Comment Hong Sang-soo 'Herbe' de 66 minutes remet en question nos normes traditionnelles de durée d'un film 'légitime'

'Herbe'



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L'essai suivant a été produit dans le cadre du 2018 NYFF Critics Academy, un atelier pour les aspirants critiques de cinéma qui a eu lieu lors de la 56e édition du New York Film Festival. Une femme indéfinissable nommée Areum (Kim Min-hee) s'enfonce dans son ordinateur portable à une table de café tandis que les clients à proximité expriment leurs ressentiments personnels dans une confrontation publique sans peur. L'hostilité désinvolte d'un jeune couple se transforme en accusations discordantes de complicité dans le suicide d'un ami commun; un acteur sans emploi supplie sa connaissance de trouver un logement, insistant désespérément pour qu'il puisse payer un loyer. Les conversations s'intensifient à une vitesse discordante alors que l'attention d'Areum flotte à travers le café, en écoutant - ou peut-être en rêvassant? - pour fournir un projet d'écriture invisible.

Un homme réprimande Areum pour avoir regardé, mais aussi vite qu'il peut s'offrir un siège à sa table, il tente faiblement d'inverser l'équation: il suggère qu'elle, un non-écrivain autoproclamé, laisse lui étude sa pendant dix jours, au nom de la collaboration artistique. Non merci. Son petit ami inexistant n'aimerait pas beaucoup ça, et elle non plus. Plus tard, au déjeuner avec son frère et sa nouvelle fiancée, Areum se demande comment les deux pourraient éventuellement se connaître suffisamment pour envisager le mariage. Mais compte tenu des révélations personnelles qu'elle surprend tout au long du film, il n'est pas surprenant que - dans l'univers hermétique que Hong Sang-soo a créé pour ce film - les secrets soient dévoilés avec une facilité troublante, et cette tendance favorise une intimité rapide et inquiétante. Il en est de même pour un film qui ne dure que 66 minutes.





La plupart des écrits sur “; Grass ”; qui a fait surface depuis sa première au Festival international du film de Berlin de cette année s'est attaché à ce détail. Le temps d'exécution abrégé du film, ainsi que la sortie impressionnante de Hong Kong - “; Grass ”; est le quatrième film qu'il a sorti au cours des 12 derniers mois - domine la conversation critique, comme s'il s'agissait de détails qu'il fallait renoncer avant que l'analyse de sa dense moelle philosophique puisse commencer. Les raccourcis à chaud sur Letterboxd appellent le film tout de “; exceptionnellement, presque paresseusement insultant, ”; à “; un croquis qui aurait probablement pu facilement être ignoré de l'œuvre de [Hong]. ”; Des critiques plus longues, bien que toujours plus généreuses, mentionnent souvent la compacité du film hors du saut. Au pire, la rapidité d'exécution du film semble être une source de déception; au mieux, il est brièvement noté avant de creuser dans d'autres matières, vraisemblablement celles de “; substance. ”; Même le traitement du film par les programmeurs de la Berlinale, qui a déclassé ”; hors de l'ardoise narrative principale (qui présentait son “;Personne fille de Haewon ”; en 2013 et “; Sur la plage la nuit seule ”; en 2017) et dans le plus avant-gardiste Forum gamme, suggère une certaine reconnaissance chargée de sa longueur modestement difficile.



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Mais pourrait “; Grass’; ”; la brièveté est-elle une vertu en soi? En tant que choix esthétique, il correspond au thème qui émerge alors que nous nous promenons à travers la journée d'Areum: le film est aussi éphémère que les interactions dont nous sommes témoins, gesticulant vers quelque chose de plus - quelque chose d'inconnaissable - et résidant toujours en dehors de ce qui est donné. Mais même plus loin, il indique une possible évasion des notions de complétude et de narration autonome, des normes héritées du cinéma classique qui restent trop souvent incontestées, même dans des œuvres indépendantes comme Hong ’; s.

Supposons un instant que les critiques les plus sévères de Hong aient raison: qu'il y a quelque chose d'insuffisant à propos de l'herbe ”; en tant que film individuel; qu'il est paresseux ou incomplet; un croquis qui ne s'est pas matérialisé en un produit final satisfaisant. Ces plaintes disparaissent lorsque nous commençons à traiter le film comme un nœud dans un réseau plus large - un épisode ou amuse-bouche — plutôt qu'un objet autonome entièrement formé. Comme “; Herbe ”; démontre, la métrique d'un film ‘ achèvement ”; est une chose délicate: faut-il une structure en trois actes, une résolution narrative satisfaisante, ou le retour triomphal du héros? Un film, en tant que représentation nécessairement incomplète d'un monde à l'écran particulier, peut-il vraiment faire “; assez fait? ”; Une fois que nous commençons à remettre en question ces hypothèses sous-jacentes, les critiques commencent à s'effilocher. Les conventions qui régissent la durée de vie et l'autosuffisance acceptables d'un film sont tout aussi construites - et donc tout aussi contraignantes à briser - que celles qui régissent sa structure narrative.

En 2016, le Met Breuer a inauguré son tout nouvel espace à l'époque avec “; Unfinished: Thoughts Left Visible. ”; L'exposition s'est centrée sur la question de savoir ce que signifie une œuvre incomplète, que ce soit involontairement ou par le biais d'une inachevé. Certaines des œuvres présentées appartenaient à une troisième catégorie, encore plus controversée: les objets jugés finis par leur créateur, mais pas par l'accueil du public. Certains, comme Robert Smithson ’; s “; Mirrors and Shelly Sand, 1969-70, ”; étaient “; inachevés ”; en ce sens que leur utilisation de matières volatiles les a laissés en décomposition constante, inversant leur achèvement dès sa proclamation. Une autre sculpture du spectacle, Louise Bourgeois ’; “; Sans titre (n ° 2), 1996, ”; a détaillé un enchevêtrement de mains démembrées sculpté dans le coin d'un bloc autrement non raffiné de marbre rose. Le caractère de sa surface rugueuse, inachevée dans le sens le plus littéral, est au cœur de la résonance de la sculpture pour moi: la maîtrise artistique suggère toujours une signification indéterminée - une direction jusque-là inexplorée pour méditer sur le trajet de retour en train.

Le style de travail de Hong rappelle la rugosité calculée de Bourgeois ’; sculpture: la brièveté relative de plusieurs de ses films (avec “; Grass ”; and “; Claire ’; s Camera ”; servant d'exemples récents) est complétée par une œuvre ample, théoriquement dense, invitant diverses interprétations des relations entre les œuvres. En laissant quelque chose de visiblement non résolu, les deux mettent en avant la vertu d'un sens illimité, de laisser quelque chose à l'imagination. Alors que la curiosité que suscite cette ouverture peut être apaisée par une plongée profonde dans le canon expansif et souvent autoréférentiel de Hong, les connexions précises entre les œuvres ne sont jamais confirmées comme des réponses définitives. En ce sens, ses films sont tout aussi générateurs pour les nouveaux téléspectateurs que pour les fans de carrière.

Comment pourrions-nous en tant que cinéphiles - cinéphiles, finalistes de Hong, papas confus qui sont tombés au milieu de tout cela - tirer profit de nous soulager de l'attente qu'un film léger soit déficient? Déjà, dans la tendance au “; cinéma lent ”; qui s'empare du film indépendant mondial, nous pouvons voir une étreinte de différentes structures narratives - dans ce cas, étirées plutôt qu'abrégées - se glissant vers le courant dominant. Peut-être, célébrer les incursions légères et fréquentes de Hong pourrait être l'inverse logique - un autre choix structurel qui rejette la sagesse reçue sur ce qui constitue un film fini; une autre alternative réfléchie à l'épopée séquentielle de deux heures. Comme un couple discutant de sujets privés un peu trop fort et à portée de voix du public - acceptant notre attention, s'arrêtant juste avant de la supplier.

entretien de mary j blige

The Cinema Guild sortira «Grass» dans les salles en 2019.



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