La liste de lecture vous informe: 16 films sur les dénonciateurs notables


L'idée de l'initié qui, malgré la pression des autorités, des employeurs, des familles et des amis, décide de faire la bonne chose et de faire exploser toute l'opération, a été à l'origine d'un drame assez formidable pour se lancer dans un demi-siècle maintenant. Le dernier ajout au canon est 'The Whistleblower', qui voit Rachel Weisz comme un agent de l'ONU qui risque tout pour dénoncer un scandale de trafic sexuel parmi ses collègues.



Bien qu'il implique encore une autre grande performance de l'actrice, le film n'est pas si chaud (lire notre critique ici), mais il y a beaucoup de meilleures options dans ce sous-genre infiniment fascinant, de Marlon Brando dans 'On The Waterfront' à Matt Damon dans «The Informant!» Alors, qu'est-ce qui rend ces histoires de délits d'initiés et d'informations clandestines si convaincantes? S'agit-il du subterfuge, du drame, de la toile emmêlée que nos héros tissent lorsqu'ils se retournent essentiellement contre l'institution qui jusque-là courtisait et comptait sur leur loyauté? Est-ce l'inspiration à tirer de la morale qu'une personne sensée peut vraiment faire la différence, malgré des chances insurmontables, si elle a la force de caractère? Ou est-ce simplement que, alors que des scandales éclatent chaque jour autour de nous et que notre confiance dans les anciennes institutions (les banques, l'église, le gouvernement, les médias) est de plus en plus érodée, nous nous tournons vers les films pour offrir une justice cinématographique et une responsabilité où trop souvent, il n'en existe pas dans la vie réelle. Ce sont des histoires dans lesquelles les individus font des choix difficiles, écoutent leur conscience et choisissent leur camp, risquant souvent la vie, les membres et la bonne opinion des personnes qu'ils aiment - que le lanceur d'alerte soit un héros ou un rat dépend, après tout, de votre argument de vue. Nous croyons peut-être moins que jamais à la bienveillance des sociétés, des organisations et de l'élite détentrice du pouvoir, mais tant qu'il y aura des David qui assumeront ces Goliaths, quels qu'en soient le coût et le résultat, il y a encore de l'espoir.

Vendredi (avec The Whistleblower) (et le sujet dans l'actualité, grâce au scandale sans fin qui se développe à News International), nous nous sommes plongés dans l'histoire du genre pour en trouver d'autres exemples notables. Découvrez-les ci-dessous.



'Tous les hommes du président' (1976)
L'un des plus grands films de journaux de tous les temps est également l'un des meilleurs films de dénonciation de tous les temps et facilement l'un des meilleurs films de sa décennie; 'Tous les hommes du président' est un classique paranoïaque durable. Basé sur le livre de fiction le plus vendu des reporters Carl Bernstein et Bob Woodward (joué dans le film de Dustin Hoffman et Robert Redford), le film d'Alan J. Pakula est un drame simple sur le démêlage d'une présidence qui joue comme un thriller de crackerjack. Comme tous les meilleurs films basés sur des faits historiques, nous savons que l'histoire (y compris la fin) n'enlève rien à l'expérience, qui grâce au scénario sans conneries de William Goldman et à la direction élégante mais jamais voyante de Pakula ( cette incroyable photo de la Bibliothèque du Congrès!), dégage sans effort une sensation de bord de votre siège. Le véritable dénonciateur, bien sûr, était Deep Throat (joué par Hal Holbrook), qui a fourni à nos journalistes intrépides les pièces de puzzle manquantes pour faire exploser le tout grand ouvert. En tant que personnage historique et personnage littéraire, il s'est révélé infiniment fascinant, inspirant une scène dans 'The Simpsons' et un personnage dans 'The X-Files' entre autres (le vrai Deep Throat n'a été dévoilé qu'il y a quelques années). «Tous les hommes du président» continuerait à être extrêmement influent sur l'un des chefs-d'œuvre les plus inégalés de la mémoire la plus récente - «Zodiac» de David Fincher (qui partage le compositeur «masculin», la salle de rédaction et même quelques blagues) . Mais contrairement à «Zodiac», «Tous les hommes du président» a une vraie fin. Et oh, quelle fin c'est. [UNE]



«Le syndrome de la Chine» (1979)
Sorti quelques semaines seulement avant l’accident nucléaire survenu à Three Mile Island, la réception du 'Syndrome de la Chine' a sans aucun doute bénéficié de son actualité et de son apparence de prescience. Mais le film tient toujours des années plus tard comme un thriller efficace et convaincant. Admirablement dépourvu d'embellissements inutiles comme une intrigue romantique ou un style de tournage trop délicat, il se concentre plutôt sur le journaliste de Jane Fonda, ambitieux de passer de la peluche à la dure nouvelle, après qu'elle et son caméraman (Michael Douglas) aient été témoins d'un nucléaire proche -disaster, qui n'est évité que de justesse par l'employé de l'entreprise Jack Godell (Jack Lemmon). La transition subséquente de Godell, de l'homme de compagnie en ligne à un enquêteur suspect, à un dénonciateur à juste titre paranoïaque, confère au film une grande partie de son pouvoir émotionnel, détaillant le bilan qu'une telle activité peut avoir sur un homme bon, qui est inévitablement traité comme un paria par des collègues inquiets. de ne pas secouer le bateau de leurs patrons. L'un des points forts du catalogue de réalisateur de James Bridges, il est dit que son style de film plus classique lui a fait perdre la faveur à l'ère des superproductions des années 1980. Mais cette retenue signifie que le film a bien résisté à l'épreuve du temps: dans son ton discret, il est presque l'archétype d'un film de dénonciation, mais il ne se sent jamais trop familier. Il a remporté des nominations aux Oscars pour Fonda et Lemmon, et aussi pour le scénario, mais ironiquement, Fonda a été battu par Sally Field pour «Norma Rae», un autre film de dénonciateur que nous n'avons malheureusement pas eu le temps d'inclure ici, dans un rôle Fonda elle-même avait refusé. [B +]

«Le jardinier constant» (2005)
Fernando Meireilles suivi de “; Cité de Dieu ”; commence par des clichés du paysage kenyan qui sont magnifiques - de façon obsédante, surtout lorsque vous réalisez que vous regardez les conséquences d'un meurtre. “; Le jardinier constant ”; ne perd pas une seconde à révéler la mort de l'activiste Tessa Quayle (Rachel Weisz dans une performance oscarisée), l'épouse du diplomate britannique sans importance Justin Quayle (Ralph Fiennes), mais il faut du temps pour comprendre les raisons derrière elle meurtre. Bien qu'il soit basé sur un roman de John Le Carré, “; The Constant Gardener ”; ressemble plus à de la poésie, manquant d'un récit linéaire et proposant des prises de vue parfaitement composées alternativement à partir d'un appareil photo portable tremblant et d'un steadicam lisse. La juxtaposition se poursuit avec ses thèmes et ses humeurs; il est à la fois tout à fait romantique et incroyablement réaliste, à la fois dans sa représentation du mariage de Tessa et Justin et dans la représentation de la pauvreté et de la corruption déchirantes au Kenya. Tessa est émue par ce qu'elle voit, et troublée lorsque les choses ne s'additionnent pas, et son enquête sur les problèmes qu'elle a découverts est reflétée par la propre recherche de réponses de son mari après sa mort. Weisz est captivante en tant que Tessa, mais elle est habilement soutenue par une Fiennes inhabituellement sympathique, ainsi que par ses collègues Danny Huston, Bill Nighy et Pete Postlethwaite. [UNE-]

«Dick» (1999)
Essentiellement “; Romy & Michele découvrir une vaste conspiration du gouvernement, ”; “; Dick ”; nous demande de réfléchir à ce qui aurait pu se produire si le lanceur d'alerte Watergate ‘ Deep Throat ’; ne pas était l'ancien agent du FBI W. Mark Felt, mais deux écolières stupides qui se sont produites par inadvertance pendant l'effraction pendant leur nuit à l'hôtel notoire. Loin de “; Melancholia ”; et “; Meek ’; s Cutoff, ”; Kirsten Dunst et Michelle Williams donnent des performances de jeu dans les deux rôles principaux, et bien qu'il ne ressemble physiquement pas à Tricky Dickie, Dan Hedaya donne l'une des meilleures performances de sa carrière en imitant les ramifications paranoïaques du président Nixon. Le film, cependant, n'atteint un point de convergence constant que lorsque Will Ferrell et Bruce McCulloch se présentent comme Bob Woodward et Carl Bernstein, se chamaillant comme un vieux couple marié, jetant le reste de cette comédie peu ambitieuse avec un soulagement net. Il y a des moments amusants en eux-mêmes - Williams ’; fantaisie de plage masturbatoire avec Nixon est quelque chose à voir - mais “; Dick ”; dilue le reste de la crise à une série de punchlines phalliques interminables et ignore toute tentative réelle de réduire la satire. Bien trop sachant pour être rejeté comme le cousin arriéré de “; All the President ’; s Men ”; - Les chiens morts de Nixon Checkers sont anachroniquement déplacés afin que les filles puissent étendre leur mandat en tant que conseillers secrets de la jeunesse de la Maison Blanche ”; - il n'est toujours pas assez intelligent pour s'engager sur autre chose qu'une légère nervure. Étant donné que le reste de la carrière du réalisateur Andrew Fleming a été au mieux sommaire (le remake mal avisé de “; The In Laws; ”; “; Nancy Drew ”;) nous devrions probablement tous être reconnaissants de ne jamais l'avoir suivi avec quelque chose comme “; Woody ”; - une comédie dramatique sur les tentatives du 28e président de concilier l'isolationnisme en plein essor de l'Amérique après la Première Guerre mondiale avec quelques blagues sur l'érection lancées pour faire bonne mesure. Et même s'il présente une scène du secrétaire général russe Leonid Brejnev qui négocie un accord de paix tout en trébuchant sur des brownies spatiaux et en chantant les premières mesures de “; Bonjour, Dolly!, ”; ce “; Dick ”; est encore massivement à moitié armé. [C +]

«Erin Brockovich» (2000)
Personne ne peut accuser Steven Soderbergh d'être un réalisateur d'une seule note. En 2000, il est sorti avec “; Traffic, ”; un exposé granuleux sur la guerre contre la drogue, et “; Erin Brockovich, ”; l'histoire vraie d'une mère qui travaille et qui tombe sur l'un des plus grands costumes de recours collectif de tous les temps. Le film a emmené Julia Roberts jusqu'à sa première (et probablement la dernière) victoire aux Oscars, mais cela a également prouvé que Soderbergh pouvait réaliser un joli profit pour les studios. Et en tant que film, il y a beaucoup à gagner, en particulier Roberts, qui est grand comme Brockovich, cuivré, argumentatif et passionné, un personnage immensément sympathique, qui ne se livre jamais à l'apitoiement sur ses propres circonstances difficiles, et dont le simple , la morale de bon sens et l'esprit vif prouvent plus qu'un match pour ses adversaires. Le personnage passe par des hauts et des bas, mais c'est une combattante, et il faudrait un cœur dur pour ne pas s'enraciner, pas seulement pour ses clients, mais pour elle personnellement, à la fin. Le film contient également un enfer d'un casting de soutien comprenant Albert Finney, Aaron Eckhart (dans son premier rôle de studio majeur) et Marg Helgenberger, mais c'est le film de Roberts et, comme le personnage qu'elle incarne, elle le domine, cette fois avec plus de juste son sourire de mille watts. Son succès a également eu une influence, donnant l'exemple à d'autres de faire entrer des femmes dans des entreprises, dont la plupart n'ont pas été aussi expertes. [UNE]

«Michael Clayton» (2007)
Scénariste / réalisateur Tony Gilroy ’; premier long métrage, “; Michael Clayton, ”; était l'un des films les mieux notés de 2007 et pour cause. Le script de Gilroy et le travail adepte derrière la caméra ont jeté une clé dans le genre de dénonciateur en se concentrant sur des personnages authentiques confrontés à de véritables énigmes morales, chacun faisant des choix discutables. George Clooney joue le personnage principal, un “; fixateur ”; dans un énorme cabinet d'avocats qui est appelé lorsque la merde frappe le ventilateur. Et a frappé le ventilateur qu'il fait quand son collègue Arthur Edens (Tom Wilkinson) découvre que l'un de leurs plus gros clients, U-North, savait que l'un de leurs produits chimiques était cancérigène. Face à un recours collectif paralysant, l'avocate interne d'U-North, Karen Crowder (Tilda Swinton), doit décider comment gérer Arthur et les informations qu'il a menacé de divulguer. La performance de Swinton (qui lui a valu un Oscar attendu depuis longtemps) n'était que l'un des nombreux tours stellaires qui emballent le film - le travail de Clooney est solide et intelligent, tout comme celui de feu Sydney Pollack en tant que patron de Michael ’ ;. Cependant, Wilkinson est assez brillant comme Arthur maniaco-dépressif qui a une rupture presque complète avec la réalité, mais pas avec sa morale. Le film a été nominé pour sept Oscars (dont le meilleur réalisateur, le scénario original et l'image), mais Swinton a été la seule victoire. Salutations de côté, “; Michael Clayton ”; est un examen fantastique des relations commerciales louches et du courage nécessaire pour les éliminer. Dans «Clayton», Gilroy, qui a ensuite réalisé le moins impressionnant & Duplicity ”; montre son talent de réalisateur et sa confiance dans l'intelligence de son public. [UNE]

«La méchante fille» (1990)
Bien que son titre et sa pochette en langue anglaise puissent suggérer le contraire, ce film ouest-allemand n'est pas méchant ou méchant du tout, un exploit particulier lorsqu'on le considère réalisé par quelqu'un nommé Verhoeven. Mais plutôt que d'arriver de “; Showgirls ”; Helmer Paul Verhoeven, “; The Nasty Girl ”; est dirigé par Michael Verhoeven (“; The White Rose ”;). Il suit Sonja (Lena Stolze), apparaissant d'abord comme un lycéen qui écrit sur la participation de sa ville au Troisième Reich pour un essai. Malgré l'insistance de ceux qui l'entouraient à ne pas aider dans les atrocités, Sonja découvre les péchés de l'histoire de la ville, la faisant être une paria parmi ceux qu'elle considérait comme ses voisins. Sonja devient obsédée par son enquête au cours d'une décennie, à la grande détresse de ceux de la ville qui souhaitent qu'elle se taise et reste en dehors du passé. Bien que cela semble standard, déprimant le prix de l'Holocauste, “; The Nasty Girl ”; est étonnamment léger et même amusant parfois, grâce en grande partie au style postmoderne de Verhoeven, qui permet à son héroïne de parler directement au public et qui, constamment, presque de manière ludique, brise le mur entre la réalité et le cinéma. Malheureusement, (probablement en tant que victime de la vente de Miramax) “; The Nasty Girl ”; n'est pas disponible sur le DVD de la région 1, malgré la nomination aux Oscars du meilleur film en langue étrangère. [B +]

«North Country» (2005)
Niki Caro ’; s “; North Country ”; est le type de film qui retient l'attention pour toutes les mauvaises raisons. Il présente Charlize Theron avec une mauvaise coupe de cheveux (encore une fois “; uglying down ”; pour un rôle comme elle l'a fait dans “; Monster ”;, bien qu'ici elle s'arrête avant de `` hideux '' et ne se contente que de `` dowdy ''), et fictive le premier sexuel procès pour harcèlement remporté par une mineuse qui avait subi les abus de la société minière à prédominance masculine. Les performances dans le film sont assez solides avec Theron faisant un travail compétent (mais pas nécessairement digne de la nomination aux Oscars qu'elle a obtenue) et un casting particulièrement solide de Frances McDormand, Richard Jenkins, Sissy Spacek, Woody Harrelson, Sean Bean et Jeremy Renner, fournissant une excellente sauvegarde. Dommage alors que le film ne se réunisse pas et ici le sujet sensationnaliste ne sert qu'à attirer l'attention sur le mauvais cinéma, coupable d'une sorte de prurience: l'aspect courtoisie du film est précipité au profit de la représentation de la femme mineurs subissant des abus à plusieurs reprises. Et tandis que nous sympathisons avec les difficultés rencontrées par ces femmes dans la réalité, dans le film, le dialogue est trop sur le nez, et l'imagerie métaphorique de forer dans la terre tout simplement trop ouverte pour rendre justice au sujet. [C-]

«Au bord de l'eau» (1954)
Longtemps en perspective, Elia KazanLe film était basé sur une série d'articles en 24 parties dans le New York Sun de Malcolm Johnson intitulée «Crime on the Waterfront» qui parlait de la corruption, de l'extorsion et du racket dans les chantiers navals de Manhattan et Brooklyn. Initialement écrit par Arthur Miller (à la demande de Kazan) et appelé 'The Hook', Kazan et Miller ont été poussés à changer les méchants de responsables syndicaux corrompus en communistes - Miller a refusé et 'The Hook' n'a jamais été créé. Dans l'intervalle, Kazan a avoué ses liens communistes et a nommé des noms au Comité de la Chambre sur les activités non américaines (HUAC) en échange de son droit de continuer à travailler (un fait qui fait de lui un personnage controversé à ce jour). Budd Schulberg (qui a également écrit 'The Harder They Fall' - voir ci-dessous - et était un autre 'témoin amical') a remplacé Miller, a ajouté les Commies et a remporté l'un des huit Oscars du film pour son problème. Tournée sur 26 jours à Hoboken, New Jersey, la production englobait les quais, les bidonvilles des travailleurs, les bars et les toits locaux, et plusieurs boxeurs réels figurent dans la distribution: tous ajoutant au réalisme et à la crédibilité du film fini . Marlon Brando, dans l'un de ses premiers rôles séminaux, joue Terry Malloy, dont le frère travaille pour le patron du syndicat connecté à la foule, Johnny Friendly. Pas l'étincelle la plus brillante, Terry fait ce qu'il a dit, y compris attirer un témoin dans une embuscade qui se termine par un meurtre. La conscience de Terry commence à lui arriver et de vieilles rancunes sont diffusées, ce qui conduit Terry à prononcer la réplique la plus célèbre du film pour faire honte à son frère de l'avoir poussé à se battre à ses débuts en tant que boxeur - «Je n'aurais pas pu être un concurrent.» Après son frère finit par mourir, Terry est exclu de la vengeance violente et témoigne à la place contre Friendly et reconquiert le syndicat et les quais pour les travailleurs. Pensé pour être l'explication de Kazan et Schulberg pour être eux-mêmes des témoins amicaux pour HUAC, c'était l'un des premiers films qui dépeignait un informateur héroïque, mais malgré les performances extraordinaires, l'accent répété sur le code moral du front de mer de «D et D» (« Sourds et muets ») et le coût du silence sont à peu près aussi subtils qu’un rocher à la tête. [B]

«Prince de la ville» (1981)
Même s'il se déclenche à 2 heures et 40 minutes, Sidney Lumet ’; s “; Prince of the City ”; se sent toujours, scène par scène, comme une œuvre admirablement dépouillée et économique de l'un des plus grands réalisateurs américains. Un drame policier avec une intention sérieuse et qui vibre principalement avec une chaleur morte inquiétante, il est également enclin à jeter des poches de violence physique et émotionnelle abjectes. Dans une certaine mesure, le film est le jumeau mature du réalisateur antérieur “; Serpico, ”; cette fois avec Daniel Ciello (Treat Williams), un officier courbé du NYPD qui décide à contrecœur de se rendre net et de tâtonner pour l'absolution morale, révélant la collusion de ses collègues avec le monde criminel de New York. Rien que dans la portée, c'est une réalisation étonnante. Scénarisé par Jay Presson Allen du livre de non-fiction du même nom écrit par l'ancien sous-commissaire du NYPD Richard Daley, ses thèmes résonnent au-delà des superficialités de ce qui pourrait autrement être une tape, du matériel familier, car il devient plus clair Ciello n'est qu'un pignon dans une machine laide et hypocrite, et lui et sa santé mentale de partenaire commencent à s'effilocher sur les bords. Les choses s'égarent peut-être dans la moitié arrière, et Williams ’; la performance hésite avec elle, ce qui rend la conclusion finale un peu plate, encadrée car elle est autour d'un drame de salle d'audience plutôt morose qui n'a pas la ténacité du prochain film de Lumet “; Le verdict. ”; Plus précisément, avec un casting de centaines de personnages mineurs en apparence, quiconque ne suit pas l'attention légale et servile du film dans le détail se perdra rapidement dans sa dense épicerie moralisatrice et narrative. Bien qu'un exposé de cette ampleur et de cette complexité ait depuis trouvé sa place naturelle dans les derniers jours dans le travail de David Simon avec HBO, à la fois sur “; The Wire ”; et fournir la source romanesque de “; Homicide: Life on the Street, ”; il est encore un peu déprimant que le cinéma n'ose pas s'aventurer dans ces eaux depuis, d'autant qu'il reste l'une des œuvres les plus difficiles et essentielles de Lumet. Un géant de la direction que nous avons perdu plus tôt dans l'année, son héritage semble plus vital que jamais. [UNE-]

'Serpico' (1973)
Frank Serpico, dont l'histoire a servi de base au film 'Serpico' réalisé par feu Sidney Lumet, a été le premier officier de police de la ville de New York à rendre compte de la corruption généralisée dans le NYPD. Au milieu de plans de New York, de l'imposant pont de Brooklyn aux rues sales et crasseuses qui rendent hommage aux films noirs du passé, l'histoire se déroule alors que Serpico va sous couverture pour dénoncer la corruption de ses collègues officiers, apprenant de première main la conséquences de la dénonciation. D'abord harcelé, puis menacé et finalement abattu d'une balle dans le visage, il était la preuve réelle que l'indicateur en croisade d'un homme est le traître d'un autre homme. Le Serpico du film est un flic idéaliste aux lignes droites et un gars non conventionnel qui est constamment exposé à la corruption et aux transactions illicites au sein de la force par un tas de méchants avec des badges. Ils veulent qu'il soit l'un d'eux, mais au lieu de cela il se replie sur lui-même, dans un premier temps plein d'espoir de simplement se tenir à l'abri du désordre en étant un bon flic et en refusant toute implication avec les meneurs. Mais le stress d'essayer constamment d'identifier les nuances de gris entre le bien et le mal lui fait des ravages, et il semble finalement témoigner devant la commission NAPA sur les gains et la corruption. Le film colle aux faits de la vie de Serpico, l'ex-flic supervisant même sur le plateau, avant d'être renvoyé par Lumet, qui craignait de rendre les acteurs conscients. Cela ne semble pas avoir affecté la performance de Pacino, cependant: il est l'un de ses meilleurs, lui remportant un Golden Globe et une nomination aux Oscars, et sert maintenant de rappel sommaire des talents incroyables actuellement mis à profit dans Adam-Sandler-Films In-Drag. [UNE]

«Silkwood» (1983)
Comme expliqué dans le commentaire conjoint exceptionnel des cinéastes Mike Nichols et Steven Soderbergh sur «Catch-22» de Nichols, le mélodrame politiquement chargé «Silkwood» a été le premier film dans lequel Nichols a expérimenté toute une série de coupes, rompant avec le long, un appareil photo fluide et une coupe minimale qui avaient défini son travail jusque-là (y compris «Catch-22»). Ce que ce style éditorial ajoute à «Silkwood» est un sentiment d'urgence - des murs se fermant autour de Karen Silkwood alors qu'elle travaille (à la fois avec le gouvernement et plus tard de manière indépendante) pour exposer les méfaits potentiellement nuisibles dans l'usine de plutonium où elle travaille. En tant que film de dénonciation, ce sont des as - Streep est remarquablement sans ego dans la performance principale (cela lui a valu une nomination aux Oscars) - et il s'allume vraiment quand il équilibre délicatement les éléments familiaux les plus maudins et émotionnels (Kurt Russell est génial comme Streep's mari tendu) avec les problèmes percutants de l'époque (en 1983, l'énergie nucléaire était à peu près aussi chaude qu'elle l'a été). Il convient de noter, cependant, qu'en dépit de son actualité, il ne semble pas particulièrement daté aujourd'hui (bien que pouvez-vous croire qu'ils ont trahi la fin de l'affiche de théâtre originale? À quoi pensaient-ils?). Le script, basé sur une histoire vraie et co-écrit par Nora Ephron, est le plus efficace lorsqu'il souligne que le personnel est vraiment politique et que certaines choses valent vraiment la peine d'être combattues (et potentiellement de mourir). Aussi: c'est probablement le seul film sur notre liste à inspirer une phrase populaire: la «douche en bois de soie», nommée d'après la procédure de décontamination dans le film, est souvent mentionnée lorsque quelqu'un a un raccordement moins que propre et doit se rincer propre de la saleté (à la fois littérale et spirituelle). Nous avons tous été là… [B +]

«Plus ils tombent fort» (1956)
L'adaptation cinématographique du roman du même nom de Budd Schulberg, «Plus ils tombent fort'Est un riff sur la carrière de Primo Carnera, qui, bien que terriblement grand, n'était apparemment pas un si grand boxeur, avec des rumeurs circulant selon lesquelles sa carrière a été forgée à partir de combats fixes. 'The Harder They Fall' est probablement plus connu pour être le dernier film de Humphrey Bogart avant sa mort en 1957 qu'autre chose, et oui, le rôle est pur Bogart: celui d'un solitaire cynique suivant ses propres règles de ce qui est juste et mal. Au lieu de son personnage principal de PI, dans ce film noir, il joue le journaliste sportif Eddie Willis, un personnage basé sur l'écrivain de boxe et promoteur d'événements Harold Conrad. Forcé entre un rocher et un endroit difficile financièrement après la chute du journal pour lequel il écrivait, il est contraint de faire connaître un nouveau boxeur argentin géant Toro Moreno, pour le promoteur tordu Nick Benko. Après avoir développé un lien avec le boxeur à l'esprit lent et sans talent, il le renvoie à la maison avec la pâte de Benko, a gagné des paris contre Toro dans un combat au cours duquel il a été brutalement mis KO. À la fin, Willis affronte Benko et commence à écrire pour l'exposer et la corruption généralisée du monde de la boxe. 'The Harder They Fall' est un drame de boxe en coulisse sous-estimé, et sa valeur dépasse celle de son homme principal. [B +]

'L'initié»(1999)
'Heat' a peut-être attiré le plus d'attention, comme pour Robert De Niro et Al Pacino pour la première fois (et c'est sans aucun doute un excellent film), mais demandez-nous quel est notre film préféré de Michael Mann, et nous devrons penchant vers son saisissant basé sur les faits 'The Insider'. Passant dans les coulisses des procès pour tabac des années 1990, il se concentre sur la relation entre le producteur de CBS Lowell Bergman (Pacino) et l'ancien cadre du tabac Jeffrey Wigand (Russell Crowe), qui accepte de dénoncer après avoir été licencié, mais est bloqué à chaque tour par ses anciens employeurs. Grâce à un scénario de Mann et Eric Roth qui rend les complexités juridiques totalement claires, tout en restant saisissant, le coût humain de ce que fait Wigand ne nous échappe jamais. Mann est également au top de sa forme, donnant à ce qui pourrait être un drame bavard un zip visuel, avec certaines des meilleures œuvres de Dante Spinotti, et la partition de Pieter Bourke et Lisa Gerrard, est obsédante. Mais ce sont les performances qui le font vraiment chanter: c'est l'une des performances les plus sobres de Pacino ces dernières années, avec Shouty Al levant rarement la tête, et Christopher Plummer est formidable en tant qu'ancre Mike Wallace. Mais le MVP est Russell Crowe. Jouant 20 ans de plus que son âge (dans une partie initialement réservée à Val Kilmer, prétendument), il est presque méconnaissable de la machine à tuer agile qu'il serait vu comme six mois plus tard dans 'Gladiator', ici, il vend vraiment Wigand comme une personne fondamentalement bonne avec une séquence sombre, et il est impossible de ne pas ressentir de sympathie pour lui alors que sa vie s'écroule autour de lui. [UNE]

“; L'informateur! ”; (2009)
Ayant déjà réussi avec une image de dénonciateur basée sur des personnages assez simple dans 'Erin Brockovich' et réalisant sagement 'The Insider' est toujours un jalon intouchable dans ce genre, Steven Soderbergh a réalisé le seul point d'entrée logique pour l'histoire de la rage de fixation des prix agricoles -le conte de Mark Whitacre était par la comédie. Endetté envers les années 70 à plus d'un titre - la partition hilarante et loufoque de Marvin Hamlisch, les cartes de titre de police groovy et le récit non traditionnel rempli de crises de caractère mineures - 'The Informant!' Est un hommage amusant à cette époque. Avec un Matt Damon corpulent en tête en tant que bio-chimiste gai et bipolaire du Midwest, l'image ne suit pas une structure en trois actes autant qu'elle ne fait que superposer des fibres sur un gigantesque mensonge enveloppé dans une fabrication ridicule; assez tôt, il est impossible de dire ce qui est un fait ou une fiction. Mis à part la partition et la voix off hors sujet sournoisement malicieuse, Soderbergh joue le tout délicieusement droit et sans détour, et Damon semble aimer jouer l'apogée de narrateurs peu fiables qui pensent en fait qu'il est une sorte d'espion. Le tout est complété par un casting solide qui exprime divers niveaux d’incrédulité et de ridicule - Melanie Lynskey en particulier fait un travail subtilement fort en tant qu’épouse solidaire de Mark. Assez peu orthodoxe pour être généralement en décalage avec le public moderne (il n'a pas vraiment nettoyé au box-office), néanmoins, 'The Informant!' Est un petit riff diaboliquement drôle et une autre image dans une longue lignée de Soderbergh -expérimentations dans un sous-genre. [B]

cinématographie de dame oiseau

«Le dénonciateur» (1987)
Mâle et bourru par parties et se sentant plutôt daté en raison de sa préoccupation étouffante avec le système de classe britannique, 'The Whistle Blower' a une chose énorme qui va pour lui: la performance de Michael Caine. Peut-être parce qu'il est là depuis si longtemps, a été dans un bon nombre de puants absolus et est si éminemment impersonnel (qui parmi nous n'est pas coupable d'avoir risqué l'étrange 'vous étiez seulement censé souffler les portes sanglantes'), c'est en quelque sorte facile d'oublier que sous les manières, l'accent, le statut de «trésor national», il y a un acteur vraiment bien. Que sa performance élève une exposition par ailleurs plutôt turgide des doubles relations avec les services secrets britanniques et du snobisme de classe en quelque chose d'observable et parfois même convaincant n'est pas un mince éloge: il apporte une réelle subtilité, retenue et dignité à son interprétation de Frank Jones, un ex- militaire révélant la corruption et la politique amorale qui ont conduit au meurtre de son fils. S'il est abordé comme un drame humain, le film fonctionne donc beaucoup mieux que comme un thriller - il s'agit autant de la désillusion de Jones envers son gouvernement et de sa compréhension croissante, si tardive, de la politique de son fils que des poursuites en voiture ou des jeux d'espionnage. . Une foule d’acteurs de personnages britanniques apportent un soutien compétent, même si la plupart du temps dans des rôles plutôt à une seule note: James Fox, Gordon Jackson et John Gielgud ne sont jamais moins que bon marché, mais c'est le spectacle de Caine et il le vole. Sa représentation petite mais dévastatrice d'un homme en deuil de la perte d'un fils, et d'une foi pour laquelle il avait combattu et tué auparavant, doit se classer parmi les meilleurs moments de l'acteur à ce jour. Dommage que le reste du film échoue. [B-]



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