'Orlando' de Sally Potter est une saga qui défie le genre et qui tient toujours

'Orlando'



Cet article a initialement été publié en 2010, lorsque 'Orlando' a été réédité.

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Des décennies après sa première sortie en salles, 'Orlando' a conservé toute son allure d'origine, puis certaines. L'adaptation singulière et singulière de Sally Potter du roman de Virginia Woolf de 1928 a pris de l'ampleur, principalement en raison de la célébrité mondiale de son leader polyvalent, Tilda Swinton. Potter rejette hardiment les perspectives d'essayer de donner à Swinton un air conventionnellement masculin, laissant la performance transcender les catégories de genre pour devenir une méditation vive sur l'identité.



En tant que poète titulaire avec une capacité inexplicable à vivre 400 ans (d'abord en tant qu'homme, puis en tant que femme), Swinton capitalise sur une apparence androgyne qui continue de jouer un rôle (quoique à des degrés plus subtils) dans son dernier ouvrage. Avec ses récentes performances comme 'Burn After Reading' et 'I Am Love', Swinton est résolument féminine dans un monde d'hommes. Mais 'Michael Clayton' lui a permis de jouer un méchant glacial avec pratiquement aucune qualité féminine manifeste. Maintenant, le talent évident de Swinton est devenu une sorte de fixation élégante pour le public cinéphile. «Une chose que tout le monde réalise à propos de Swinton [c'est] qu'elle peut« ressembler »à tant de choses», observe un commentateur enthousiaste sur un clip de Swinton publié sur YouTube. 'En conséquence, elle est destinée à jouer autant de types de rôles différents que possible - si le destin le permet.'



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Mais le passage des vitesses d'un projet à un autre ne démontre rien comme la flexibilité affichée d'une scène à l'autre dans 'Orlando'. Alors que Potter suit le personnage depuis les limites sociales de la société anglaise des années 1600 jusqu'aux temps modernes, le seul facteur cohérent est celui d'Orlando. expression des poissons hors de l'eau.

Avec la cinématographie évocatrice d'Aleksei Rodionov créant une sensation de livre de contes, la navigation rapide des époques de Potter se sent à la fois épique et retenue. La structure basée sur la vignette mène à un film de moments plutôt qu'à n'importe quelle sorte de rythme narratif conventionnel. Alors que David Fincher a utilisé CGI pour faire vieillir Brad Pitt dans «The Curious Case of Benjamin Button» et Todd Haynes a transformé Cate Blanchett en Bob Dylan dans «I'm Not There», Potter place simplement Swinton comme Swinton dans une variété de contextes et laisse les différentes juxtapositions en dire long sur les rôles de genre à travers l'histoire. Le résultat est un anti-récit radical qui résiste aux raccourcis émotionnels conventionnels.

Avec les expressions intenses de Swinton en gros plan constant, le film joue la thèse de Potter sur les relations hommes-femmes - Orlando incarne les deux - une construction qu'elle construit avant de permettre à sa star de la transcender délicatement. Bien qu'aucun des suivis de Potter n'ait visé les mêmes déclarations conceptuelles générales («Rage», qui inclut Jude Law comme une célébrité pompeuse en pleine traînée, se rapproche le plus), elle continue d'étudier les femmes forcées d'adhérer aux exigences de le monde qui les entoure. Dans «L'homme qui a pleuré», Christina Ricci poursuit Johnny Depp comme si sa vie en dépendait. (Informée qu'elle doit trouver un homme riche pour l'emmener d'Italie en Amérique, son personnage le croit probablement.) Potter elle-même, en tant que star de 'The Tango Lesson', est la proie du charme de l'homme-femme érotique de la danse dynamique de puissance.

La survie de Potter en tant que cinéaste profondément personnel a été prédite par le critique du New York Times Vincent Canby lors de la sortie initiale de 'Orlando'. Canby a écrit que le film 'pourrait bien devenir un classique d'un genre très spécial, pas grand public peut-être, mais un modèle pour les cinéastes indépendants qui suivent leurs propres muses irrationnelles, parfois jusqu'à l'obscurité sans deuil, parfois jusqu'à la gloire. »

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Le seul aspect «irrationnel» de «Orlando» réside dans ses éléments fantastiques de base. Tout le reste a un objectif clair, une approche sans relâche intelligente pour revitaliser la nature typiquement austère de la pièce d'époque. Quentin Crisp, en tant que pompeuse reine Elizabeth I, donne le ton initial en dépeignant une femme âgée sans virer à une parodie manifeste («une vieille reine jouée par, eh bien, une vieille reine», comme le décrit Ken Hanke dans le Mountain Xpress). L'humour impassible vient des réactions constantes à la trajectoire improbable d'Orlando, mais son état réel ne fait que susciter la contemplation. Entourée d'écrivains britanniques étouffants au début de son siècle en tant que femme, Orlando fait face à l'inégalité pour la première fois: «Les femmes n'ont aucun désir», lui dit un homme. 'Seulement des affectations.'

La vie s'améliore-t-elle pour Orlando? Oui et non. Elle est contrainte à l'obscurité par un gouvernement britannique qui refuse de la laisser garder sa terre et détermine qu'elle doit être légalement morte. Mais elle vit au XXe siècle, où elle peut se promener en pantalon et conduire une moto sans susciter de regards désapprobateurs. Son expérience s'améliore avec le temps, mais la notion même de bizarrerie dans l'intrigue de 'Orlando' implique tous les téléspectateurs dans la tendance universelle à juger les autres en fonction de l'apparence. Lorsque le personnage se tient nu devant un miroir, évaluant soigneusement son nouveau corps féminin, elle déchaîne la réplique la plus célèbre du film: 'Aucune différence du tout', dit-elle. 'Juste un sexe différent.' Mais le long regard final d'Orlando dans la caméra ressemble à un acte d'accusation, ou au moins à oser retenir un jugement qui reste puissant à ce jour.



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