Rétrospective: les films de Werner Herzog

Peu de cinéastes ont eu une carrière aussi variée ou colorée que Werner Herzog. Un homme que François Truffaut, qui devrait connaître, appelait jadis «le réalisateur le plus important du monde», Herzog élimine les classiques, tant dans le monde de la fiction que du documentaire, depuis plus de 40 ans maintenant. Peut-être encore mieux connu pour sa relation tumultueuse avec Klaus Kinski, avec qui Herzog a produit plusieurs de ses meilleurs films, l'œuvre du réalisateur va bien au-delà de ces cinq, des classiques mineurs aux documentaires révélateurs, des classiques du cinéma allemand à une star. remake piloté d'un film d'Abel Ferrera.



Les histoires en coulisses sont presque aussi connues que ses films. Aucun autre réalisateur ne ferait un pari avec le réalisateur de documentaires Errol Morris que si celui-ci terminait et projetait son projet «Gates of Heaven», il mangerait sa propre chaussure - et pourtant Herzog a non seulement fait le pari, mais a suivi quand Morris a gagné : l'acte est capturé dans le court métrage documentaire, simplement intitulé 'Werner Herzog mange sa propre chaussure'. Aucun autre réalisateur, au milieu d'une interview à la BBC, n'a pu être abattu par un agresseur inconnu avec une carabine à air comprimé, uniquement pour écarter l'incident , en disant, dans le vrai style Herzog-ian, 'Ce n'est pas une balle importante.' Et quand Joaquin Phoenix a renversé sa voiture à Los Angeles en 2006, qui serait le seul candidat naturel à être l'homme qui a sauvé l'acteur excentrique? Werner Herzog.

Mais ce sont ses films qui devraient toujours être au premier plan de la discussion, et, avec le dernier de Herzog, le documentaire 3D 'Cave of Forgotten Dreams' sort aujourd'hui en salles, et nous en avons profité pour revenir sur sa longue carrière. Le nouveau projet est peut-être loin de son meilleur travail, mais il y a une raison pour laquelle Herzog est plus respecté maintenant qu'à aucun moment de sa carrière - son œuvre est l'une des plus éclectiques et fascinantes que tout réalisateur puisse avoir. Vérifiez-le après le saut.



“; Même les nains ont commencé petit ”; (1970)
Laissant sa marque sur des cinéastes comme David Lynch, Crispin Glover et Harmony Korine, l'allégorie de l'emprisonnement de 1971 de Werner Herzog, mettant en vedette un groupe de nains allemands, est désormais présentée comme un chef-d'œuvre cauchemardesque et étranger. Mais à sa sortie, il a enragé les critiques qui pensaient que le réalisateur exploitait ses sujets, et dépeint des actes de cruauté envers les animaux de combats de coqs et de crucifixion de singe (non, vraiment) pour ce qui ne semblait pas être une bonne raison. Sortant des talons de son premier film à succès «Signs Of Life» (1968), l'image a confondu et scandalisé ceux qui avaient précédemment salué son travail inaugural. Comme un rêve surréaliste étrange et pourtant en partie documentaire, «Même les nains ont commencé petit» se concentre sur un groupe de petites personnes institutionnalisées, qui se rebellent, tentent de tout détruire autour d'eux tandis que le directeur de l'institut tient en otage un de leurs plus petits membres en espérant le insurgés pour se calmer. Peut-être que la suite spirituelle démente de 'Freaks' de Todd Browning, l'image persistante et bizarre est toujours l'un des favoris personnels de Herzog, et il a dit que son chef-d'œuvre amazonien bien considéré 'Aguirre: The Wrath Of God', est 'comme un jardin d'enfants en comparaison. «Avec des poulets cannibales, des petits aveugles maltraités et un chameau qui semble voué à l'indécision de s'agenouiller ou de se tenir debout, les« Nains »ne sont peut-être pas choquants par rapport aux normes modernes, mais sont toujours une histoire obsédante et puissante de nihilisme, de folie et de rage. [B]



“; Fairy Morgana ”; (1971)
Constamment cité comme un film sœur des bien meilleures «leçons de l'obscurité», ce document sur le désert du Sahara ne peut exister que pour justifier l'importance de la personnalité Herzog - quelque chose que nous pouvons considérer comme acquis maintenant, vu sa présence unique. est maltraité dans les mèmes sur Internet comme une sorte de Chuck Norris amélioré. 'Fata Morgana' (ce qui signifie mirage) a tous les ingrédients d'un doc Herzog typiquement magique - de beaux plans de suivi améliorés par de la musique d'opéra (plus les occasionnels Leonard Cohen chanson), des moments étranges avec les sujets, une narration poétique - mais il manque un ingrédient clé: l'énergie du cinéaste dégagée par sa narration ludique. Au lieu de cela, nous sommes pris par la voix de la critique de cinéma franco-allemande Lotte Eisner, qui lit les réflexions du réalisateur comme si elle était en deuxième année et forcée de lire ses devoirs devant la classe. Ceci, avec la durée de fonctionnement prolongée (bien que 79 minutes ne soient pas longues du tout, il est connu pour les régner beaucoup plus tôt), rend le film un peu pénible à passer. Pourtant, les clichés sont magnifiques et la perspicacité dans la communauté voisine est profondément humaine. Il ne résiste certainement pas bien par rapport à son tarif ultérieur, mais cela ne signifie pas qu'il devrait être complètement discrédité. [C +]

“; Aguirre, La colère de Dieu ”; (1972)
Il ne s'agit jamais de la destination dans un film Herzog, mais plutôt du voyage. Et aucune descente dans la folie n'a été autant méticuleusement capturée sur le film que la dépression mentale qu'est l'obscurité de Lope de Aguirre. Alors que l'explorateur maniaque est déterminé à trouver la ville d'or perdue, Klaus Kinski donne une performance alimentée presque entièrement par les rêves de fièvre d'un maniaque, alors que son conquistador déchaîné mène ses charges vers une mort presque certaine, poursuivant non pas la richesse, mais le pouvoir absolu un homme peut tenir son poing. C'était la première de plusieurs collaborations presque meurtrières entre le duo mémorable, bien que si vous ne saviez rien de leur relation volatile, vous sentiriez que ce film présente leur équipe finale. Tourné dans des endroits dangereux de la vie réelle dans la forêt tropicale péruvienne, “; Aguirre ”; ressemble moins à un film et plus à l'expérience de marcher sur une corde raide sur des éclats de verre déchiquetés, la poussée et la traction entre Herzog et l'absolue détermination dans les éléments (accompagnées d'un score obsédant de Popol Vuh) et Kinski et rsquo; s horrible horloge d'une performance créant une grandeur fulgurante qu'aucune autre équipe de cinéastes-acteurs n'a pu commencer à accomplir. [A +]

“; L'énigme de Kaspar Hauser ”; (1974)
C'est une histoire racontée assez souvent - celle de l'enfant sauvage retrouvé dans le désert, bientôt domestiqué - mais laissez à Werner Herzog le soin d'ajouter une toute nouvelle tournure. Jamais critique, l'approche de Herzog est d'éclairer ses acteurs et personnages de la même manière distanciée et particulière. Kaspar Hauser, enchaîné au sol à l'intérieur d'une cellule, est bientôt attiré à l'extérieur, où la caméra étudie à la fois ce nouveau venu sociétal décousu et le cirque (à la fois littéral et figuratif) de la même manière curieuse et maladroite. Au fur et à mesure que Hauser évolue, il devient l'élément le moins particulier de son propre style de vie, car l'accent mis par Herzog fait que les tribulations de Hauser semblent banales et que les activités de la civilisation “; civilisée ”; à une danse encore plus aliénée. “; L'énigme ”; semble être la fascination d'Herzog pour la façon dont certaines normes sont acceptées si elles ne sont pas expliquées, et comment certaines valeurs que nous nous inculquons pour apparaître comme «normales» ”; sont arbitraires et dénués de sens, Kaspar étant au centre de ce qui finit par être la tentative d'un auteur de rationaliser le monde irrationnel qui l'entoure. [UNE-]

“; Coeur de verre ”; (1976)
À l'heure actuelle, de nombreuses méthodes et histoires bizarres du réalisateur concernant ses films sont peut-être plus largement connues que le film lui-même. Tel est le cas de «Heart of Glass» - qui se déroule dans la Bavière du XVIIIe siècle, une communauté locale est plongée dans le désarroi lorsque le seul souffleur de verre détenant le secret de la production de leur «verre de rubis» vitré est décédé. La grande histoire ici est que Herzog, afin d'obtenir des performances de transe d'une société qui tombe dans la folie, a tourné le film entier avec la plupart des acteurs sous hypnose. Mais ne nous laissons pas emporter par les éléments du processus, concentrons-nous sur le produit final: bien qu'il n'ait pas la cadence la plus rapide, le film entier a une étrange tension qui le traverse, et la fascination de l'appareil photo pour le processus du verre le soufflage est absorbant. Il y a aussi la cinématographie incroyablement sombre et de mauvaise humeur - elle ressemble parfois à une planète extraterrestre terrifiante, faisant 'Nosferatu le vampire' de Herzog sembler léger en comparaison. Ce n'est pas un film parfait et certainement rude sur les bords, mais c'est, comme la plupart de son œuvre, une expérience unique qui ne peut être trouvée nulle part ailleurs ni par personne d'autre. [B]

“; Stroszek ”; (1977)
Alors que les premiers travaux de Werner Herzog ont tendance à être marqués par une bizarrerie outrancière («Même les nains ont commencé petit», «Kaspar Hauser») ou des performances de type fou (les années Klaus Kinski), le «cinéaste allemand» «Stroszek» est un film relativement calme. , un drame nuancé et assez efficace sur un trio d'Allemands essayant de se rendre en Amérique et d'apprendre rapidement la terre de l'opportunité n'est pas simplement pavé d'or pour la cueillette. Bruno S., le bien-aimé de Herzog (la star idiote savante de 'Kaspar Hauser'), incarne Bruno, un ancien malade mental qui tombe avec une prostituée maltraitée par ses proxénètes hirsutes. Bruno, Eva (Eva Mattes) et un vieil homme prennent également une raclée pour avoir tenu compagnie avec elle, et un vieil homme décide de partir pour l'Amérique pour échapper à leurs malheurs, mais bientôt les saisies, la faillite et les réalités de la vie se multiplient. Un sombre et pessimiste commenter l'illusion du rêve américain, «Stroszek», est toujours une chronique empathique faite d'espoirs et de rêves anéantis, et à la fin, l'absurdité comique de tout cela. [B +]

«Nosferatu The Vampyre» (1979)
Les remakes ont toujours une stigmatisation attachée avant même qu'ils ne sortent, les fans tenant certains films fermement contre leur sein comme s'ils étaient des descendants délicats et précieux. S'il y avait une production qui était non seulement complètement dépourvue de ces sentiments, mais plutôt moussée d'excitation, ce serait ce joint Werner Herzog / Klaus Kinski. S'inspirer de MurnauLe classique du cinéaste fait son propre chef-d’œuvre en négligeant le matériau source de «Dracula» et en ouvrant le film muet pour voir ce qui l’a fait fonctionner. Cette nouvelle version contient le même principe, à la suite de l'agent immobilier Jonathan Harker (Bruno Ganz) lors de sa visite chez le comte Dracula (Kinski) afin de régler une vente de propriété. Après quelques cauchemars inquiétants (également partagés par sa femme Lucy, interprétée par Isabelle Adjani, à la maison), Harker découvre qu'il est un vampire et utilisera la terre pour puer la terreur dans les environs. Malheureusement, Dracula décolle dans la nuit pour réclamer son terrain nouvellement acheté, laissant Harker enfermé dans le château et tout le monde complètement vulnérable. La puissante maîtrise du matériau par Herzog le place au-dessus de votre tarif de vampire standard, permettant aux magnifiques régions de la Tchécoslovaquie et des Pays-Bas de dévorer chaque image. L’histoire est racontée à la fois silencieusement et à distance avec un courant sous-jacent de crainte inquiétante, quelque chose qui est immédiatement cassé une fois que la possession confiante de Dracula par Kinski se faufile à l'écran. Une union très réussie entre une image de genre et une épopée, 'Nosferatu the Vampyre' est une expérience tellement captivante et satisfaisante qu'elle rend les romans du réalisateur plus récents, plus satiriques et plus décevants. [UNE]

«Woyzeck» (1979)
Une adaptation étonnamment fidèle de la pièce de George Büchner (ou aussi fidèle que possible pour une pièce qui ne survit qu'en fragments, qui peut être jouée dans plus ou moins n'importe quel ordre), la photographie sur «Woyzeck» a commencé seulement cinq jours après le tournage «Nosferatu The Vampyre», et l'épuisement transparaît certainement sur sa star Klaus Kinski (un échange de dernière minute pour Bruno S de «Kasper Hauser») - l'acteur s'est peut-être spécialisé dans la folie, mais il n'a jamais l'air aussi proche du bord comme il le fait ici. Mais d'une certaine manière, Herzog ne semble pas intimidé - le film a été tourné en seulement 18 jours et monté en 4, et ce rythme se reflète dans le film fini, qui est l'un des plus rapides et des plus serrés du réalisateur. Mais ce n'est pas l'un des meilleurs, malheureusement. Les performances sont certainement frappantes - Eva Mattes a à juste titre remporté le prix de la meilleure actrice dans un second rôle à Cannes pour ses performances en tant que maîtresse de Woyzeck - mais le film est l'esclave de sa forme, n'échappant jamais tout à fait à une certaine qualité chancelante, tout en échouant vraiment à creuser au cœur de la jouer. Comme toujours avec le réalisateur, cependant, ce n’est jamais inintéressant et, même s’il s’agit d’un travail mineur, il a beaucoup à recommander - en particulier la fin inoubliable. [B-]

“; Fitzcarraldo ”; (1982)
De maladie de plâtre, refonte (Jason Robards et Mick Jagger étaient les pistes à l'origine), les re-shoots, les lacunes budgétaires, 'Fitzcarraldo' doit avoir été l'un des tournages de films les plus délicats jamais enregistrés, en particulier compte tenu du fait qu'il tournait dans la jungle péruvienne imprévisible, et mettant en vedette un Klaus Kinski encore plus imprévisible comme Brian Sweeney Fitzgerald, alias Fitzcarraldo. L'histoire derrière celle-ci est celle d'un homme qui, bien qu'il soit sans le sou, est obsédé par la construction d'un opéra dans la jungle amazonienne, et est une histoire apparemment sur mesure pour les propres préoccupations de son directeur. Le fait qu'il s'agissait de déplacer un navire de 300 tonnes et plus sur une montagne sans l'aide d'effets spéciaux n'était qu'un bonus et est encore aujourd'hui l'une des tâches les plus tristement célèbres de l'histoire du cinéma - et un autre cas de Herzog défiant la nature, et le bon sens, dans la poursuite de sa propre vision. Les parallèles entre le protagoniste et Herzog sont impossibles à ignorer car ils partagent tous deux un dévouement inébranlable à des poursuites apparemment impossibles. Kinski joue l'une de ses performances les plus charmantes en tant que Fitzcarraldo enthousiaste et sincère, ajoutant des notes tendres, à son entreprise obsessionnelle contre toute attente. «Fitzcarraldo», se révèle-t-il, est le propre style de Herzog de note de purée à l'amour obsessionnel et lui a valu un prix du meilleur réalisateur au Festival de Cannes. [UNE]

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'Green Cobra' (1987)
La dernière collaboration entre Herzog et Kinski, et le film qui a finalement dissous leur relation toujours tumultueuse, est également la moins louée et la moins connue - elle n'est même pas sortie aux États-Unis jusqu'en 2007, remarquablement. Mais c'est quelque chose d'un joyau caché parmi leurs équipes. Basé sur le roman de Bruce Chatwin 'Le vice-roi de Ouidah', il s'agit en grande partie d'une œuvre complémentaire à 'Aguirre' et 'Fitzcarraldo', faisant de Kinski un éleveur brésilien devenu hors-la-loi qui s'implique dans la traite négrière en Afrique. Comme toujours, la star est extraordinaire, même s'il est particulièrement dérangé ici, frôlant de devenir une force animalière de la nature à certains moments, et parfois, Herzog lui correspond dans les enjeux gonzo - la ruée de l'imagerie, quelque part entre un western spaghetti et ' Apocalypse Now », est brutal, mais beau. Le film vacille si près du bord qu'il risque fréquemment de basculer, il n'est donc jamais aussi satisfaisant que ses homologues antérieurs - l'intrigue n'est jamais vraiment cohérente et, même s'il est sans doute le plus politique des films d'Herzog, il se sent une touche tactile quand il ne touche à la traite des esclaves. Mais il y a aussi plus d'éclat ici que dans 90% des films, et cela mérite certainement une réévaluation. [B +]

“; Leçons d'obscurité ”; (1992)
D'une durée de 40 minutes, le documentaire de Werner Herzog sur les champs pétrolifères en Irak est comme une suite spirituelle au document de 1974 «Fata Morgana», mais alors que ce documentaire a tendance à traîner, ce poème tonaliste en grande partie silencieux prend une allure hypnotique et qualité méditative avec coup sur coup de champs de pétrole en feu faisant rage et tirant vers le ciel, comme un diable noir de suie créé par le mépris de l'humanité et son mépris l'un pour l'autre. Les éco-défenseurs n'ont qu'à pointer vers ce document pour illustrer les risques de guerre et de catastrophes mondiales. Un moment de vérité extatique incroyable est une voix off rare de Herzog, qui pose parce qu'ils sont «consommés par la folie», les pompiers rallument l'un des puits de pétrole qu'ils ont éteints. Parfois, vous devez combattre le feu par le feu, mais n’essayez pas de le dire à M. Herzog. [B-]

“; Little Dieter a besoin de voler ”; (1997)
Avant Christian Bale et «Rescue Dawn», il y avait «Little Dieter Needs To Fly», un documentaire sur Dieter Dengler, comme Herzog, un expatrié allemand qui a émigré aux États-Unis dans le Deutchland WW2 post-décimé, pour réaliser ses rêves de être d'être pilote. Rejoignant l'armée de l'air et finalement autorisé à voler au moment où le Vietnam se déplaçait, Dengler a été abattu lors de sa première mission au Laos, a survécu et a été torturé et pris en otage dans un camp de prisonniers de guerre, avant de s'enfuir miraculeusement. Son histoire de survie déchirante et apparemment impossible est d'un million et un, et il n'est pas étonnant que Herzog - qui voyait clairement Dengler comme un esprit de famille - ait transformé son expérience en un long métrage dix ans plus tard en hommage à son ami décédé. 2001, à l'âge de 62 ans. Une histoire exténuante de punition et de survie, dont Herzog fait revivre Dengler en le ramenant au Laos et en Thaïlande pour raconter son calvaire, «Little Dieter» est aussi un document absorbant et plein d'espoir sur la volonté vivre et la force de supporter malgré des chances insurmontables. [B +]

«Mon meilleur démon» (1999)
Deux décennies après la mort de ce dernier, la relation entre Werner Herzog et Klaus Kinski, qui a joué dans cinq des films du réalisateur, domine toujours toute discussion sur la carrière de Herzog. Ils ont sans doute fait ressortir le meilleur les uns des autres sur le plan professionnel, mais leur relation pourrait être généreusement décrite comme «ardente» - dans son autobiographie, Kinski a qualifié le réalisateur de «misérable, haineux, malveillant, avare, avide d'argent, méchant, sadique, perfide et lâche. »Dans son hommage à son ennemi, Herzog, naturellement, affirme que la description littéraire était en partie son idée, tout en admettant qu'il avait sérieusement comploté pour tuer l'acteur plus d'une fois. 'My Best Fiend' est une bizarrerie - à certains endroits, peut-être parmi les œuvres émouvantes et émouvantes de Herzog, alors qu'il rend hommage à un homme qui lui manque clairement, même s'il montre des images de Kinski en train de se déchaîner et de délirer à un degré terrifiant. Mais c'est aussi étrangement égoïste - un cas d'histoire écrit par le vainqueur, ou au moins par le dernier homme laissé en vie, il se sent nettement à sens unique, et vous sentez que Kinski serait plutôt fané par le projet. Et puis éventuellement essayer de vous mettre le feu. Dans le même temps, vous êtes impressionné par le talent de l'acteur et sa folie, qui était sans aucun doute l'objectif d'Herzog avec le projet. [B-]

“; Ailes d'espoir ”; (2000)
Un documentaire télévisé peu vu de 2000, “; Wings of Hope, ”; mérite autant d'attention que tout autre documentaire de Werner Herzog, puis certains, bien que thématiquement très similaire à celui de 1997, Little Dieter Needs to Fly. ”; Perpétuellement attiré par l'appel de la jungle amazonienne, il semble, ‘ Hope ’; retrouve Herzog dans les profondeurs de la forêt tropicale sud-américaine pour documenter et raconter une histoire étonnante et déchirante de survie. Cette fois, il raconte l'histoire de la femme allemande Juliane Köpcke, la seule survivante du vol péruvien LANSA Flight 508 qui s'est écrasé en Amazonie en 1971. Comme «Dieter», Herzog ramène Köpcke dans la jungle et à l'endroit même où l'avion s'est écrasé - ils trouvent même des restes de l'avion - et elle revit, au moins dans son esprit, sa douloureuse épreuve. Voyager 10 jours à pied sans nourriture ni eau, et avec des asticots vivant et purulente dans ses coupures, Köpcke a finalement traversé une rivière qui l'a amenée à trois hommes qui l'ont sauvée. Certes, son ton est très similaire à celui de 'Dieter', mais si vous n'aviez pas vu le film précédent en premier, vous pourriez être tout aussi fasciné et impressionné à la fin. Herzog semble plier ici et là des vérités subtilement tracées sur des morceaux de musique transcendants, mais les moments sont tellement profonds et magnifiques, il est difficile de discuter avec ses techniques avec des résultats aussi glorieux. [B +]

“; Invincible ”; (2001)
La vérité n'a pas d'importance pour Werner Herzog, qui poursuit sagement les vérités innées de notre humanité à travers le celluloïd, même lorsqu'il s'agit d'histoires assez concrètes. Un exemple de ceci est la réinvention du Samson juif, Zishe Breitbart, non pas comme une icône culturelle significative des années 1920 mais plutôt comme un acteur important dans les tensions croissantes entre le Parti juif et le parti nazi, dépassant la chronologie de Breitbart ’ ; s la mort plus proche de l'Holocauste. Malgré un changement assez superficiel, cela illumine à la fois la notion de Herzog selon laquelle Breitbart, un homme fort polonais imposant, était une œuvre d'art ambulante, et l'idée que les nazis tuaient des milliers de personnes mais détruisaient également des idées. “; Invincible ”; présente plusieurs digressions alors que Herzog, particulièrement volage, s'ennuie avec son sujet, y compris des détours constants dans la vie du propriétaire de cabaret juif Hanussen (un Tim Roth discret), et un bref aperçu de la vie marine locale qui attire la fantaisie de Breitbart. Nous ne sommes rien sinon des créatures aquatiques, Herzog semble argumenter, incapables de contrôler notre destin. [UNE-]

«Le diamant blanc» (2004)
Les films les plus dangereux de Werner Herzog - comme l'homme confronté à un ours dangereux, ou Nic Cage étouffant les vieilles femmes dangereuses - ont tendance à rassembler les plus grandes foules, mais vraiment, ce sont les interrogations les plus introspectives de Herzog sur la relation compliquée de l'homme avec la nature qui persistent le plus longtemps dans notre conscience. Son carnet de voyage arctique attachant et subtil, 'Rencontres au bout du monde', en est un bon exemple, et 'The White Diamond', un voyage enivrant et magnifique à travers la forêt tropicale de la Guyane par le biais de Jungle Airship, pourrait être le meilleur de ses documents dans les années 00. Il associe son profil faunique prêt pour le National Geographic à une étude de caractère douloureusement personnelle; dans ce cas, le fou d'Herzog combattant les probabilités est le Dr Graham Dorrington, un ingénieur de l'aviation qui se lance dans un voyage aux chutes Kaieteur en Guyane pour étudier la canopée de la forêt tropicale. Dans l'ambition de Dorrington (modeste par rapport aux autres prototypes Herzog), le cinéaste évoque son thème classique de la lutte de l'homme pour parvenir à la symbiose avec la nature. Mais il y a un chant douloureux (comme en témoigne la mémoire persistante d'un ami décédé) qui est quelque peu rare dans l'œuvre de Herzog. Sa cinématographie est également imprégnée d'une beauté chatoyante appropriée à ce joyau souvent négligé dans le canon de l'un de nos cinéastes les plus polyvalents. [UNE]

«Grizzly Man» (2005)
Le documentaire pervers, drôle et profondément touchant de Werner Herzog sur Timothy Treadwell, un monstre de la nature mangeur de granola et amoureux de la presse qui veut être absorbé dans le style 'Livre de la Jungle' dans une famille d'ours grizzlis. Bien que cela puisse être la mise en place d'un documentaire bizarre, mais réconfortant, «Grizzly Man» est vraiment une tragédie déchaînée. Avec la narration libérale de Werner Herzog, le film devient moins un homme dévoué à son amour de la nature (et des ours), mais plutôt un profil psychologique d'un homme si mal en point qu'il se tuerait (et quelqu'un qu'il aimait) par un sens du but erroné . Dans ce contexte, une brève scène avec David Letterman interviewant Treadwell et plaisantant qu'un jour il sera mangé par un ours devient une prophétie obsédante. [UNE-]

“; Rescue Dawn ”; (2007)
Le tour émacié de Christian Bale à Brad Anderson ‘ The Machinist ”; a marqué un tournant pour l'acteur qualifié, mais a également soulevé des questions sur la brutalité de sa méthode d'agir. Herzog doit avoir identifié une parenté dès le début, car il a interprété Bale comme Dieter Dengler dans la recréation narrative d'un sujet qu'il avait abordé auparavant avec le vrai M. Dengler en 1997 et Little Deter Needs To Fly ” ;. Le film qui en résulte est un slog occasionnel, mais en décrivant la capture de Dengler après avoir été abattu et les relations avec les prisonniers de guerre, Herzog trouve un endroit idéal, explorant à nouveau le fonctionnement des hommes dans des conditions extrêmes. Bale atteint toutes ses notes, mais c'est Steve Zahn (avec, dans une moindre mesure, Jeremy Davies) qui résonne, offrant une volte-face complète de ses fréquents rôles de compagnon doofus, pour révéler Duane W.Martin, un émotionnellement lourd, mais de bon cœur, l'homme complotant pour la liberté aux côtés de Bale. [B]

“; Rencontres au bout du monde ”; (2007)
Herzog clarifie tout assez tôt dans 'Rencontres au bout du monde' - ce n'est pas une 'Marche des pingouins'. Au lieu de cela, Herzog se demande dans son film “; Qui étaient les gens que j'allais rencontrer en Antarctique à la fin du monde? Quels étaient leurs rêves? ”; Le doc est également apparemment chargé de la recherche éternelle de Herzog pour la «vérité extatique» sous forme documentaire. Tourné avec une minuscule équipe composée uniquement de Herzog et du directeur de la photographie Peter Zeitlinger, ‘Encounters’ a été tourné presque entièrement à la volée en sept semaines seulement. Le style de réalisation du film crée un style de journal d'observation, plutôt que quelque chose de plus typiquement basé sur la narration - bien que la narration impassible d'Herzog aide à l'enchaîner. Bien que certains des moments les plus beaux et poétiques se trouvent dans les longs plans sous-marins - certains des moments les plus fascinants émergent des divagations des habitants au-dessus du sol de la station de fortune McMurdo. La représentation des scientifiques - chacun travaillant dur dans leurs domaines respectifs, oscillant entre la découverte de nouvelles espèces et la mort de langues, le tout au nom du progrès à l'extrémité la plus éloignée du monde - a une nuance quelque peu sinistre que nos explorations peuvent hâter la fin du monde, plutôt que le contraire. [C +]

«Bad Lieutenant: Port Of Call New Orleans» (2009)
Nous ne savons pas pourquoi ce film est devenu une cause célèbre pour les hipsters (à part leur prédilection prévisible pour les performances ironiques), mais s'il était allé directement à la vidéo et n'avait pas été réalisé par Werner Herzog, quelqu'un aurait-il même donné une merde ? Oui, il y a des astuces de caméra distinctement Herzog-ian, des moments WTF extrêmes qui sont amusants, et Nicolas Cage n'a pas été aussi intéressant depuis des années (bien que vous ayez passé une décennie à faire une chaîne sans fin de merde n'importe quoi avec un gramme d'intégrité va se démarquer). Mais le film lui-même est une procédure policière sans intérêt, qui ressemble à un concert de chèque de paie bricolé à la hâte et il est tellement drastiquement inégal, les deux heures qu'il faut pour le regarder se sent comme un après-midi entier. Val Kilmer a récemment révélé que son rôle était à peu près inventé juste pour qu'il puisse jouer dans le film et passer du temps avec Herzog et Cage et oui, nous pouvions facilement le voir. Et quand le plus gros sujet de discussion que Herzog a pu rassembler dans les interviews pour le film était qu'il a été livré à temps et en respectant le budget et tourné en utilisant un minimum de prises, cela vous dit à peu près tout ce que vous devez savoir sur le deuxième flirt le plus proche de Herzog à ce jour. avec le courant dominant (après 'Rescue Dawn'). [C-]

“; Mon fils, mon fils, qu'avez-vous fait? ”; (2009)
Mélangez David Lynch et Werner Herzog, et vous obtiendrez forcément quelque chose qui ira directement dans l'obscurité. En conséquence, cette image d'horreur séro-comique, sur un homme délirant qui joue la pièce de théâtre séminale “; Oresteia ”; en assassinant sa mère avec un sabre antique, touche quelques notes très inattendues. Herzog semble moins intéressé par l'horreur et le mal transparent au cœur des questions, se concentrant plutôt sur la façon dont les actions de Mark Yavorsky ont créé sa propre petite sous-communauté, où les flics interagissent avec une foule de personnes qui ont influencé Yavorsky plus tôt, déchaînées journées. Bien qu'il ne puisse jamais y avoir d'autre Kinski, Michael Shannon se démarque admirablement dans une performance guidée par la curiosité intellectuelle d'un démon, ses traits faciaux plats contrastent avec le front probablement le plus expressif d'Hollywood, l'acteur de personnage se transformant en une force de la nature devant nous . Bien qu'il puisse être décontracté et mortel, c'est Shannon à son plus détendu qui semble le plus redoutable, comme s'il était enroulé et mieux préparé à frapper. La façon dont il frappera est le secret rusé et fou de Herzog. [B-]

Et n'oublions pas: qu'avons-nous donc omis (uniquement pour des raisons de temps, d'espace et d'indisponibilité)? Eh bien, il y a ses débuts en 1968, «Signs of Life», un conte de la Seconde Guerre mondiale qui a établi l'intérêt pour la folie humaine qu'Herzog suivrait pendant presque toute sa carrière. Il y a le documentaire remarquablement humain «Land of Silence and Darkness», un documentaire qui suit un groupe de sourds-aveugles, suivi, treize ans plus tard, par son prochain ouvrage non-fiction, «The Dark Glow of the Mountains», traçant un ambitieux alpinisme. expédition, ce qui démontre que les études de Herzog sur l'obsession et la folie n'allaient pas se limiter à son travail de fiction.

La même année, 'Where The Green Ants Dream', un autre conte vaguement anthropologique mettant en vedette la star de 'Mad Max' Bruce Spence, qui, pris en sandwich entre 'Fitzcarraldo' et 'Cobra Verde', de même thème mais supérieur, a sombré dans l'obscurité. «Echoes From A Somber Empire» des années 1990 présente un documentaire sans fioritures sur un sujet post-colonial, Herzog occupant une place secondaire rare dans les souvenirs du journaliste Michael Goldsmith sur sa torture en République centrafricaine, alors qu'il retournait à l'escalade. l'année prochaine pour le «Scream of Stone» fictif, bien que Herzog ait surtout renié le produit fini.

'Bells From The Deep' de 1993 est un regard plutôt fascinant sur le mysticisme russe et la légende de la ville perdue de Kitezh, alors qu'il tournait la main vers le bouddhisme dans 'Wheel of Time' une décennie plus tard. Enfin, la bizarrerie de science-fiction de 2005 «The Wild Blue Yonder» est l'une des images les moins bien reçues de Herzog ces derniers temps, mais présente au moins une performance captivante de Brad Dourif, qui est devenu quelque chose d'un habitué du réalisateur au cours des vingt dernières ans. - Oliver Lyttelton, Christopher Bell, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Samantha Chater, Kevin Jagernauth et RP.



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