains sont beaucoup trop compliqués pour des étiquettes simplistes et réductrices. Son approche est séduisante; en effet, Michael Haneke en a fait son pain-et-beurre et une interprétation plus moderne de cette observation à combustion lente peut être vue dans 'Aurora' de Cristi Puiu. C'est certes un peu un testeur de patience, mais il y a quelque chose d'indéniablement captivant à propos de ça. Il convient de noter que la paternité de celui-ci est quelque peu controversée: Hanna Schygulla, l'un des acteurs préférés de Fassbinder, affirme que le co-réalisateur Michael Fengler était essentiellement responsable du film. [B +]

«Le soldat américain» (1970)
Son troisième long métrage (‘ Pourquoi M. Herr R. Run Amok ’; était un effort de codirection), et son deuxième fait cette année-là, si vous êtes habitué aux mélodrames sirk-ian de Fassbinder ’; s middle-section carrière, le New Wave-ish français “; le soldat américain, ”; ressort comme une anomalie flagrante; une photo de crime élégante et noire qui semble avoir pu être faite par Jean-Luc Godard (mais c'est en fait le troisième de sa première trilogie de gangsters.) Presque. Utiliser les tropes de gangsters pour exprimer les frustrations de l'amour - et en effet, le tueur à gages titulaire éponyme joué par l'acteur familier et doux de Fassbinder Karl Scheydt semble passer beaucoup de temps au lit nu avec des femmes, mais sans jamais ressentir de véritable ardeur - l'image ressemble à un Raoul Walsh-image de gangster, mais se sent plus existentielle dans l'humeur et la teneur (la comparaison la plus proche pourrait être Godard ’; s “;Alphaville,”; mais ce n'est pas aussi étrange). L'intrigue est centrée sur Scheydt, un Américain agité de retour du Vietnam embauché pour jouer à l'assassin par l'État et éliminer les enfers de Munich. Il fait exactement cela, mais a ensuite des ennuis lorsque trois policiers l'engagent pour éliminer leurs propres adversaires, mais prévoient une double croix. L'intrigue n'a guère d'importance cependant dans cette image dans laquelle Fassbinder a un petit rôle en tant que voyou collaborateur; il s'agit uniquement de Fassbinder: une image de genre utilisée comme masque pour quelque chose de beaucoup plus impénétrable. [B]

“; Méfiez-vous d'une putain sacrée ”; (1971)
Le bon vieux film sur le cinéma. Certains de nos meilleurs auteurs se sont plongés dans ce sous-genre; François Truffaut, Woody Allen, Olivier Assayas et Federico Fellini ont tous contribué à mettre en valeur les moments souvent ridicules qui se produisent derrière la caméra. Il est facile de voir où ces pros ont vu un matériau aussi mûr - utilisez le médium pour dénoncer son chaos inhérent - mais il est plus difficile de voir pourquoi nous, en tant qu'audience, devrions finalement nous soucier. Tourné lorsque le réalisateur avait 25 ans et basé sur ses expériences personnelles lors de la production de 'Whity', l'incroyablement intitulé 'Beware of a Holy Whore' souffre des mêmes défauts que la plupart de ces films (à l'exception probablement unanime étant ' 8 1/2 '; l'autre exception proviendra probablement du réalisateur pour lequel vous êtes particulièrement attiré). L'intrigue concerne une équipe qui, dirigée par un réalisateur hésitant (Lou Castel, qui fait également une apparition dans 'Irma Vep') et un producteur coché (joué par un Fassbinder en colère), ont du mal à se rapprocher pour bloquer un single scène. L'argent est lâché, les tensions montent, les ego sont meurtris - toujours les ingrédients d'un drame solide. En tant que réalisateur, Fassbinder joue les choses lentement au début, puis, alors que la descente dans la frustration commence, les scènes vont et viennent beaucoup plus frénétiquement. Ce n'est pas sans ses moments (comme le monologue d'ouverture sur Goofy qui devient un enseignant de maternelle raté), mais il y a quelque chose d'inévitablement ténu dans le tout. C'est peut-être le fait que nous connaissons déjà toutes ces horreurs; ou peut-être que, à l'exception de l'opus de Fellini, ils empruntent tous une route similaire pour arriver à la même conclusion. Trop «à l'intérieur du baseball»? Trop «wink-winky» pour les cinéastes? Difficile à dire, exactement. Le portrait que le cinéaste se fait de lui-même, à en juger par les rapports sur sa vie personnelle et son comportement, semble être parfait et cela vaut vraiment la peine de le voir à son niveau le plus brut. À moins que vous ne soyez un fanatique, cependant, vous pourriez trouver le reste des procédures un peu éclairant. [C +]

'Les larmes amères de Petra Von Kant»(1972)
Le terme mélodrame a fini par avoir des connotations négatives: émotion sur-jouée, sur-exagérée, avec peu de subtilité ou de sous-texte. Mais comme Darren Aronofsky l'a prouvé l'année dernière avec «Black Swan», si cela ne vous dérange pas d'aller à plein régime avec votre drame, vous pouvez vraiment réaliser quelque chose de spécial, et Fassbinder le tue dans «Les larmes amères de Petra Von Kant». sa pièce de l'année précédente, qui, selon Jonathan Rosenbaum, était elle-même fortement autobiographique (une version voilée de la relation triangulaire entre le réalisateur, son amant bavarois noir Günther Kaufmann et son assistant / compositeur Peer Raben), le film suit le créatrice de mode titulaire (Margit Cartensen) alors qu'elle tombe profondément amoureuse de la belle Karin (Hanna Schygulla), tout en tourmentant sa dévouée assistante Marlene (Irm Hermann). C'est sans vergogne campy (sa traduction de 2005 en opéra était inévitable), faisant un signe de tête à la bien-aimée Douglas Sirk de Fassbinder (le pilote a même rendu visite au réalisateur vétéran chez lui en Suisse à un moment donné) et 'All About Eve' (le réalisateur de ce film Joseph vérification du nom à un moment donné), mais il est également éminemment citable et entièrement captivant. Grâce en partie au DoP Michael Ballhaus (qui a ensuite tourné «The Last Temptation of Christ», «Goodfellas» et «The Departed» pour Scorsese, parmi de nombreux autres projets hollywoodiens), cela fonctionne là où tant d'adaptations théâtrales échouent: plutôt que chancelant, il se sent presque incroyablement claustrophobe, alors que les amours amères et sans contrepartie des personnages les piègent dans l'appartement que la caméra ne quitte jamais. Le jeu est également étonnant, en particulier Cartensen, le favori de Fassbinder, entièrement intrépide, et Hermann, qui vole la vedette dans une performance pratiquement silencieuse. La politique sexuelle peut être problématique pour certains, mais il ne fait aucun doute qu'elle était proche du cœur du réalisateur, et il n'est pas surprenant que ce soit l'un de ses premiers films à sortir devant un public international. [UNE-]

«Ali: la peur mange l'âme» (1974)
Fassbinder a rencontré Douglas Sirk au Musée du film de Munich en 1971, où il a également vu six de ses films. Cette expérience allait changer la façon dont Fassbinder voyait et réalisait les films. Sirk’s “; All That Heaven Allows ”; a fourni l'inspiration pour “; Ali: Fear Eats the Soul, ”; qui reste aujourd'hui le film le plus célèbre de Fassbinder (pas tristement célèbre pour une fois), qui a ensuite inspiré Todd Haynes ’; “; Loin du ciel. ”; Aucun film de Fassbinder ne transmet son message des maux sociaux quotidiens avec autant d'éloquence que “; Ali: la peur mange l'âme. ”; La prémisse de base est simple: Emmi, veuve allemande d'âge moyen, rencontre au hasard et, peu de temps après, épouse Ali, un homme arabe qu'elle rencontre dans un bar après s'être abrité de la pluie. La première moitié du film se concentre sur la façon dont la famille, les voisins et les collègues de travail d'Emmi traitent avec son deuxième mari et la couleur de sa peau, d'abord négativement, puis évoluent vers l'acceptation. La seconde traite davantage de la réaction d'Ali à leur acceptation soudaine, ce qui lui apporte son propre ensemble de compromis, et des conflits avec Emmi autrefois cachés par leur solidarité mutuelle contre le racisme émergent également. Fassbinder, jamais un pour des conclusions concrètes ou des réponses faciles nous laisse avec une fin douce-amère avec des amants réunis mais les problèmes qui les ont divisés non résolus. [UNE]

'Martha»(1974)
Un autre drame Sirk-ian de malheur domestique - le personnage principal donne même «Douglas Sirk Road» comme son adresse à un moment donné - comme de nombreux mélodrames de Fassbinder, «Martha» place la femme naif titulaire dans une situation de détresse émotionnelle et nous fait ensuite regarder, se tortillant impuissante, alors qu'elle est soumise à une escalade des crises et désabusée, pratiquement brutalisée, de toutes les notions romantiques. Un film qui aurait pu être intitulé sarcastiquement, «The Good Wife», le mélodrame se concentre sur Martha (Margit Carstensen) qui passe d'une mauvaise situation à une autre, et qui peut être considérée comme une sombre étude à la fois sur la cruauté et la capacité de soumission humaine. En vacances avec elle en Italie, le père contrôlant de Martha meurt soudainement d'une crise cardiaque et elle est obligée de rentrer chez elle en Allemagne et de prendre soin de sa mère: une fiancée alcoolique et une grotesque, une humaine révoltante à tous les niveaux qui tente de se suicider par surdosage de pilules chaque fois que Martha essaie de faire quoi que ce soit contre son gré. La libération se présente apparemment sous la forme de Helmut (‘ 70s Fassbinder regular Karlheinz Böhm obtenir un virage juteux), un beau et riche gentleman qui veut l'épouser et l'emmener. Tout sonne bien jusqu'à ce que Helmut révèle ses vraies couleurs en tant que sociopathe sadique et dominateur. Nous avons vu cette histoire d'innombrables fois à Hollywood - généralement des thrillers B avec Tom Berenger ou Patrick Bergin - mais le film télévisé 16 mm de Fassbinder n'est pas une tranche de divertissement de fin de soirée; c'est un exercice punitif alors que Martha continue de saigner psychologiquement aux mains de son trou du cul abusif et tyrannique d'un mari. Finalement, sa capitulation humiliante se transforme en paranoïa puis en quasi-dérangement qui se termine tragiquement. Ce n'est pas toujours facile à regarder, mais c'est une chronique coupante de la violence domestique à travers la propre version amplifiée de Fassbinder sur le mélodrame hollywoodien des années 50. [B]

willem dafoe nu

“; Fox et ses amis ”; (1975)
Bien que connu sous le nom de multi-césure hyperprolifique, il est facile d'oublier que Fassbinder était aussi parfois un acteur qui est apparu dans plus d'une demi-douzaine de ses propres films (bien que souvent juste dans de petites parties non créditées). Dans “; Fox And His Friends, ”; l'écrivain / réalisateur a joué un rôle principal rare et a perdu autant de poids que possible pour jouer le Franz “; Fox ”; maigre et sérieux, sans instruction et de la classe ouvrière; Bieberkopf (nommé bien sûr pour le protagoniste de «Berlin Alexanderplatz», que Fassbinder adaptera plus tard - voir ci-dessous). Après avoir vu son amant être jeté en prison pour évasion fiscale et donc perdre son emploi dans le cirque, Bieberkopf pense que sa chance a tourné et, avec l'aide d'une connaissance gay plus âgée, se précipite pour acheter le billet de loterie qui va faire fortune. Le sort ou la clairvoyance sont de son côté et Fox gagne environ l'équivalent de 350 000 dollars américains. Mais quand il gagne beaucoup d'argent, il se retrouve soudainement en compagnie de snobs homosexuels aisés de la classe supérieure. Il se connecte rapidement avec le sans scrupule Eugen (Peter Chatel), un fils prissy, priggish et hyper-critique d'un industriel riche qui laisse tomber son petit ami comme une mauvaise habitude lorsque le Fox flush de trésorerie roule dans son cercle d'amis “; ” ; Rapidement introduit dans un monde raffiné de richesses et d'influences, le renard inérudit est à la fois au-dessus de sa tête et séduit par le milieu opulent d'Eugen. Avec Fox si désireux de plaire et Eugen si disposé à accepter sa nouvelle richesse, la toque commence rapidement. Tourné à la manière traditionnellement professionnelle de Fassbinder, la stimulation et la redondance sont un problème car le réalisateur passe deux heures (ce qui ressemble à 2 ½) à rappeler au public à quel point Fox est naïf et à quel point Eugen l'exploite mal. Sans doute un drame qui dit que la cupidité et la tromperie ne sont pas des comportements immoraux exclusifs aux hétérosexuels, ironiquement intitulé “; Fox And His Friends, ”; a ses problèmes susmentionnés, mais est toujours un regard incisif et finalement tragique sur la façon dont l'argent se divise. [B]

“; Peur de la peur ”; (1975)
Avec Fassbinder troupe-regular Margit Carstensen, également la star de 'Les larmes amères de Petra Von Kant' et 'Martha», Ce drame psychologique conçu pour la télévision se concentre sur une femme au foyer de la classe ouvrière qui commence à ressentir les symptômes d'une maladie mentale ressemblant à la schizophrénie. Au fur et à mesure que son trouble (et sa peur) augmentent - l'apparition de la maladie est susceptible de provoquer la panique chez tout être humain - son mari attentionné, mais finalement inefficace se révèle inutile et sa belle-famille abusive limite ne fait que pointer du doigt son “; étrange ”; comportement. Pour aggraver les choses, elle est ensuite suivie par un autre homme malade mental dans son quartier (le flippant Kurt Raab, qui a joué dans 31 des photos de Fassbinder), qui semble avoir une sorte de lien psychique avec elle: il comprend de façon troublante qu'elle devient lentement folle. Impuissante, elle se tourne vers l'alcool, le valium et un médecin pervers (Adrian Hoven) prêt à remplir sa prescription, si vous obtenez notre dérive, et la pauvre femme glisse rapidement dans une dépendance à part entière - tout pour apaiser la douloureuse connaissance de la descente dans la folie. Clairement conçu pour la télévision, avec son récit épisodique et son ouverture maladroite, tandis que “; Fear of Fear ”; menace de devenir un spécial après l'école sur les dangers des femmes au foyer avec des problèmes psychologiques, finalement les rassemblements de films télévisés et devient tout à fait le regard frappant sur la douleur, l'indifférence et l'insensibilité. [B]

“;Voyage au paradis de Mère Küsters”; (1975)
Lorsqu'un père calme et modeste passe à la poste dans son usine de produits chimiques - tuant un homme et se suicidant lorsque des licenciements massifs se profilent - une douce famille allemande est déchirée et détruite par la nouvelle. Les problèmes exacerbés sont des médias tabloïdes envahissants qui descendent comme autant de vautours voraces, exploitant la famille dévastée pour tout ce qu'ils valent à la fois dans des citations faussant le contexte et des séances photo manipulatrices. La situation empire avec le retour de Corrina, la fille capricieuse de la famille (Ingrid Caven) qui utilise sans vergogne la tragédie pour promouvoir sa carrière de chanteuse en couchant avec l'un des journalistes couvrant l'histoire. L'un des efforts les plus politiquement chargés de Fassbinder, l'autre côté de l'exploitation gratuite vient du Parti communiste, se faisant passer pour une force aimable et bienveillante dans la vie de la matriarche solitaire, mais en utilisant simplement la catastrophe familiale de son «mari du prolétariat opprimé» pour leur propre agenda. Le film a deux fins; l'une est audacieuse et tragique (détaillant la mort de Mère Kuster alors qu'elle tombe avec un groupe d'anarchistes dans un texte sur une image figée de son visage affligeant), et l'autre (la version américaine) relate le destin et la futilité (les anarchistes abandonnent leur sit-in pour défendre le frottis de son mari dans les tabloïds, mais elle rencontre un monsieur plus âgé qui laisse entrevoir une étincelle d'espoir). Mettant en vedette de nombreux habitués de Fassbinder, dont des femmes piliers Margit Carstensen, Irm Hermannn (19 films de Fassbinder à son actif) et le toujours merveilleux Brigitte Mira (la star de ‘ Ali: Fear Eats The Soul ’;) en tant que mère éponyme, le drame sardoniquement sombre de Fassbinder agit comme une critique cinglante des opportunistes égoïstes de tous les horizons et des médias assoiffés de sang, tout en demandant si un sens de la décence ou la honte existe dans la société d'aujourd'hui. [B +]

'Je veux seulement que tu m'aimes»(1976)
Tourné pour la télévision et portant la marque de fonds et de portée limités, le docudrame de Fassbinder centré sur la recherche d'approbation d'un homme n'est pas moins efficace que certains de ses travaux les plus forts. Peter est un jeune homme qui cherche désespérément à subvenir aux besoins de sa femme et de son enfant, tout en étant à la hauteur des attentes de ses parents, mais, dans une série d'ironie cruelle, la chance continue de lui échapper, car les dettes croissantes et les faveurs infinies le placent dans un trou après l'autre. À travers tout cela, Peter répète le mantra du titre, comme un moyen de traverser la journée, bientôt inconscient de qui il parle réellement. L'équilibre délicat de la vie quotidienne de Peter se dénoue naturellement à travers une spirale de mauvaises décisions qui s'avèrent fatales, le tout dans un dispositif de cadrage d'interview qui met un cap noir sur sa propre existence. Bien que modéré par rapport à son travail habituel, Fassbinder travaille en territoire familier, et la liste des indignités permet de filmer plusieurs tableaux sombres et accrocheurs, au service d'une histoire sur un homme qui ne peut tout simplement jamais trouver l'approbation . [UNE-]

'Dans une année de 13 lunes»(1978) - MZ
Fassbinder a dû beaucoup aimer Armin Meier, car peu de réalisateurs oseraient faire un film qui se résume à l'exorcisme personnel. Une année avec 13 lunes cause des ennuis au protagoniste Elvira (Volker Spengler), trébuchant sur la route pour retrouver Anton Saitz (Gottfried John). Anton a financé le changement de sexe d'Elvira (elle était autrefois un boucher nommé Erwin, un rappel intentionnel de la profession de Meier), mais ne veut pas accepter la femme nouvellement baptisée comme autre chose qu'Erwin. “; Dans une année de 13 lunes ”; est un test d'endurance, avec plusieurs séquences hors concours, une se déroulant dans un abattoir et une autre une séquence de danse hors champ. Spengler est également convaincante, exprimant le purgatoire personnel d'Elvira dans lequel elle n'est acceptée par aucune des personnes qu'elle désire et ne trouve aucune paix dans ses luttes, juste des conflits et de la haine. Quels que soient les sentiments que Fassbinder a mélangés à son chagrin après le suicide de Meier, ils sont intégrés dans ce film, notamment pour la maîtrise continue du réalisateur sur le placement de la caméra et peut-être une dépendance excessive à l'allégorie. Comme les meilleurs films de Fassbinder, celui-ci récompense le spectateur patient et a rassemblé un culte assez amoureux plus de 30 ans après sa création. [B]

“; Le mariage de Maria Braun ”; (1979)
Le premier de la trilogie BRD (Bundesrepublik Deutschland) de Fassbinder, qui traite de trois femmes différentes faisant leur chemin dans une Allemagne de l'après-guerre, le script est passé par plusieurs mains et brouillons du projet télévisé original non réalisé de Fassbinder «Le mariage de nos parents». . Fassbinder travaillait déjà sur le scénario de l'épopée 'Berlin Alexanderplatz' lorsque le tournage a commencé sur 'Le mariage de Maria Braun' et il a continué à tourner pendant la journée et à travailler toute la nuit sur le scénario de son prochain projet. La rumeur veut que ce programme de travail soit maintenu. Fassbinder a consommé de grandes quantités de cocaïne, et c'est la principale raison pour laquelle le film a dépassé le budget - Fassbinder est le plus important mais toujours inférieur à un million de dollars. Bien sûr, cela a causé des problèmes avec ses financiers, ses producteurs et son équipe, provoquant des ruptures dans plusieurs de ses partenariats créatifs à long terme, y compris ceux avec le directeur de la photographie Michael Ballhaus et le producteur Michael Fengler. Faire “; Le mariage de Maria Braun ”; n'était probablement pas la plus grande période de la vie de Fassbinder, mais le film s'est avéré être l'un de ses plus réussis et a réalisé son désir de faire un équivalent allemand d'un film hollywoodien. Avec Hanna Schygulla dans le rôle de Maria (elle a remporté l'Ours d'argent de la meilleure actrice en 1979), une femme dont la relation avec son mari, Hermann, est constamment contrecarrée par les circonstances - ou plutôt par le désir, la fierté et la cupidité qui conduisent inévitablement à la violence, à la cruauté et à la destruction. Fassbinder dresse le portrait d'une Allemagne insatiable et insensible, ses habitants (les survivants) sont des biens endommagés, moralement et émotionnellement déformés de leurs expériences. Comme tout bon film hollywoodien, cela se termine par une grosse explosion - comme tout bon film de Fassbinder, les significations et les motifs derrière lui sont ouverts. [UNE]

«Berlin Alexanderplatz» (1980)
Oui, nous l'avons vu. Oui, tout ça. Oui, il est glacialement lent par endroits, et il est vrai que c'est un travail difficile. Et oui, ça vaut vraiment la peine de le faire à un moment donné de votre vie. L'épopée de Fassbinder en 14 parties et 930 minutes conçue pour la télévision (mais diffusée en salles aux États-Unis) a une réputation redoutable, tout à fait méritée (en particulier l'épilogue impénétrable, brillant, parfois éblouissant), principalement parce qu'il est sans doute aussi proche de un roman comme le cinéma n'a jamais eu. Une traduction directe de l'intrigue aurait été beaucoup plus courte, mais Fassbinder, un fan enragé de la source de 1929 (par Alfred Doblin), s'égare et habite, étirant et répétant de minuscules moments intimes, avec de longues prises ininterrompues de marque, dans un manière qui vous amène lentement dans la psyché du protagoniste Franz Biberkopf (une performance étonnante de Gunter Lampretcht), et en effet, la psyché d'une nation en ébullition (avec le recul, il est évident que Fassbinder a la permission d'utiliser Biberkopf comme métaphore de l'Allemagne de l'entre-deux-guerres, sans doute l'un de ses films les plus politiques. Et bien sûr, il ressemble toujours à un film de Fassbinder, en particulier dans son bricolage avec la relation de son héros avec Reinhold (Gottfried John), qui acquiert toutes sortes de nuances homo-érotiques absentes du roman. Plus que quoi que ce soit, cependant, c'est une tragédie; un ancien détenu, désespéré d'aller tout droit, ne peut tout simplement pas s'échapper. Une vieille histoire, bien sûr, mais qui n'a jamais été racontée avec autant de détails. des moments incroyables tout au long et horribles, rien de plus que dans cet épilogue, qui voit Fassbinder essentiellement déconstruire (aidé par les pistes de Lou Reed et Kraftwerk) les treize heures que vous venez de traverser. C'est à la fois exaspérant et enivrant, et un capsuleur approprié à toute la saga. Déposez-le avec «Guerre et paix» et «Infinite Jest» comme quelque chose à rattraper pendant de longues vacances ou une peine de prison: vous ne le regretterez certainement pas. [B]

'Lili Marleen' (1981)
L'insurmontabilité des barrières sociales et la guerre entre le désir privé et l'image publique sont des éléments de base du mélodrame sirkien Fassbinder émulé tout au long de sa dernière carrière. Ainsi, en toile de fond, l'Allemagne nazie, un État totalitaire oppressif dans lequel la vie privée était souvent confisquée à la machine politique, et les barrières raciales, sexuelles et nationales n'étaient pas seulement renforcées, mais codifiées dans une philosophie qui imprégnait tous les aspects de la vie, devait représenter une sorte de jackpot de mélodrame. Il est donc étrange que «Lili Marleen», un récit de l'amour interdit entre un chanteur de boîte de nuit allemand et un chef d'orchestre juif de l'époque de la Seconde Guerre mondiale, devrait finir par une histoire si peu engageante: les pièces sont toutes là, et le registre émotionnel à l'écran varie des sommets de l'extase aux profondeurs du désespoir suicidaire, comme on pouvait s'y attendre, et pourtant, nous ne ressentons jamais grand-chose du tout. La performance de Hanna Schygulla, une habituée de Fassbinder en tant que Willi centrale, fait partie du problème, se présentant comme étrangement schizoïde - ses réactions, bien que surmenées, sont souvent inappropriées au point d’être incompréhensibles. Et sans le genre d'empathie tragique que les grandes héroïnes de ce genre parviennent à engendrer, il est difficile de prendre soin de Willi pragmatique, égocentrique et narcissique (nous ne sommes même pas sûrs qu'elle serait moralement opposée au nazisme s'il ne le faisait pas '' t la garder de son amant) surtout quand la seule chose qui la rend célèbre est son interprétation plutôt décevante de la chanson titulaire. Le film n'est pas mauvais, exactement, sa photographie luxuriante et floue de flou a frappé la marque, et il y a des moments de surréalité soudaine et étrange (la séquence ivre dans la luxueuse maison blanche, un nazi en uniforme arrivant sur scène via une diapositive) qui rehaussent les choses incommensurablement. Mais il y a aussi des moments où ces incursions expérimentales ne sont pas payantes (la scène interminablement retournée dans laquelle l'amant de Willi est torturé avec des extraits incomplets de la chanson sans cesse répétés, des couches d'ironie involontaire au-dessus de l'intentionnelle pendant que nous, le public, prions pour que la putain de chose s'arrête aussi) et finalement rien ne peut distraire du vide au cœur du film. C’est là qu’une vraie femme, ou du moins la version exagérée du mélodrame d’une vraie femme, et de quelqu'un avec qui nous pouvons nous soucier et avec lesquels nous devons nous impliquer, devrait être. [B-]

'Lola' (1981)
Le fétiche de Fassbinder pour le mélodrame Sirk-ian, une obsession pour au moins une partie de sa carrière, est bien documenté, donc si l'on veut voir l'image qui a probablement fait le plus mousser Fassbinder (et a probablement été également une influence sur Todd Haynes«Tendances similaires de Sirk), c'est la« Lola »luxuriante, couleur bonbon et somptueuse. Un autre film de trilogie BRD se déroulant dans l'Allemagne de l'Ouest après la Seconde Guerre mondiale, le film met en vedette Barbara Sukowa et le grand Armin Mueller acier ('Nuit sur Terre, ''Promesses orientales'), Et se concentre sur un pieux commissaire du bâtiment qui cherche à éradiquer la corruption qui règne dans l'entreprise d'un entrepreneur local en construction (Mario Adorf). Rassemblant progressivement des preuves contre sa proie, l'homme à flèche droite se rencontre ensuite et finit par tomber amoureux du titulaire Lola (Sukowa). Par conséquent, il est choqué d'apprendre qu'elle est prostituée et chanteuse de cabaret dans un bordel local. Non seulement cela, elle est le jouet de Schukert, le magnat de la construction tordu qu'il essaie de renverser. Alors qu'il possède maintenant toutes les munitions dont il a besoin, Von Bohm de Mueller-Stahl ne parvient pas à concilier son devoir droit avec sa convoitise pour la femme attirante, au lieu de devenir la proie de la séduction et bientôt, des tentations de l'argent et du pouvoir. Dans le conte de moralité absorbant de Fassbinder, nous regardons un homme honorable devenir la chose la plus vile contre laquelle il a tenté de lutter. Un clin d'œil sombre, mais subtilement satirique aux charmes persuasifs du capitalisme, comme d'habitude, Fassbinder ne ressent pas le besoin de souligner ou de souligner l'évidence, nous regardons ce magnifique coup de feu tomber de la grâce et tout jugement est le nôtre. [UNE]

'Veronika Voss' (1982)
Librement basé sur l'histoire vraie de Sybille Schmitz, une ancienne starlette nazie, dont l'étoile s'est estompée après l'effondrement du Troisième Reich - elle s'est suicidée comme une vieille relique solitaire que la nation aurait plutôt vite oublié - le captivant et luxuriant “;Veronika Voss, ”; est Fassbinder à la hauteur de ses pouvoirs et malheureusement, c'est son avant-dernier film. C'est son “;Sunset Boulevard”; et “;Citizen Kane, ”; au propre comme au figuré, car les deux films ressemblent à l'image en noir et blanc à contraste élevé qui montre des traces évidentes du somptueux cinéma hollywoodien des années 50. Par une soirée sombre et pluvieuse, le Voss déséquilibré et mélodramatique (Rosel Zech) rencontre et se lie d'amitié avec un écrivain sportif empathique (Hilmar Thate) qui s'intéresse curieusement à son histoire de gloire fanée. L'écrivain bien intentionné découvre bientôt que l'ancienne star erratique et souvent désespérée est soutenue par un Dr sans scrupules. Feelgood ”; -like doctor (Annemarie Düringer), qui domine sur elle - alimentant ses insécurités avec une dose contrôlante d'opiacés, mais seulement si elle peut assumer les coûts exorbitants. Pendant ce temps, l'écrivain qui se sacrifie risque sa propre relation pour sauver l'ingénie vieillissante, mais en vain. Ayant longtemps recherché la reconnaissance en Allemagne - les médias provinciaux méprisaient généralement son toujours citable “; enfante terrible ”; mien - Fassbinder a finalement reçu un amour local lorsque cette photo a remporté à juste titre l'Ours d'or au 32e Festival international du film de Berlin. [UNE]

Et le reste: trois courts métrages ont précédé «L'amour est plus froid que la mort»; 'This Night', qui est perdu, 'The City Tramp' et 'The Little Chaos'. Il a ensuite été suivi de 'Katzelmacher', qui se traduit, en gros, par 'Cock Artist' - pas, comme le titre pourrait le suggérer, à propos de Warren Beatty, mais une adaptation de la pièce de Fassbinder, sur un immigrant grec (joué par le cinéaste lui-même). En 1970, «Gods of the Plague» et «The Coffee House» (ce dernier n'est qu'un enregistrement télévisé de sa production de la pièce de Carlo Goldoni), tandis que l'année s'achève avec «The Niklashausen Journey», co-réalisé avec «Herr R collaborateur Michael Fengler.

Cela a été rapidement suivi par «Rio Das Mortes» et «Pioneers in Ingolstadt», tous deux réalisés pour la télévision, tandis que «Whity» est l'un des films les plus appréciés que nous n'avons pas pu voir. 'The Merchant of Four Seasons' a suivi 'Holy Whore', et est considéré comme l'un des meilleurs réalisateurs, bien qu'il se soit glissé entre les mailles du filet pour nous. 1972 a eu une autre traduction du théâtre à la télévision, 'Bremen Freedom', la série télévisée en cinq parties 'Eight Hours Are Not A Day', tandis que 1973 a introduit 'Wild Game' (basé sur la pièce de Kroetz), et le 'World' susmentionné on a Wire », que nous avons couvert en détail la semaine dernière. Il a été suivi par «Nora Helmer», une version de «A Doll’s House» d'Ibsen pour la télévision.

Le 'Effi Briest' en noir et blanc est un autre grand que nous n'avons pas eu le temps de couvrir, tandis que 1975 a apporté le court 'Like A Bird on a Wire' (sans lien avec le véhicule Goldie Hawn, sans surprise ...). 1976 nous a donné «Satan's Brew» et «Chinese Roulette», tandis que 1977 avait «Women In New York» et «The Stationmaster's Wife», tous deux réalisés pour la télévision, alors qu'il réalisait un segment de l'omnibus «Allemagne en automne» l'année suivante .

'Despair' a été son flirt le plus proche avec le courant dominant, adaptant un roman de Nabokov avec un script de Tom Stoppard (en anglais, pas moins) avec Dirk Bogarde, tandis que 1979 a apporté 'The Third Generation' une comédie noire du terrorisme avec Eddie Constantine, star de «Alphaville». Enfin, il a fait sa seule aventure dans le documentaire avec «Théâtre en transe» de 1981 et a terminé sa carrière avec «Querelle» de 1982, un autre film de langue anglaise, basé sur le roman de Jean Genet et mettant en vedette Franco Nero, Jeanne Moreau et Brad Davis, responsable de «Midnight Express».

- Rodrigo Perez, Christopher Bell, Sam Chater, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Oliver Lyttelton



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